Memoriando

BROKEN LINES

2012-01-31T12:24:00.000-05:00

Dir. Martine Fougeron / Richard Kendall / Frank de Ruiter (ENG)

Joe Soll nunca conoció a sus padres. Criado por trabajadores de clase media en Nueva York, pasó más de la mitad de su vida atormentado por la muerte de su madre. Pero entonces un día, esa historia de repente empezó a develarse.

AN OWL IS AN OWL IS AN OWL

2012-01-30T12:32:00.001-05:00

Dir. Chris Marker

THE TSUNAMI AND THE CHERRY BLOSSOM

2012-01-30T10:57:00.001-05:00

Dir. Lucy Walker

UNA NOCHE CON WERNER HERZOG

2012-01-26T13:43:00.000-05:00

Entrevistado por: Pico Iyer (ENG)

EL CINE DE LO REAL

2012-01-24T00:01:00.000-05:00

La colección A Oscuras - Colihue Imagen, dirigida por Ana Amado, es un salto de calidad en el universo de los libros de cine. La nueva publicación de la colección lleva el sugerente titulo de El cine de lo real, casi como una declaración de principios. Se trata de una compilación de conferencias, ensayos y debates que tuvieron lugar en las Conferencias Internacionales del Documental, organizadas por el Festival Internacional de Documentales Es todo verdad. Este festival es el más importante de la producción no ficcional de Suramérica, y en sus últimas ediciones se desarrolló de forma simultanea en las ciudades de Río de Janeiro y Sao Paulo.

El cine de lo real no es un libro para especialistas, aunque éstos encontraran muchas de las discusiones del universo documental allí expuestas y desarrolladas. Es un libro que permite un acercamiento a la teoría cinematográfica para aquellos que disfrutan del cine. Desde la óptica del documental, los trabajos que han compilado Amir Labaki y María Dora Mourão, brindan herramientas para pensar nuestra realidad circundante y mediatizada por el cine, la TV, e Internet.

La maldición de lo periodístico

En el primer articulo del libro, Brian Winston reflexiona en torno a la era digital y su influencia sobre la producción documental. Sin embargo, elige focalizar su análisis en el peso que “lo periodístico” le está imponiendo al documental. “La desaparición del límite con el periodismo ha redundado, de hecho, en la desaparición de todo documental que no sea periodístico”, afirma. Es éste un eje central para analizar el documental hoy, en tanto posibilidad de acceso a “lo real”.

Las lógicas periodísticas han invadido la producción documental; tanto es así que ya parece una norma que una película documental trabaje sobre algún suceso o evento como puede hacerlo un noticiero televisivo. Esa “desaparición del limite” también contamina a la TV, donde cada vez cobra mayor preponderancia la musicalización de las noticias, por ejemplo. O la construcción de un relato por entregas con un periodista especializado para contar las últimas noticias (por ejemplo, el caso de Julio Bazán en Telenoche, y su “puesta en escena” de las noticias). O la novedad del documental de autor periodístico, como fue el intento fallido de Lanata por llegar a la pantalla grande.

Ana Amado retoma parte de este debate en su ensayo sobre la obra de Michael Moore, cineasta de mixturas si los hay. “Por otra parte, el cine documental, principalmente en su variante testimonial, debe lidiar con el dato de que el testimonio es un recurso apropiado con arrogancia por la televisión. La voz y la imagen del ciudadano medio y popular son insumos predilectos de la pantalla televisiva, que en su exposición exhaustiva aunque deshistorizada de la realidad despliega una aritmética de equivalencias y sobreinformación que procura situar un testimonialismo exacerbado pero de algún modo hechizante, y en relación con la cual debe intentar posicionarse una producción documental fílmica que repite ese recurso en la gran pantalla”.

Nuevamente, nuestra televisión nos brinda ejemplos de esta utilización “exacerbada” del testimonio. Desde los programas de América TV que salen con una cámara a reproducir los temores de la clase media ante “el conurbano bonaerense” (jóvenes alcoholizados, peleas, drogas, criminalidad), hasta la pantalla de Canal 13 ficcionalizando los atropellos y las desventuras de la policía bonaerense. Es una impúdica pantalla que construye el morbo social hacia “el otro”, pero tomando su discurso y su vivir. El testimonio no vale para denunciar su situación, sino para exponerla al escarnio de la platea que desde sus hogares se consuela por no estar ahí.

Bill Nichols, por su parte, analiza desde los atentados del 11/09/2001 las transmisiones televisivas de las noticias. “La cobertura de la televisión en vivo se desenvuelve como un flujo interminable. Las habituales interrupciones publicitarias o de cambio de un programa al siguiente desaparecen. Las “noticias de último momento” le dan un ritmo irregular a la mezcla sincopada y posmoderna de imágenes y comentarios, conjeturas, resúmenes, descripciones, repeticiones y entrevistas que se suceden las unas a las otras. (...) En estos casos, la “noticia” ocurre fuera de todo contexto. No hay información de fondo al respecto. Nadie puede narrar el desarrollo de una trama cuando la propia existencia de una historia en incierta. El caos refuta la narrativa. Todo lo que tenemos es una cronología. ¿Qué está sucediendo? ¿Qué significa lo que estamos viendo? ¿En qué sentido se trata de un evento? ¿Cuándo comenzó y cuándo terminara? ¿Podemos dejar de mirar antes de saberlo?”

Sin dudas, el texto nos recuerda aquella maratón televisiva con las Torres Gemelas cayendo en un mar de incertidumbres. Pero también nos sirve para pensar cómo la televisión argentina trata distintas “noticias” en vivo y en directo. El caso de una toma de rehenes, por ejemplo. De golpe, se organiza una cadena nacional cuando los expertos dicen que este tratamiento televisivo complica la situación. Ni que hablar si un conductor de noticieros, como el inefable Andino, habla con los secuestradores para todo el país. Como vemos, las reflexiones que se desprenden de este libro van más allá de lo meramente documental, y nos permiten repensar distintas vicisitudes de nuestras sociedades “audiovisualizadas”.

Eduardo Coutinho

Para finalizar, quiero remarcar las interesantísimas intervenciones que se transcriben en el debate “Imágenes de la subjetividad” del cineasta brasileño Eduardo Coutinho. Este realizador, que tiene más de 20 películas en su haber, es de lo mejor del cine documental suramericano. Logra transmitir las vivencias de sus entrevistados, sin vulnerar su tiempo y su espacio. Nos permite acercarnos a “los otros”, pero como si fuéramos nosotros quienes estamos allí, ante la cámara, por contar nuestra historia. Ese respeto ético por “lo real”, hace de su filmografía una obra fundamental.

“Me gusta jugar con la idea de que el pecado original del documental es el robo de la imagen ajena. Y no porque se esté robando de hecho –a fin de cuentas se sabe que hay una cámara y que no es una cámara escondida-. Pero se dan este tipo de problemas, pues la gente es real, y mi intención cuando hago una película sobre personas reales es que ellas me acepten y no que me acepte la clase que representan o el género.”

“Hay que ser creativo, inventar narraciones nuevas, poéticas. Tal vez el mal del cine es que hay un solo narrador; deberían existir cinco, y en la medida de lo posible, contradictorios. Es necesario hacer que la narración se vuelva compleja y poética, salvo en las películas puramente informativas. Cada película pide lo que pide. Yo busco hacer películas que prescindan de la narración.”

“El problema a la hora de enfrentar el riesgo de la ficción tradicional es que se empeña mucho dinero y lleva mucho tiempo realizarla, además de que se crean expectativas en el publico. Al hacer documental, para comenzar no escribo un guión, y mis sinopsis tienen dos renglones. El documental me permite eso, porque no necesito escribir un guión, no preciso escribir nada, simplemente me meto en el riesgo que representa el documental. Hago un tipo de cine sabiendo perfectamente que es marginal, porque el documental es y siempre será marginal, en el sentido de que no es la corriente principal, siempre está al margen. Y ahí perdemos una serie de ilusiones que me incomodarían, del tipo “esta película va a darme mucho dinero” o “va a tener mucho público”. Yo ya pierdo esta expectativa y asi todo es ganancia.”

El cine de lo real Amir Labaki y Maria Dora Mourão (Compiladores) Colección A oscuras · Colihue Imagen Ediciones Colihue

Vía / AC

OTROS VARIOS - SUNDANCE 2012

2012-01-22T10:40:00.000-05:00

Bien, ahora después de los dos listados anteriores (Us documentary y World Cinema) quedan los documentales que se presentan en otras categorías como New frontier, Doc premieres o en la muestra general junto con películas de mayor presupuesto.

Vía / Movies - Flavorwire

ROOM 237 (New frontier)

Rodney Ascher, el director de este documental realizó en 2010 el corto The S from Hell de un grupo de geeks obsesionados con el logotipo de Screen Gems (una cosa muy bizarra). Y ahora se ocupa de las teorías de conspiración y analiza El resplandor (The shining) de Stanley Kubrick.

Pregunta: ¿Es la confesión de Kubrick del aterrizaje en la luna?, ¿Trata de las masacres de los Nativos Americanos?, ¿El holocausto? e incluso si no se comparte sus interpretaciones seguro que será interesante verlo.

UNDER AFRICAN SKIES (Doc Premieres)

Cuando Paul Simon lanzó el álbum "Graceland" de gran influencia en Suráfrica, Joe Berlinger (el director) tenía 25 años y era un gran admirador de este compositor, así también se interesó por las implicaciones políticas que se dieron con estas grabaciones.
La historia de la persistencia de la segregación racial en Suráfrica tenía activistasa prominentes en el movimiento anti-apartheid que acusaron a Simon de romper el boicot económico y cultural a nivel mundial que se estaba llevando a cabo para presionar al entonces régimen a que contemplara sus errores. Y de esta reconstrucción trata este documental.

WEST OF MEMPHIS (Muestra general

Si hay un tema que ha recibido gran atención y que parece tenerlo aún más este año es la historia de West Memphis Three, los jóvenes de West Memphis, Arkansas que fueron acusados erróneamente de un ritual asesino de tres niños en 1993. Ellos han pagado 18 años por este crimen, y con el transcurso del tiempo, sus historias han sido narradas en los reconocidos documentales "Paradise Lost", estando el tercero en competencia en la US Documentary competition. Pero acá hay otra mirada a la historia, producida por Peter Jackson y Fran Walsh, y dirigida por Amy Berg y el tráiler no inspira menos.

WORLD CINEMA DOCUMENTARY COMPETITION - SUNDANCE 2012

2012-01-21T16:43:00.000-05:00

Antes había hecho una lista de los documentales que se encuentran en la sección US Documentary competition del Festival de Sundance. Otra sección, que trae más sorpresas, es la de World Cinema documentary que se enfoca en las realizaciones hechas por no-estadounidenses en el resto del mundo.

Los primeros documentales, al igual que los de la anterior lista, se encuentran entre los más esperados y que aparecen a la cabeza de todas las predicciones "emocionales" de los críticos o especuladores, si tenemos en cuenta que hasta ahora se están presentando.

Vía / Movies - Extracine

5 BROKEN CAMERAS

Brutal (en el sentido más emocional que da la palabra). Cinco cámaras rotas y cada una de ellas tiene un historia que contar. Incrustado en los restos de metralla en una cámara digital queda la historia de Emad Burnat, un granjero de palestina que escogió la no violencia para resistir cuando la armada israelí invadía sus tierras para hacer sitio a los colonos judíos. Compró su primera cámara en 2005 para documentar el nacimiento de su cuarto hijo, Gibreel. En el transcurso de la película se ven imágenes de una lucha pacífica en la que los olivos son demolidos, se pierden vidas, y se construye un muro para separar los crecientes asentamientos israelíes. Emad Burnat y el israelí Guy Davidi, unen sus fuerzas para juntar los restos de cinco cámaras y dos cineastas para crear una extraordinaria obra fílmica.

CHINA HEAVYWEIGHT

En el sureste de China, entrenadores deportivos recorren la zona en busca de adolescentes que puedan demostrar una habilidad natural para lanzar un buen puñetazo. Una vez se trasladan a los centros de entrenamiento de boxeo, tanto chicos como chicas deben someterse a una riguroso régimen que les prepare, no sólo para convertirse en héroes olímpicos, sino también para la vida fuera del ring.

Tras presentarse en Sundance en 2008 con "Up the Yangtze", el cineasta chino Yung Chang (el último de mis ídolos) vuelve con este documental que explora y refleja los cambios sociales y el desarrollo de la China moderna.

PAYBACK

El brillante documental de la canadiense Jennifer Baichwal sirve como un imaginativo ejemplo de cómo trasladar y explorar el trabajo de una artista en un documental. En este proyecto se compromete con la ambiciosa tarea de adaptar el visionario ensayo de Margaret Atwood sobre los sistemas de salud y justicia.

Visceral y revelador, el documental nos sumerge profundamente en la reconsideración de las raíces de la desigualdad social, nuestros valores, y el papel de la deuda como principio para organizar nuestra vida y el destino que da forma a nuestra manera de relacionarnos, nuestra sociedad y el destino del planeta.

SEARCHING FOR SUGAR MAN

Sixto Rodriguez fue el más grande los artistas estadounidenses de los años setenta que nunca llegó a ser un icono del rock. Sus álbumes fueron aclamados por la crítica y muchos sintieron que iba a ser algo grande, pero las ventas se vinieron abajo, y se desvaneció en la oscuridad, entre los rumores de una muerte espantosa. Sin embargo, como una broma del destino, una copia pirata de su álbum llegó hasta Sudáfrica, donde su música se convirtió en un fenómeno. En un país oprimido por el apartheid, su mensaje antisistema conectó con la gente. cuando su segundo álbum salió a la venta, dos admiradores lo toman como una señal y deciden investigar sobre la misteriosa muerte de Rodriguez y qué pasó con los beneficios de las ventas de sus álbumes. Partiendo de muy poca información sobre los orígenes del cantante, se encontraron con muchos obstáculos hasta que llegaron a descubrir una sorprendente revelación que hay que ver para creer.

THE AMBASSADOR

Mads Brügger vuelve a Sundance, tras ganar el premio del jurado en 2010, por "The Red Chapel" con un documental sobre un enigmático y decadente diplomático blanco en África central, que con gafas oscuras, botas de montar y una boquilla, ha comprado una embajada y afirma ser un rico empresario en una misión diplomática. Oficialmente está ahí para iniciar una fábrica que dará empleo a los nativos para producir cerillas. Extraoficialmente su objetivo es tener acceso a inmensas zonas reservadas de la zona de los diamantes. Pronto se hace palpable que en esta economía postcolonial, cualquiera es libre de estafar a los demás, y los peligros se hacen demasiado reales.

THE IMPOSTER

Dirigido por Bart Layton y con los productores de "Man on wire" y de "Tillman story". En 1994, un chico de 13 años desapareció de su casa en San Antonio, Texas. Tres años y medios después, es encontrado vivo lejos por cientos de kilómetros, en España. Desorientado y temblando de miedo, cuenta su increíble historia de secuestro y tortura. Su familia, muy contenta, lo lleva a casa. Pero no todo parecer ser verdad. Seguro, tiene los mismos tatuajes, pero luce decididamente diferente, y ahora habla con un extraño acento. ¿Por qué la familia no parece notar estas inconsistencias? Es sólo cuando un investigador empieza a hacer preguntas que esta asombrosa historia toma un giro aún más extraño.

PUTIN´S KISS

Masha Drokova es una joven político emergente, en Rusia, que lidera un popular movimiento juvenil: Nashi. Una inteligente y ambiciosa adolescente que, literalmente, abraza la promesa de Vladimir Putin de una nueva Rusia, su dedicación como organizadora es recompensada con una beca, un apartamento y un trabajo como portavoz. Pero su futuro político falla cuando se hace amiga de un grupo de periodistas liberales que critican al gobierno, incluyendo al blogger Oleg Kashin, que denomina a Nashi como un “grupo de macarras”, y es obligada a enfrentarse al grupo con tácticas sucias. En su primer trabajo, la danesa Lise Birk Pederssen ofrece una escalofriante visión de la Rusia contemporánea, su frágil democracia, y las alarmantes tendencias fascistas de Nashi.

BIG BOYS GONE BANANAS!*

¿Qué es capaz de hacer una corporación para proteger su marca? En abril de 2009, los cineastas suecos Fredrik Gertten y Margarete Jangard en un festival de cine de Los Angeles estrenaron Bananas!*, un documental sobre la demanda contra la Dole Food Company, . Así, en pocas semanas, se vieron envueltos en una batalla legal para salvar su estreno, su película, su reputación y su libertad de expresión.

SHILTON HA CHOCK (THE LAW IN THESE PARTSs)

El director Ra’anan Alexandrowicz adriza que “esta película no es sobre la gente que viola la ley, sino sobre los que s encargan de la ley”. Ambiciosamente concebido, económicamente diseñado y meticulosamente ejecutado, su documental activista y combativo incide sobre el dilema moral israelí. En un país fundado en los principios democráticos, Alexandrowicz se pregunta en términos simples pero profundos, si la justicia puede realmente servir de la misma manera en los territorios ocupados dado el actual sistema lega administrado por los israelíes hacia los palestinos. Dividido en cinco capítulos la película discute de una manera precisa, disciplinada y dramática, considerando las complejas repercusiones del inusual marco legal que se crea en estos territorios tras la Guerra de los Seis Días, en 1967.

GYPSY DAVY

¿Cómo puede un chico blanco de Alabama convertirse en un guitarrista de flamenco en Andalucía? Viajando por diferentes continentes y por un laberinto de significados ocultos, la cineasta Rachel Leah Jones documenta su viaje hacia un padre seductor, muy difícil de alcanzar. A medida que traza el camino, se marca uno para ella misma. Libre de sentimentalismo o auto-indulgencia, la narración irónica y reflexiva de Jones provee con una brújula para la navegación a través de una familia llena de misterios y traiciones. Como anhelo de su padre, la hipnótica guitarra sirve como nexo para conectar la película, sumergiéndonos en el amor principal de su padre: la música. Lo que una vez separó a la familia, les reúne ahora en una esta producción entre Isarel, Estados Unidos y España, que quizás permanezca como una colección de almas enredadas.

INDIE GAME: THE MOVIE

Con el siglo XXI florece una nueva generación de artistas independientes: los diseñadores de juegos independientes. Reacios a trabajar para grandes compañías, estos innovadores crean, diseñan y programan sus juegos con sus señas distintivas con la esperanza de que les lleven hasta el éxito. Por primera vez, los cineastas Lisanne Pajot y Swirky James capturan el viaje emocional de unos artistas minuciosamente obsesivos que dedican su vida al arte interactivo. Cuatro desarrolladores, tres juegos, y un único objetivo: expresarse a través de un video juego.

DOCUMENTALES ESTADOUNIDENSES - SUNDANCE 2012

2012-01-20T19:33:00.000-05:00

El Festival de Sundance, que se celebra en la helada ciudad de Park City en Estados Unidos a finales de enero, atrae a periodistas, productores y cinéfilos con el proposito de ver las películas que nuevos directores o con nuevas propuestas traen. Desde 1980, cuando se creó por la mano de ese ya-no-tan-guapo actor que es Robert Reford, el Festival ha ido creciendo hasta convertirse en referencia para las realizaciones que circularan cada año si la venta co-productiva se realiza.

En la competición hay varias secciones que consideran documentales: los que se encuentran en la sección de Estados Unidos (US Documentary competition), los que participan de la sección World cinema documentary (el resto del planeta), la sección New frontier (de tipo más experimental) y Doc premieres (apenas salidos de la sala de edición). Y como es habitual ya salieron las respectivas especulaciones de cuales serán "las-que llamaran-la-atención", "los-que-no se pueden-perder", o las que denominan "el-futuro-ya-está-acá" y demás, aunque no falta el honesto que dice que no las ha visto y el listado va por intuición, credenciales del director o temática.
Empezaré por la muestra estadounidense.

Vía / Wsj - Movies - Extracine

AI WEIWEI: NEVER SORRY

Parece ser al gran ganador de este año que comienza y surge en todas las listas, recaudos y apuestas al menudeo que aparecen por la red. De tener en cuenta también por la gran influencia que Ai Weiwei tiene, en este momento, en el mundo del arte. Weiwei es un artista conocido por muchas facetas: arquitecto, subversivo, arte facial y activista político, atreviéndose a pedir una mayor transparencia por parte del gobierno chino. En su primer documental, Alison Klayman, hace una crónica de la complejidad de la vida de Weiwei a lo largo de tres años, comenzando por su prominente ascenso público, vía blog y twitter, después de que cuestionara la muerte de cinco mil estudiantes en el terremoto de Sichuan de 2008. El documental incluye su arresto en Pekín, en abril de 2011, así como el proceso de preparación de algunas de sus exposiciones internacionales, sus proclamaciones activistas y sus frecuentes encuentros con las autoridades chinas.

CHASING ICE

Es considerado como la respuesta visualmente bella a "An inconvenient true". Pero más que respuesta sería la versión en time lapse. ¿Cómo se puede hacer una fotografía del cambio climático? Esto es lo que se preguntó James Balog, fotógrafo de National Geographic, lo que llevó a pensar en el hielo. Precisamente se le pidió cubrir una historia sobre los glaciares que se convirtió en una de las piezas más populares y leídas de la revista durante los últimos cinco años. Pero para Balog, esta historia sólo marcó el principio de un proyecto a largo plazo que alcanzaría proporciones épicas. Jeff Orlowski (acá una entrevista) decide seguir al fotógrafo en la puesta en marcha del proyecto Extreme Ice Survey, en el que se colocan treinta cámaras en tres continentes para mostrar la evidencia visual del deshielo.

THE INVISIBLE WAR

En 2006, Kirk Dick levantó polémicas con "This film is not rated yet" que hablaba de las maquinaciones del sistema de ranking al interior de la Motion Picture Association of America y este año, cambiando un poco de tema pero igual de polémico, presenta testimonios de lo que sucede a algunas mujeres u hombres militares en el campo de batalla. Un treinta por ciento de mujeres y al menos un uno por ciento de hombres han sufrido asaltos sexuales o violaciones durante su alistamiento en el ejército de los Estados Unidos. Y no precisamente a manos del enemigo, sino por compañeros de taquilla o litera. Con total claridad y escandalosas revelaciones, The invisible War expone una epidemia de violación en las fuerzas armadas, investigando las instituciones que perpetúan tales acciones, así como las profundas secuelas personales y sociales.

DETROPIA

Las directores de este documental, Heidi Ewing y Rachel Grady, tienen a sus espaldas "Jesus Camp" y "Boys of Baraka", sendas realizaciones con gran cantidad de premios, y si, por eso, yo también espero verlo. La historia de Detroit engloba los momentos históricos de los Estados Unidos a lo largo del último siglo: la gran migración de afroamericanos escapando de Jim Crow, el crecimiento de las fábricas y la clase media, la historia de amor con los automóviles, el florecimiento del sueño americano… y ahora el colapso de la economía y el desvanecimiento de los mitos estadounidenses. Detropia es un fresco que muestra el ritmo de una ciudad en decadencia y disolución.

ESCAPE FIRE: THE FIGHT TO RESCUE AMERICAN HEALTHCARE

Creo que "Sicko" de Michael Moore dejó unas cuantas preocupaciones por el sistema de salud de Estados Unidos y "Escape fire" le sigue el hilo. Muchos tratan de mantener el tipo en la industria médica, creada más para soluciones rápidas que para prevenir grandes mayores, buscando el lucro, en lugar del cuidado del paciente. La salud es el tema central de un encarnizado debate en los Estados Unidos. Pero la batalla sobre el coste y el acceso no profundiza en las raíces del problema: es un sistema que presta atención a la enfermedad, pero no al paciente. Tras décadas de oposición, un movimiento está introduciendo ideas innovadoras, métodos de prevención de bajo coste y la salud está finalmente ganando terreno. Matthew Heiman y Susan Froemke abordan una serie de entrevistas cargadas de fuerza emocional en un intento de llamar la atención de las autoridades hacia un sistema sanitario más efectivo y saludable.

Si no logran ver el tráiler, sigan acá.

THE HOUSE I LIVE IN

Conocido por documentales como "Why We Fight" o "Freakonomics", la película de Eugene Jarecki dirige su objetivo a una plaga que está destruyendo más familias que cualquier guerra, y progresivamente se está convirtiendo en un azote para la sociedad estadounidense: la droga. En los últimos cuarenta años se han producido alrededor de cuarenta y cinco millones de arrestos relacionados con el narcotráfico, lo que les ha convertido en la cárcel más grande del mundo, destruyendo comunidades empobrecidas tanto en su territorio como en el extranjero. Sin embargo, las drogas son más baratas, puras y disponibles que nunca. ¿Qué estamos haciendo mal? ¿Cómo se puede solucionar?

LOVE FREE OR DIE

En junio de 2003, la Iglesia episcopal de New Hampshire estuvo bajo el escrutinio cuando eligió por primera vez a Gene Robinson, un hombre homosexual como obispo. Desde ese momento, Robinson ha sido el centro de una batalla por las personas LGBT para que reciban la aceptación completa de esta fé.
Dirigida por Macky Alston.
Encuentro con el director:

THE QUEEN OF VERSAILLES

Con las dimensiones épicas de una tragedia de Shakespeare, The Queen of Versailles sigue a los multimillonarios Jackie y David en su historia para permanecer en su tren de vida, descubriendo las virtudes y defectos innatos del sueño americano. Lauren Greenfield dirige un documental en el que sabe qué preguntar, cuando preguntar y, lo más importante, dónde colocar la cámara para ser testigo del impacto de la crisis económica en una familia venida a menos que trata de salvaguardar su dignidad a pesar de los reveses de la fortuna.

WE´RE NOT BROKE

Con la peor recesión económica desde la Gran Depresión y un déficit presupuestario sin precedentes, los Estados Unidos es actualmente un país destrozado. Al menso eso es lo que políticos y expertos quieren hacer creer al ciudadano de a pie. Karin Hayes y Victoria Bruce revelan el hecho de que corporaciones multimillonarias basadas en los Estados Unidos, sacan el dinero a los consumidores estadounidenses, que a menudo reciben lucrativas ofertas del gobierno, a pesar de que no pagan ni un sólo dólar en concepto de impuestos. La clase media tiende a desaparecer mientras que las grandes empresas evaden impuestos y gastan millones para presionar a los políticos defendiendo sus intereses. We’re Not Broke explora cómo el gobierno ha permitido esta desigualdad y el crecimiento de un descontento socia que ha encontrado una respuesta internacional en movimiento de los indignados (Occupy).

SLAVERY BY ANOTHER NAME

Sam Pollard aborda la notable recuperación histórica de las muchas maneras en las que la esclavitud americana ha persistido desde su abolición. Slavery by Another es la constatación del fracaso moral de los estadounidenses que ha desarrollado nuevas maneras para forzar a la raza negra a la servidumbre. Pollard explica la evolución de esta historia soterrada, incluyendo los encuentros activistas, con una combinación de fotografías, recreaciones y testimonios que traen a la luz reveladores detalles, pero lo más importante, redefiniendo la “emancipación” en la historia y la vida política Americana.

MARINA ABRAMOVIC: THE ARTIST IS PRESENT

Seductora, atrevida y escandalosa, Marina Abramovic ha redefinido el arte del performance por los últimos cuarenta años. Usando su cuerpo como medio, y tirando de sí misma más allá de sus propios límites y mentales, Abramovic ha desarrollado creaciones emocionalmente provocativas que transgreden fronteras y expanden conciencias. Es una de las artistas más controvertidas del panorama contemporáneo. Matthew Akers ofrece un viaje cinematográfico con total acceso a Marina Abramovic y al proceso desarrollado en el MOMA que permitía a los asistentes sentarse frente a una artista que no traza ninguna línea de separación entre la vida y el arte.

Encuentro con los directores (ENG):

THE OTHER DREAM TEAM

No estoy segura si estará entre los mejores de este año, pero tráilers vemos que no sabemos. En 1992 los estadounidenses enviaron al *Dream Team (el equipo ideal) a los Juegos Olímpicos de Barcelona. Considerado el mejor equipo de baloncesto que se había reunido nunca, se experaba de ellos que consiguieran el oro, tal y como hicieron. Mientras tanto, en otra cancha, un equipo de baloncesto de una nueva y pequeña nación, Lituania, lideraba un sueño diferente. El equipo de un país de tres millones de habitantes consiguió la medalla de bronce, batiendo a su antiguo opresor: Rusia. Inspirado en la historia de David contra Goliat, Maris Markevicius aborda este documental que muestra el florecimiento de unos jugadores que tras vivir detrás del telón de acero, vivieron la gloria del verano olímpico en Barcelona.

ME AT THE ZOO

¿Quién, que haya estado en red por algún tiempo, no se acuerda del chico que gritaba y lloraba que dejáramos a Britney en paz? Chris Crocker es un vídeo blogger de una pequeña ciudad de Tennessee. Parte de la primera generación que creció exponiendo su privacidad a través de Internet y los vídeo que colgaba como su famosa declaración “Leave Britney Alone!”, que fue vista por cientos de millones de usuarios. Dirigido por Valerie Veatch y Chris Moukarbel, Me at the Zoo excava en la historia personal de un adicto a Internet a través de los comentarios y vídeos de respuesta a sus vídeos que han generado un controvertido mapa de admiradores y detractores en la red.
Encuentro con los directores (ENG):

DECÁLOGO PARA FILMAR UN BUEN DOCUMENTAL - VICTOR KOSSAKOVSKY

2012-01-18T17:17:00.002-05:00

Decálogo para filmar un buen documental - Victor Kossakovsky

1. No filme, si usted puede vivir sin filmar.

2. No filme si quiere decir algo –solo dígalo o escríbalo–. Filme solo si quiere mostrar algo, o si desea que la gente vea algo. Esto afecta tanto la película en su conjunto como cada plano dentro de la película.

3. No filme, si ya sabía lo que quería decir antes de filmar. De ese modo solo se convertirá en un profesor. No trate de salvar al mundo. No trate de cambiar el mundo. Es mejor que su película lo cambie a usted. Descubra el mundo y descúbrase a sí mismo mientras filma.

4. No filme algo que usted odie. O algo que usted ame. Filme cuando usted no esté seguro de si lo que siente es amor u odio. Las dudas son cruciales para hacer arte. Filme cuanto usted odie y ame al mismo tiempo.

5. Usted necesita su cerebro antes y después de filmar. No lo use durante la filmación, solo use su instinto e intuición.

6. Trate de no obligar a las personas a repetir una acción o parlamentos. La vida es irrepetible e impredecible. Espere, observe, sienta que tiene que estar dispuesto a través de su propia forma de filmar. Recuerde que las mejores películas son las irrepetibles. Recuerde que las mejores películas están basadas en planos irrepetibles. Recuerde que los mejores planos capturan esos momentos irrepetibles de la vida con un irrepetible modo de filmación.

7. Los planos son la base del cine. Recuerde que el cine fue inventado como un único plano –el documental, por cierto, carecía de una historia o bien esa historia se contó justo en ese plano–. Primero que todo, estos planos deben proporcionar a los espectadores esas nuevas impresiones que usted nunca tuvo antes.

8. La historia es importante para el documental, pero la percepción es todavía más importante. Piense, en primer lugar, qué sienten los espectadores mientras ven sus planos. Entonces, se formará una estructura dramática de su filme que puede cambiar lo que el espectador siente.

9. El documental es el único arte donde cada elemento estético casi siempre tiene aspectos éticos y cada aspecto ético se puede utilizar estéticamente. Trate de seguir siendo humano, especialmente en el montaje. Quizás la gente buena no debería hacer documentales.

10. No siga mis reglas. Encuentre su propio reglamento. Siempre hay algo que solo usted puede filmar y nadie más.

Vía / EM

HONEY PIE

2012-01-18T12:20:00.000-05:00

Dir. Drea Cooper / Zackary Canepari

2012 - 7 min.

Para Matt McCullen, su creador, ella es una obra de arte.
Para los demás, es una Real Doll.

HEARTS OF DARKNESS

2012-01-17T00:09:00.000-05:00

Dir. Fax Bahr / George Hickenlooper / Eleanor Coppola

1991 - 96 min.

Antes había dicho que en ocasiones el detrás de cámara de una película no tiene nada que envidiarle a un buen documental y de paso estar a la altura de su película, y esto tiene su máxima expresión en Hearts of darkness, de alguna peliculita conocida como "Apocalypse now" (1979) de Francis Ford Coppola.

El corazón de las tinieblas (traducción oficial) fue considerada la mejor película de 1991, y detalla la vulnerabilidad del hombre ante las circunstancias. Pos supuesto, mucho hay que decir de esto desde la perspectiva del rodaje que casi lleva a la locura a Coppola y desde la novela de Joseph Conrad en la que se inspira el director de la película y que constituye la línea central sobre la que se desplaza el documental (que a propósito tiene a Orson Welles narrando la novela).

Fragmento: "La tierra parecía algo no terrenal. Estamos acostumbrados a verla bajo la forma encadenada de un monstruo dominado, pero allí, allí podías ver algo monstruoso y libre. No era terrenal, y los hombres eran... No, no eran inhumanos. Bueno, sabéis, eso era lo peor de todo: esa sospecha de que no fueran inhumanos. Brotaba en uno lentamente. Aullaban y brincaban y daban vueltas y hacían muecas horribles; pero lo que estremecía era pensar en su humanidad -como la de uno mismo-, pensar en el remoto parentesco de uno con ese salvaje y apasionado alboroto. Desagradable. Sí, era francamente desagradable; pero si uno fuera lo bastante hombre, reconocería que había en su interior una ligerísima señal de respuesta a la terrible franqueza de aquel ruido, una oscura sospecha de que había en ello un significado que uno -tan alejado de la noche de los primeros tiempos- podía comprender. ¿Y por qué no? La mente del hombre es capaz de cualquier cosa, porque está todo en ella, tanto el pasado como el futuro. ¿Qué había allí, después de todo? Júbilo, temor, pesar, devoción, valor, ira -¿cómo saberlo?-, pero había una verdad, la verdad despojada de su manto del tiempo. Que el necio se asombre y se estremezca; el hombre sabe y puede mirar sin parpadear."

Ver documental:

ITALIANAMERICAN

2012-01-16T22:45:00.002-05:00

Dir. Martin Scorsese

1974 - 49 min.

Martin Scorsese tiene en su haber una docena de películas, algunas a cual más de buenas / famosas que lo han convertido en un director de culto. Sólo mencionar Mean Streets (1973), Taxi driver (1976), Racing bull (1980) o La última tentación de Cristo (1988) hace que piense en Robert De Niro y el susto que me da no entender el acento. Pero lo que más me gusta de este señor no es su habilidad para crear buenas películas sino que ama a Akira Kurosawa y yo también. En un hombre de estas características vale la pena detenerse un rato.

Mucho ha dado que hablar uno de sus últimos proyectos documentales "George Harrison: Living in the material world" (2011), sobre el más espiritual componente de la archifamosa banda inglesa The beatles. Pero poco reconocimiento, eso si, ha recibido su trabajo como director de documentales que compagina (no se como) con su labor como productor de alguna buena realización como Surviving progress (2011) escogida como uno de los mejores documentales del año pasado o The soul of a man (2003) dirigido por Wim Wenders.

Por allá en 1974, Martin Scorcese con 32 años (un polluelo diría mi abuela) presentó "Italianamerican", un documental que nos arrastra, con su familia y con entrevistas, a través de la historia de los inmigrantes que llegaron desde Italia hasta Nueva York, lo que se deja, lo que se construye en un país nuevo, de política, de religión y por supuesto, ¡de comida!.

Ver documental - Parte UNO:
(Subtitulado en español)

Parte DOS; parte TRES; parte CUATRO; parte CINCO

LA IMPROLUCHA

2012-01-12T09:52:00.000-05:00

Dir. Mich Zurita

2011 - 15 min.

Diviértanse

SUB CITY PARÍS

2012-01-09T20:58:00.005-05:00

Redglass
2011 - 3 min.

CITIZEN HAVEL

2012-01-08T18:26:00.000-05:00

Dir. Pavel Koutecky

2008 - 145 min.

En el 2008 estuve en la presentación de este documental para una muestra que realizaron en la ciudad. Tarde en la noche no es muy recomendable ver documentales de más de 2 horas de duración y menos biografías de personas que no se tienen muy en mente o cerca para decir lo menos. Pero olviden eso, no importa y menos con este documental porqueel tipo de seguimiento a Václav Havel y su encanto como personaje público se encargará del resto.

En el transcurso de una década Pavel Koutecky grabó 45 horas de material del presidente Havel en el trabajo y en sus horas de distracción, desde su búsqueda a través de negociaciones post-elecciones maquiavélicas hasta la manera que ofrecía propinas en los restaurantes de los Rolling Stones. Pavel Kouecky murió en 2006 y Václav Havel en 2011. Y si alguien se sigue preguntando quién era el protagonista, mejor buscarle a través del movimiento de la Primavera de Praga.

Ver documental:

AI WEIWEI. NEVER SORRY

2012-01-04T16:45:00.001-05:00

Dir. Alyson Klayman
2011 - 90 min.

Ai Weiwei es uno de los artistas más importantes e influyentes de estos últimos años, conocido tanto por sus grandes arquitecturas, como por su arte subversivo y activismo político. Este documental (con muy buenas críticas en el Festival de Sundance) sigue la vida de Weiwei por tres años, empezando con el surgimiento de su vida pública vía blog y twitter después de que cuestionara la muerte de más de 5.000 estudiantes en el terremoto de Sichuan en 2008 y le sigue a través de su publicitado arresto en Pekín en abril de 2011. Así como la manera en que Weiwei prepara sus obras de arte para exhibiciones internacionales, su activismo, y sus cada vez más frecuentes enfrentamientos con las autoridades chinas.

Página del documental: Ai Weiwei
Facebook

Corta entrevista a la directora: Acá

Tráiler:

Fotografías sobre Ai Weiwei: The daily beast

Entrevista: "El documental es sólo una de mis herramientas" (ING): Scope

A continuación se puede ver otro documental realizado por la cadena británica BBC. "Ai Weiwei. Whitout fear or favor"

PAGE ONE: INSIDE THE NEW YORK TIMES

2012-01-02T18:54:00.000-05:00

Dir. Andrew Rossi

2011 - 92 min.

Es un documental sobre el periódico The New York Times y las personas que trabajan allí. El tema es la lucha de este periódico por sobrevivir al internet a través de una retahíla de personajes comentando a cámara. De nuevo aparecen esa clase de documentales que gustan a primera vista o que desilusionan al más experto/ paciente espectador. Muchos coinciden en que el documental carece de lo que intenta retratar: rigor periodístico. Llega incluso a ser más emocionante cuando el editor Bill Keller, editor ejecutivo, dirige una reunión en las que todas son mujeres y ninguna fuma. Pero no olviden el edificio, nada mejor que trabajar en una oficinita en el Renzo Piano.

Kit de prensa: Magnolia Pictures

Ver documental:

ENLACES - DICIEMBRE 2011

2012-01-02T14:07:00.001-05:00

Acá vamos...

Estrenos:

- "Todos los días la noche" de Jean Claude Wicky (Bolivia) ~ Tráiler: Acá

- "Mapundungun" de Francisco Toro (Chile) ~ Tráiler: Acá

- "La Matilde" de Karen Postigo (Bolivia) ~ Noticia: Erbol

Entrevistas:

- Wim Wernders a propósito de "Pina" (ING) ~ Blog: Documentary

- Alma Har'el a propósito de "Bombay beach" (ING) ~ Video: Youtube

Críticas:

- "Color perro que huye" ~ Contrapicado

- "Dream of a life" (ING) ~ Docgeeks

Textos:

- Diez documentales para ver en 2012. Por Tom Roston ~ Artículo: Pbs

- Revista Cine documental No. 5 ~ Blog: Cine documental

- "La escritura de la memoria: imágenes del presente". ~ Artículo: Contrapicado
- "Honest Truths: Documentary Filmmakers on Ethical Challenges in Their Work" (ING) ~ Artículo: Ausoc

MAPUNDUNGUN

2012-01-02T13:52:00.000-05:00

Dir. Francisco Toro

2011 -

~ La voz de la tierra ~

"A través del canto de los pájaros, el espíritu humano es capaz de darse a sí mismo juegos de significación en número infinito, combinaciones verbales y sonoras que le sugieran toda clase de sensaciones físicas o de emociones ante el infinito. [Develar el significado último del canto de los pájaros equivaldría al desciframiento de una fórmula enigmática: la eternidad incesantemente recompuesta de un jeroglífico perfecto, en el que el hombre jugaría a revelarse y a esconderse a sí mismo]" - Juan Luis Martínez (Observaciones sobre el lenguaje de los pájaros)

Mapudungún se afirma sobre la teoría onomatopéyica de la creación del lenguaje, la que afirma que el hombre comenzó a hablar imitando los sonidos de su alrededor, como los que producían los animales o los distintos elementos que estaban a su alcance.

Página de la productora: Imaginaria

Tráiler:

TODOS LOS DÍAS LA NOCHE

2012-01-02T13:39:00.002-05:00

Dir. Jean-Claude Wicky

2011 -

Dice el director: “Desde 1984 hasta el 2001 viajé casi cada año a Bolivia para explorar unos treinta distritos mineros… No me di cuenta de la magnitud de la tarea. Cómo fotografiar la humedad, el calor, el olor acre del mineral que impregna los cuerpos? Como fotografiar la oscuridad de la mina, espesa, más impenetrable que la roca, que impide todo sentido de orientación, de tiempo y de distancia, la oscuridad que quema los ojos y hace que el cuerpo desaparezca?. Mi trabajo de fotografía sobre las minas se terminó con una exposición y un libro.

Después de tantos años compartidos con ellos me pareció natural restituir, en parte, lo que me han dado. Adquirí 600 ejemplares de la edición española que se envió a Bolivia y viajé hacia aquellos lugares que no figuran en mapas geográficos, para obsequiar libros a los mineros que pude encontrar, pero sobre todo, para entregar a las bibliotecas de las escuelas y colegios de los centros mineros. Frente a las reacciones tan extraordinarias, he podido medir cuanto es importante para ellos ser valorizado, reconocido, de no ser olvidado.

Había considerado ese retorno como la continuación y el fin de mi aventura con los mineros, pero frente a las reacciones tan extraordinarias, nacieron la idea y las ganas de rodar una película que podría contribuir aún más a la construcción de una memoria, y tal vez arrojar luz sobre un mundo hasta ahora permanecido en la sombra”

Página del documental: Todos los días la noche

Tráiler:

LOS MEJORES DOCUMENTALES DEL AÑO - 2011

2012-01-02T13:13:00.000-05:00

Sabemos que todos los años, por esta época, los medios especializados hacen sus listas de lo mejor y lo peor que se ha visto, pero ¿cómo se escogería la lista de las peores realizaciones de documental?. Este gráfico que realiza POV es de los documentales más nombrados sino galardonados en 2011. Nótese que empiezan con The Interrumpers de Steve James y Nostalgia de la luz de Patricio Guzmán que aparecen en los registros de Indiewire o blogs especializados y premios de críticos europeos respectivamente.

- Los negros representan ganadores y los grises nominaciones.

- Click encima para ampliar.

Otras listas:
- The documentary blog
- Paste magazine
- Chicago Suntimes
- Docgeeks
- Pbs

Via / Pbs

PINK RIBBONS, INC.

2011-12-25T19:26:00.001-05:00

Dir. Léa Pool

2012 - 97 min.

"Capitalizando sobre la esperanza"

Retrato de un grupo de personas que se encuentran detrás del movimiento contra el cáncer de mama. Mujeres diagnosticadas con cáncer de seno en occidente (Estados Unidos - Canadá) inevitablemente se ponen en contacto con Pink Ribbon, un movimiento que a primera vista parece una fuente de resistencia, esperanza y acción.

En cooperación con las compañías, dedicados fanáticos organizan maratones, y otras actividades para recolectar fondos para investigar la cura. Pero a pesar de todos esos millones que recolectan, la cura no aparece. Este documental es una plataforma para que un grupo de científicos y personas de opinión hablen sobre el origen y los mecanismos detrás de Pink Ribbon. Pacientes y también feministas ofrecen una luz sobre este movimiento rosa (pink), que resulta tener un gran potencial de mercadeo. El cáncer de seno, parece ser, una "causa soñada" con un grupo inmenso de clientes potenciales: mujeres. Investigaciones han mostrado que el 80 % de los hogares en Norteamérica, las mujeres determinan cómo se gastará el dinero - un hecho que pinta un poco menos de rosa este movimiento.

Resumen de prensa: Pink Ribbons

Tráiler:

RESURRECT DEAD: THE MYSTERY OF THE TOYNBEE TILES

2011-12-25T18:26:00.001-05:00

Dir. Jon Foy

2011 - 85 min.

Aparentemente uno de esos documentales que pasaron en el 2011 sin mucho bombo (excepto por un buen recibimiento en el Festival de Sundance en Estados Unidos), pero que según Roger Ebert (crítico experto) debería estar entre los mejores. Foy tardó diez años en seguir la pista a los misteriosos mensajes en el pavimento que han aparecido en diferentes ciudades de Estados Unidos que abogan por la resurrección.

El extraño título aparece en placas instaladas desde Boston hasta Kansas City pero sobre todo en Filadelfia. Cada placa trae el mismo mensaje: “Toynbee Idea/In Kubrick’s 2001/Resurrect Dead/On Planet Jupiter.”

Joy Foy intrigado por estas frases se une al artista, músico y entusiasta Justin Duerr para desmitificar el mensaje y armar el complicado rompecabezas conspiratorio.

Intentando descifrar el texto, ellos asumen que Toynbee refiere al historiador británico del siglo XX Arnold J. Toynbee y a sus escritos sobre la resurección. La película de Stanley Kubrick "2001 Odisea del espacio" es tomada como referencia, ya que esta propone como paso siguiente a la evolución humana el encuentro con vida extraterrestre en Júpiter, tal vez una referencia cruzada para la resurección.

Estos detectives aficionados inician su búsqueda para desentrañar el enigma con varias pistas aleatorias, empezando con una en las calles de Filadelfia revelado en un azulejo en Santiago de Chile, Chile. También encuentran referencias a Toynbee y a Jupiter en un acto de David Mamet realizado a las 4 de la mañana, acerca de un locutor y una llamada nocturna misteriosa. Y un breve artículo de periódico de inicios de la década de los ochenta que menciona una organización en Filadelfia dedicada a colonizar Júpiter, conocida como "“Minority Association.”

¿Logrará un documental conspiratorio de este estilo mantener la atención del espectador sin caer en locuras mayores?

Página del documental: Resurrected dead

Tráiler:

Via / HR

I AM A WOMAN NOW

2011-12-23T18:55:00.002-05:00

Dir. Michiel Van Erp

2012 - 80 min.

Desde 1956, las personas que querían una operación de cambio de sexo podían ir al ginecólogo Georges Burou en Casablanca - sin tener que ir a ninguna sesión psicológica. El realizador Michiel van Erp pregunta a alguno de esos pioneros, todas mujeres ahora, si las decisiones que tomaron entonces ha cambiado sus vidas de la manera como lo esperaban. ¿Cómo reaccionó el mundo exterior a esta primera generación de transexuales? Una encantadora belga está eternamente agradecida con Burou, que murió a finales de la década de los ochenta. Ella siempre mantuvo su operación como un secreto para cualquier posible pareja - para ella, era parte del trato. Una distinguida británica, que se convirtió en estrella en París después de su transformación, aún encuentra rechazo y soledad. "Una vez que se tiene cabello blanco, se desaparece". Una alemana añade: "En ese momento, no imaginé ser una mujer mayor. Eso no era parte de la fantasía". Ella se casó con un hombre cuando la oportunidad de la operación lo permitió. "Me encontré mirando un vitrina, preguntándome como luciría en ese vestido. Después me dí cuenta: esto nunca se iría." Van Erp visita lugares y personajes significativos con estas y otras mujeres, mientras reflexionan sobre los eventos de su vida con ayuda de viejas fotografías y videos caseros.

El director dice: "Espero que esta película le de a los jóvenes el coraje de seguir sus sueños no importa cuan imposibles parezcan ser."

Tráiler:

THE INTERRUPTERS

2011-12-19T21:28:00.001-05:00

Dir. Steve James

2011 - 125 min.

Otro de esos grandes documentales favoritos del año pero que las nominaciones a los Oscar en Estados Unidos ignoró completamente. Lo cual me hace preguntarme por los parámetros de esa convocatoria. El tráiler es bastante fuerte en todos los sentidos (contenido, posición política, personajes) excepto tal vez por el visual. El documental narra la historia de un grupo de ex-convictos y pandilleros que se esfuerzan por prevenir escaladas de violencia en las calles de Chicago, EEUU.

El trabajo de Ceaserfire, al cual pertenecen los protagonistas, es una iniciativa del gobierno desde 2004 llamada Proyecto Chicago para la Prevención de la Violencia.

Página del documental: The interrupters

Tráiler:

SURVIVING PROGRESS

2011-12-19T15:08:00.000-05:00

Dir. Mathieu Roy / Harold Crooks

2011 - 86 min.

"Tenemos el poder de cambiar nuestro destino"

Documental que conecta el colapso financiero, el crecimiento de la inequidad y la oligarquía de Wall Street en Estados Unidos con el futuro de la tecnología, la sustentabilidad y el destino de la civilización. Inspirado en el libro "A short history of progress" de Ronald Wright, los realizadores buscan "adentrarse en la naturaleza humana y los patrones históricos para cambiar y redefinir la idea de progreso." Los productores ejecutivos son Martin Scorcese, Silvia Basmajian de NFB (National Film Board), entre otros.

Página del documental: Surviving progress

Tráiler:

SEMPER FI: ALWAYS FAITHFUL

2011-12-16T18:41:00.000-05:00

Dir. Tony Hardmon / Rachel Libert

2011 - 75 min.

La lealtad del Sargento Mayor Jerry Ensminger pertenecía al Cuerpo de marina por 25 años. Pero cuando su hija de 9 años muere de una clase extraña de leucemia, Jerry lo da todo para investigar la causa de su muerte. Su búsqueda exhaustiva por respuesta lo lleva a un descubrimiento demoledor: uno de los más grandes cubrimientos sobre aguas contaminadas en la historia de Estados Unidos.

Determinado a esperar que el Cuerpo de Marina rinda cuentas por el número sin precedentes de casos de cáncer y muertes en la Base Lejeune del Cuerpo de Marina en Carolina del Norte, Jerry se rehusa a aceptar la respuesta a tantas víctimas enterradas bajo su dudosa burocracia. La perseverancia y el deber patriótico conduce a Jerry a revelar este grave tema nacional ante el Congreso y el público estadounidense.

Página del documental: Semper fi

Tráiler:

Via / Tribeca

GENERAL ORDERS No. 9

2011-12-16T11:47:00.003-05:00

Dir. Bob Persons
2011 - 72 min.

General Orders No. 9, dice la sinopsis oficial, "rompe con las constantes de las formas documentales y contempla los signos de pérdida en el sur de Estados Unidos"(el estado de Georgia, para ser exactos). Es la culminación de más de 11 años de trabajo del debutante director y escritor Bob Persons. El documental se posiciona "como una realización experimental con sensibilidad naturalista que cuenta el encuentro entre la naturaleza y el hombre y de la que surge una reconciliación agridulce." (...) "Una historia contada en mapas, sueños y pregarias, es el último viaje al hueco del conejo antes que todo termine"(...) "Una película como usted nunca antes ha visto."

Luego de leer esto queda una leve sensación apocalíptica (que como vamos no es menos), y de visiones encontradas. Para unos, es considerada como el segundo mejor documental del año 2011, siendo estrenada entre 2009 - 2010, "como si Terence Malik filmara un nuevo descubrimiento a la memoria de William Faulkner. Una década en realización, siendo lo más original en años."(Pastemagazine); y para otros no presenta nada nuevo, bastante retro, que deja por fuera la mitad de su inspiración: los seres humanos, como si los odiara, dice Neil Genzlinger para Nytimes.

Si ven el tráiler, ¿no les recuerda un poco la famosa trilogía qatsi de Godfrey Reggio?. Los 27 minutos de autopista que Persons presenta, "podrían" detenerme a verla.

Página del documental: General Orders No. 9

Tráiler:

THE LIGHT IN HER EYES

2011-12-15T21:58:00.002-05:00

Dir. Julia Meltzer / Laura Nix
2011 - 87 min.

En este documental, el rol de la mujer en Siria se pone bajo el microscopio. La película se pregunta por el rol de la mujer como un producto de la religión musulmana o de la tradición cultural. "En televisión, los clérigos conservadores insisten que las mujeres pertenecen al hogar -- reproduciendo y cuidando de sus familias. Bajo la dirección de Houda al-Habash, la contradictoria e inspiradora directora de la Escuela Al-Zahra Koran, las mujeres tratan de encontrar respuesta a esa pregunta. Como líder espiritual en este movimiento islámico, Al-Habash defiende el conocimiento profundo del Corán, una buena educación y mujeres pensantes siendo responsables por sí mismas. Ella conduce un carro, supervisa otras mezquitas y aconseja a mujeres con conflictos domésticos. Enseñando a sus estudiantes a interpretar el Corán, ella les ofrece fuerza y auto-respeto."

Página del documental: The light in her eyes

Tráiler:

Houda al-Habash, una predicadora musulmana conservadora, fundó una escuela del Corán (Qur´an) para niñas en Damasco, Siria cuando tenía 17 años. En contra de las tradiciones culturales y un gobierno represivo, Houda alienta a mujeres y niñas a perseguir una mayor educación y trabajos, usando el Islam como un catalizador para el cambio. En un mundo que poco se ve, la historia devela cerca de tres meses del programa de verano de Houda, revelando por qué las mujeres escogen el Islam en un mundo tan cambiante.

Una esposa y madre amorosa , Houda es también una líder impresionante e imponente que da a sus estudiantes conocimientos de primera mano del Corán. En su escuela - mezquita encontramos muchas profesoras y estudiantes - una dentista que hace malabares entre su clínica y las responsabilidades familiares, una adolescente espiritual que sueña con convertirse en doctora y muchas estudiantes universitarias que memorizan el Corán mientras persiguen grados seculares. La cantidad de autonomía que las mujeres disfrutan en la mezquita de Houda es sorprendente, revela un debate en sus comunidades alrededor de los roles apropiados para la mujer. La revitalización del Islam, del cual Houda hace parte, ha tomado lugar no sólo en Siria, sino a través del Medio Este. Entrevistas con periodistas sirias y escolares se ven en la película, para entender cómo la activa participación de las mujeres en ese resurgimiento es impactante en la región.

En el curso de un programa de verano, Houda guía a sus estudiantes a través de sus clases, viajes recreativos, una ceremonia emocional y la fiesta final de graduación. Un grupo de personajes energéticos que ofrece comidas familiares privadas y reuniones sociales que sumerge a los espectadores en una red social vibrante. Ninguna otra película ha permitido un acceso tan raro e íntimo al lado de las mujeres de ninguna mezquita siria o a la vida privada de sus miembros.

MEET THE FOKKENS

2011-12-15T15:23:00.000-05:00

Dir. Gabriëlle Provaas / Rob Schröder

2011 - 75 min.

Dos hermanas gemelas Louise y Martine Fokkens han trabajado en el distrito rojo de Amsterdam por 50 años. A pesar de muchas caídas y los grandes dilemas a los que se enfrentan de aquellos fuera del mundo de la prostitución, estas mujeres fuertes, optimistas y graciosas han logrado sobrevivir estos años con brío. En Meet the Fokkens, el espectador visitará lugares de Amsterdam donde se encuentra la memoria de estas hermanas. Cándidas entrevistas y conversaciones con las dos mujeres, una hija de Louise y residentes locales ayudan a recontar la historia de vida de Louise y Martine.

Las gemelas cuentan historias de cómo llegaron a dedicarse a este trabajo, cómo eventualmente pusieron un negocio para ellas, y cómo las relaciones en el mundo de la prostitución han cambiado con los años. Sus historias están llenas de detalles picantes sobre sus clientes, algunos de los cuales tiene formas de vida inesperadas. Uno de los cuales era capellán: "No recuerdas, ¡teníamos hasta un pequeño confesionario!." Y hablan de los trucos que usan para lograr la satisfacción de sus clientes más rápido. Mientras algunos recuerdos son molestos, las hermanas hablan con gran sentido de compasión e incluso con afecto de sus clientes. Louise paró hace dos años, pero Martine sigue trabajando - ella también quiere parar, pero su situación financiera no lo permite, dice ella.

Página del documental: Meet the Fokkens

Tráiler:

AN AFRICAN ELECTION

2011-12-12T18:53:00.001-05:00

Dir. Jarreth J. Merz / Kevin Merz
2011 - 89 min.

Por casi tres meses en 2008, Merz siguió el inestable progreso de la contienda electoral en Ghana, un país "en la mira" por el reciente descubrimiento de petróleo y así recuperarse de las secuelas de las catastróficas inundaciones. Para capturar la confusión nacional, el realizador (que creció en Ghana) ensambla una galería de políticos, incluyendo los candidatos — Nana Akufo-Addo del Nuevo Partido Patriótico, y John Atta Mills del Congreso Democrático Nacional - y un gran grupo de comentaristas, periodistas y ciudadanos regulares.

Partiendo de las diferencias ideológicas entre los partidos, la película encuentra su pilar central y más apasionada voz en Jerry John Rawlings, ex-presidente y fundador del Congreso Democrático Nacional, cuya opinion de la política extranjera estadounidense es algo increíble.

Pero la historia no es de personajes individuales sino también del humor nacional: desde cámaras cuidadosas desde las ciudades que no descansan a la tranquilidad rural, desde carreras políticas a pescadores solitarios en un gran lago, la agitación de los votantes crece. Acusaciones de cajas de votac'ón robadas e intimidación, y retratos del Nuevo Partido Patriótico como cobra ensortijada. Los ganeses pueden ser relativamente nuevos en las maquinaciones de la democracia pero aprenden con rapidez.

“África siempre es mirado como una caneca,” dice Hanna Tetteh, una participante del Congreso Democrático Nacional, que lo comenta con buen humor. Pero mientras disfrutamos los pinchazos de los ciudadanos emocionados por el conteo de votos, su celo inhibido por el proceso unicamente ilumina el cinismo al que tratamos de sobrepondernos.

Página del documental: An African election

Tráiler:

Via / Nytimes

UNDER FIRE: JOURNALISTS IN COMBAT

2011-12-11T22:24:00.001-05:00

Dir. Martyn Burke

2011 -

El periodismo en combate ha recorrido un largo camino desde que Mathew Brady arrastraba su cámara y mudaba su cuarto oscuro alrededor de los campos de batalla en la Guerra Civil de Estados Unidos en 1861. Las imágenes fijas que produjo debían posarse porque su primitiva cámara no le permitía enfocar objetos en movimiento. El fotoperiodismo de hoy puede capturar los lugares y los sonidos de la guerra con gran resolución y alta definición -en Iraq, Afganistán, Libia y otros lugares alrededor del plante -y mostrarlas en las casas alrededor del globo en tiempo real.

Infortunadamente, mientras que el periodista moderno tiene herramientas tecnológicas y acceso a campos de batalla era inimaginable en el pasado reciente, y también tiene más víctimas que nunca. Considere esto: "Únicamente dos periodistas murieron cubriendo la Primera Guerra Mundial. Casi 900 han muerto en las pasadas dos décadas.

Estas estadísticas son rebeladas en Under fire: Journalists in combat, documental que explora el peligro creciente y los costos psicológicos de cubrir la guerra. La película trae entrevistas con reporteros ganadores de premios y de medios como New York Times, Los Angeles Times, BBC, Reuters y de otros servicios de noticias, junto con las imágenes por las que arriesgan sus vidas.

Burke va y vuelve de la guerra para darle sentido a sus proyectos. "Pero empecé a ver que otros lo hacían todo el tiempo" (...) "Y usualmente esas personas pagan un terrible precio por lo que hicieron -si permanecen mucho tiempo."

Cubrir una guerra hoy pone a los periodistas en una encrucijada más grande que a las que se enfrentaban hace algunas décadas. "Solía ser que en Vietnam, se podía ir al campo de batalla, volver a Saigón, y sentarse en el bar del Hotel Caravelle con los amigos y ver la guerra en la distancia, y beber como locos e ir a dormir en una buena cama." (...) "Eso no pasa nunca más". Hoy, describe Burke las noticias de 24 horas demandan un constante flujo de noticias e historias irresistibles. Los reporteros "siempre tienen que estar cerca, siempre tienen que ser los primeros, siempre deben estar en lugares peligrosos a los que puedan llegar." Refiriéndose a la guerra los comentarios corresponden a Christina Lamb en Under Fire, a los que Burke añade "No es una gran noticia si un soldado es asesinado, secuestrado o capturado - es una gran noticia si un periodista es asesinado o capturado. Entonces los periodistas son ahora objetivos más de lo que han sido antes."

Tráiler:

Via / TheAtlantic

SING YOUR SONG

2011-12-11T21:52:00.001-05:00

Dir. Susanne Rostock

2011 - 103 min.

Una película acerca de la vida de Harry Belafonte y su carrera como interprete y activista social. Conocido como el rey del calipso y para darse una idea hay que escuchar "Matilda" ♫ ♪ o la famosa canción Day -O que hace bailar a la familia de Lidia en Beetlejuice, que me recuerda más el canto de la selva que bailan el hipopótamo y el caimán (ustedes dispensarán, recuerdos de infancia).

Tráiler:

WHERE SOLDIERS COME FROM

2011-12-11T21:10:00.001-05:00

Dir. Heather Courtney

2011 -

Este documental empieza y termina en una pequeña ciudad rural en Michigan (Estados Unidos), pero podría ser cualquier comunidad de jóvenes en Estados Unidos que se gradúan de la preparatoria y se preparan para la vida adulta tomando la decisión acerca de cuál será el siguiente paso en sus vidas.

Muchos de los que no están en una ruta académica se unen a la Guardia Nacional porque les ofrece $20.000 dolares en bonos más una pensión futura, y les da cuatro años más de gracia para ponderar qué harán con sus vidas.

Luego son enviados a la guerra en Afganistán. Traumas de batallas físicas y emocionales hacen mella en sus cuerpos y siques. Aquellos que sobreviven encuentran sus vidas de cabeza.

Página del documental: Where soldiers come from

Tráiler:

Via / Documentaries

IF A TREE FALLS: A STORY OF THE EARTH LIBERATION FRONT

2011-12-11T20:02:00.001-05:00

Dir. Marshall Curry / Sam Cullman

2011 - 85 min.

If a tree falls (Si un árbol cae) presenta la historia de Daniel McGowan, miembro del Earth Liberation Front (ELF) {Frente de Liberación de la Tierra} sentenciado a cadena perpetua por terrorismo ambiental, o para ser más específicos, por atentar maliciosamente contra compañías madereras estadounidenses y parques nacionales. La provocadora película cuestiona y transforma el debate público sobre la definición de terrorismo, especialmente la seguridad ambiental después del atentado de las torres gemelas (Septiembre 9). ¿Los crímenes contra la propiedad en los cuales nadie muere o es herido constituyen actos de terrorismo?

Los miembros del ELF, conocidos popularmente como Elfos, usan métodos "poco ortodoxos" (incendios, panfletos) con el objetivo (según ellos) de proteger el medio ambiente. Por ello, en marzo de 2001 se les consideraba como la mayor amenaza doméstica a la que el FBI calificaba de ecoterrorista. Después del 11 de Septiembre la descripción de terrorismo se convirtió en un término turbio, la palabra "terrorismo implica una agenda de asesinatos por un grupo devoto (en sus propias palabras) al "saboteo económico y guerra de guerrillas para parar la explotación y destrucción del ambiente" a través de medios no violentos. ¿Pero quemar una compañía y atacar la vida de los trabajadores es realmente no violencia?

Página del documental: If a tree falls

Tráiler:

Via / Nytimes

PUTIN´S KISS

2011-12-10T21:04:00.001-05:00

Dir. Lise Birk Pedersen (Dinamarca)

2011 - 85 min.

Este documental se centra en Masha, una chica rusa de 19 años de clase media y miembro de Nashi, una organización política juvenil conectada con el Kremlin. La ambiciosa Masha asciende al tope de Nashi, convirtiéndose en protegida del Ministerio de la juventud y le es entregado un apartamento mientras asiste a la Universidad Estatal de Moscú. También plantea cuanto admira al líder político Vladimir Putin - y en una ocasión, llegó a besarle cuando él asistió a una reunión Nashi.

Sin embargo, empieza a cuestionarse su pertenencia a Nashi cuando descubre que un grupo radical entre ellos pueden ser los responsables por los ataques contra críticos de Putin. Masha se encuentra con el periodista Oleg Khasin, convirtiéndose en grandes amigos a pesar de sus puntos de vista opuestos.

Tráiler:

POSITIVELY NAKED

2011-12-10T20:08:00.001-05:00

"Este es un acto libertario donde no vine a exponer mis genitales, sino a mostrar mi alma"

Spencer Tunik, en este momento de su vida, ha desnudado a medio mundo literalmente, sus fotografías de cientos de personas reunidas (así diría mu abuela) como "Dios las trajo al mundo" tienen la intención de mezclar la naturaleza humana con nuestra otra naturaleza, la que nos permite estar en este mundo. Algunos dirán también que desfetichiza el cuerpo, y otros que transita de entender el cuerpo como parte de lo singular a estar agrupado en la "masa". De Tunik se ha escrito bastante y se han hecho tres documentales patrocinados por HBO: Naked States (2000), Naked World (2003), y Positively Naked, más otros tantos que se pueden encontrar referencia en Imdb.

Positively naked muestra el detrás de escena de una instalación fotográfica de 85 personas HIV-positivas posando desnudas en el Restaurante Florent para la cubierta de la Revista POZ en su 10º aniversario. En poco más de media hora los directores siguen a un grupo de personas que se sienten retados por la vida, por las circunstancias de vivir con HIV y las implicaciones personales al posar de esa manera.

Página del documental: Positively naked

- Artículo: Spencer Tunick. La fotografía del alma.

THEY CALL IT MYANMAR

2011-12-06T20:22:00.001-05:00

Dir. Robert H. Lieberman (E.U.)

2011 - 90 min.

"Lifting the courtain"

El país del sudeste asiático de Myanmar (o Birmania) es uno de los estados más aislados del mundo, y un lugar de desdén para el gobierno de Estados Unidos. Sin embargo, el país se ha ganado algunos favores de Occidente con reformas; periódicos de todo el mundo llevaron a los encabezados que la Secretaria de Estado de Estados Unidos Hilary Clinton visitaría el país, la primera en muchas décadas. En la película, "escrita y dirigida por Robert H. Lieberman, filmó secretamente el día a día de ciudadanos comunes por un periodo de dos años - vidas definidas por comida de corta duración, cortes de energía, y carencia de salud y educación. Esta tierra de incontables pagodas de oro que no hace mucho era nombrada como el "tazón de arroz de Asia" (rice bowl of Asia) es ahora un lugar de pobreza terrible, que ha llegado a generalizar el trabajo infantil y el trafico. En una increíble entrevista, la líder opositor Aung San Suu Kyi habla acerca de la historia reciente de Birmania y sus muchos años bajo arresto domiciliario por sus actividades políticas."

Página del documental: They call it Myanmar

Tráiler:

PLANET OF SNAIL

2011-12-06T19:16:00.001-05:00

Dir. Seung-Jun Yi (이승준)

2010 - 78 min.

(달팽이의 별) Sordo y ciego desde la infancia Young-Chan difícilmente tomaba parte en la sociedad hasta que conoció a Soon-Ho, quien también tiene una discapacidad física. "Él se casó con ella y aprendió a comunicarse con el mundo exterior a través de ella. Por ligeros toques en los dedos del otro, ellos se comunican; algunas veces como si tocaran el piano de manera muy tierna. Este documental sigue a esta pareja al mismo tiempo que Young-Chan se mueve a través de su vida."

"Vengo de las estrellas de los caracoles. Cierro mis ojos para ver las cosas más valiosas. Cierro mis oídos para escuchar los más hermosos sonidos. Espero en silencio para decir las palabras más hermosas. Cuando aprendí cómo comunicarme con las yemas de los dedos, todo cambió. Y allí estuvo un ángel que me ayudó a abrir mi corazón."

Tráiler:

¡VIVAN LAS ANTIPODAS!

2011-12-05T20:28:00.001-05:00

Dir. Victor Kossakovski

2011 - 108 min.

La película plantea la siguiente pregunta: ¿Dónde terminaría usted si cavara un túnel que atravesara la tierra? Hace más de 20 años que Victor Kossakovsky se pregunta de qué manera están conectados los lugares opuestos en el planeta. Y comienza a resolver ese enigma visitando cuatro pares de antípodas en Argentina y China, España y Nueva Zelanda, Chile y Rusia, y Botswana y Hawai. Con imágenes deslumbrantes y un montaje asombroso, el cineasta captura esas antípodas y las conecta a través de sus similitudes y contrastes.

Tráiler:

Entrevista al director:

-¿Qué lo llevó a pensar sobre las antípodas del mundo?

-Cuando tenía 20 años trabajaba como asistente de cámara en un estudio que producía documentales en San Petersburgo (Rusia). Una vez nos enviaron a filmar a un grupo de científicos en el Polo Norte. Uno de los científicos me contó que su novia estaba en ese momento en el Polo Sur. Inmediatamente imaginé a esas dos personas que estaban unidas, pero justo se encontraban en lugares opuestos del planeta. Así comencé a pensar en las antípodas, hace muchísimos años. En 2003 vine a la Argentina invitado por un festival y aproveché para viajar. Un día llegué a un pequeño poblado con tres casas al borde de un acantilado. Abajo había un pequeño río. A la distancia vi a un hombre parado en un puente que atravesaba el cañón, pescando con una línea de aproximadamente 30 metros. En ese momento me pregunté qué pasaría si esa tanza atravesara el centro de la tierra. ¿Qué encontraría al otro lado del mundo? Resultó ser Shangai, uno de los lugares más poderosos y ruidosos del planeta.

-¿Por qué eligió filmar en Argentina y China, España y Nueva Zelanda, Chile y Rusia, y Botswana y Hawai?

-La mayor parte del planeta está cubierta por agua, así que no hay muchos lugares donde se pueda encontrar tierra en los lados directamente opuestos. En Europa, sólo España tiene una antípoda que es Nueva Zelanda. Lo mismo ocurre en el continente africano: sólo Botswana hace antípoda con Hawai. En Norteamérica no existe esa posibilidad. Cuando me di cuenta de que la Argentina es la antípoda de China, viajé a ese país para empezar la investigación del documental.

-¿Cómo los conoció a los dos protagonistas argentinos?

-El primer día que llegué a la Argentina estaba muy cansado debido al cambio horario. Lo único que hice fue ir a una tienda de discos. Allí comencé escuchar cientos de canciones locales y elegí una. Le pedí a Gema Allen, mi co-productora argentina, que recordara esa canción porque sabía que la quería usar en el filme por la energía que transmitía. Mientras viajábamos con Gema por el país buscando historias interesantes, un día llegamos a un puente en Entre Ríos y un hombre vino hacia mí y me pidió dos pesos para cruzarlo. Cuando le di los dos pesos, él comenzó a silbar la misma canción que había elegido en Buenos Aires para la película. Eso para mí fue una señal de que había encontrado al protagonista.

-Los hermanos entrerrianos tienen una presencia importante durante todo el filme. ¿Por qué decidió incluir tantas escenas de ellos?

-La razón más importante es que vivían muy conectados con la naturaleza. Siempre estaban escuchando a las ranas, mirando el cielo y, al mismo tiempo, estaban ligados con las personas que pasaban por ese puente. Además, hasta en los momentos en que la cámara estaba situada muy cerca de ellos, no se perturbaban. Y lo que realmente me asombró fue su mirada. Siempre que hablábamos y yo los miraba a los ojos, ellos de repente apartaban la vista de mí y empezaban a mirar hacia el infinito, como si pudieran ver más allá. Como realizador, pocas veces me ha ocurrido que después de filmar mucho tiempo con las mismas personas, y luego ver sus imágenes miles de veces durante la edición, no encuentre algo que me moleste de ellos. Disfruté mucho la filmación con los dos hermanos entrerrianos y los quise más durante el año de montaje del documental.

-¿Qué características buscaba en los personajes?

-Estaba buscando gente con una historia interesante. Mientras viajaba por la Patagonia alguien me contó que en Torres del Paine (Chile) había un hombre indígena que vivía solo y que no hablaba con otras personas. Entonces fui a buscarlo y cuando él salió de su pequeña casa lo primero que hizo fue preguntarme cómo estaba. En el lado opuesto del planeta, cerca del Lago Baikal en Rusia, encontré a una mujer que vivía también sola. Y sentí que de alguna manera ellos estaban conectados porque cuando él se iba a dormir, ella se levantaba para comenzar su día.

-¿Qué similitudes y diferencias encontró entre las personas que viven en las antípodas?

-Después de todos los viajes que hice alrededor del mundo, encontré que el ser humano es una criatura muy buena, y en general muy amable. Quizás cuando la gente vive en grandes ciudades y en un ambiente hostil puede comportarse a veces, de forma poco agradable. Aprendí también que, aunque a veces no nos entendamos los unos a los otros y tengamos diferentes ideas sobre política o sobre la vida, todavía tenemos que aceptarnos y respetarnos. Por eso titulé la película Vivan las antípodas.

-Los ocho lugares filmados tienen la misma importancia que los personajes que los habitan. ¿Cómo trabajó la fotografía?

-Yo mismo hago la cámara, porque cuando realizás documentales tenés que estar listo para situaciones impredecibles. Tenés que saber cómo mover la cámara y cambiar la composición para no perder ese momento. En cada uno de mis filmes intento captar la belleza, pero más importante que eso es que intento filmar algo que es irrepetible. Creo que todos los elementos son importantes, las hormigas, los edificios y las mariposas son tan importantes como las personas. Todo construye al mundo y si uno saca una parte, lo convertiría en un mundo diferente.

-La música también juega un rol importante en Vivan las Antípodas.

-La música es una parte importante en la vida de la gente. La utilizo en el filme porque creo que puede ayudar al espectador a descubrir qué tipo de energía y emociones tienen los protagonistas. En algunas escenas de la película se puede escuchar la música de un lugar mientras se ven imágenes de su antípoda. Y la combinación es muy interesante, porque aunque sean espacios completamente opuestos como Entre Ríos y Shangai, con ambientes muy diferentes, la música igualmente combina.

Via / RevistaÑ

THE AMBASSADOR

2011-12-03T20:31:00.001-05:00

Dir. Mads Brügger

2011 - 93 min.

La película muestra "el lado oscuro de África, un mundo subterráneo que no puede ser grabado de otra manera". Mads Brügger, un periodista danés y maestro de la sátira que ganó el Premio Documental World Cinema en Sundance en 2010 por "The Red Chappel", que en esa ocasión acompañaba a un grupo de teatreros a presentarse en Corea del Norte.

En "The ambassador", el director se viste como un neo-colonialista y se lanza c a la República Centroafricana como diplomático Liberiano. Allí, establece una fábrica de fósforos a cargo de pigmeos para cubrir sus ambiciones como traficante de diamantes. Pero Brügger está allí para mostrar cómo el poder en un país se asigna y se negocia (justo en la boca del lobo).

Tráiler:

TRILOGÍA END - HUNTERS, SINCE BEGINNING OF TIME

2011-11-30T21:18:00.001-05:00

Mientras los paisajes pueden ser innegablemente hermosos, también tienen un poder inhóspito, especialmente en lugares desolados que experimentan condiciones extremas. Pero aún así, cuando se les ve por primera vez se convierten en objetos de contemplación que invocan una sensación de lo sublime - sin embargo si se complace en la vista y no sólo lo ve, pero también le escucha y lo siente, capturando las cualidades atmosféricas, entonces se conecta con los trabajos de Carlos Casas.

La atracción de Casas por los paisajes empezó con la trilogía END, donde se encuentra con habitantes de los lugares más extremos del mundo: Tierra del fuego en la Patagonia, el Mar Aral en Uzbequistán y la costa de Siberia. "Estaba interesado en la imagen colectiva de estos lugares y sus conceptos míticos del fin del mundo", explica Casas, quien lanzó la última parte de la trilogía en 2008. Son documentales con pocas palabras que ofrecen una mirada cercana a la rutina de tres hombres y sus retos diarios para sobrevivir al frío extremo y la distancia.

Página del realizador: Carlos Casas

Vimeo

Via / Thecreatorsproject

TRILOGÍA END - MAR ARAL, PESCANDO EN UN MAR INVISIBLE

2011-11-30T21:06:00.001-05:00

Página del realizador: Carlos Casas

Vimeo

Via / Thecreatorsproject

TRILOGÍA END - SOLITUDE

2011-11-30T18:27:00.001-05:00

Página del realizador: Carlos Casas

Vimeo

Via / Thecreatorsproject

SAN ANTONIO

2011-11-30T10:47:00.001-05:00

Dir. Álvaro Olmos

2011 - 80 min.

"La intimidad de una prisión en la que todo es posible"

Bolivia es un país que pasa desapercibido en los textos sobre cine documental, a excepción tal vez de la realización "Cocalero" de Alejandro Landes (2008) que presentaba la campaña política que emprendía Evo Morales para lograr el cargo presidencial de este país o "Las banderas del amanecer" de Jorge Sanjinés (a propósito su primer largometraje) y Beatriz Palacios (1983) que relataba los hechos políticos entre fines de 1979 hasta mediados de 1982, con golpe militar, recuperación democrática, de nuevo golpe de estado y luego debacle izquierdista de por medio. Por eso es muy agradable encontrar trabajos y artículos que hablen de sus producciones, sea este el caso porque ganaron un reconocimiento como con "San Antonio" de Álvaro Olmos (2011) que resultó premiado en el Festival de Cine Latinoamericano de Flándes en Bélgica.

El documental "revela desde dentro la vida en el penal de San Sebastián, una cárcel-ciudad en miniatura, y cuenta tres historias paralelas, una es la de Ramón, un preso por narcotráfico que se disfraza de payaso para los niños de la cárcel; otra es la de Sergio, un pandillero acusado de doble homicidio que espera su juicio mientras hace tatuajes, vende droga y graba un disco de hip hop, y la última es la de Guery, un ladrón que sólo quiere salir para volver a robar. Tres historias de muy similares a las de varios otros reos que revelan muchas de las complejidades, contradicciones y deudas de las sociedades latinoamericanas."

Tráiler:

Via / Los tiempos

THE LOVING STORY

2011-11-28T23:20:00.001-05:00

Dir. Nancy Buirski

2011 - 77 min.

Richard y Mildred Loving, una pareja interracial de Virginia en Estados Unidos, se enamoró y casó en una época crítica en la historia de Estados Unidos, y a causa de la confluencia de confusiones sociales y políticas estas personas ofrecieron un cambio donde nadie previamente había podido. Junto con dos ambiciosos abogados prepararon un camino de justicia social y Derechos Civiles a través de un fallo histórico en la Corte Suprema de ese país.

Página del documental: Loving story

Tráiler:

THE TREE

2011-11-28T16:59:00.001-05:00

Dir. Amir Muhammad
2009 - 4 min.

Los trabajos de Amir Muhammad no se encuentran a disposición de todo público, a excepción de esta corta realización. "The tree" luce como un ensayo con una intención más amplia, pero también pienso que luego de las palabras citadas del "Profeta" (así es como lo mencionan) se pueda hacer algo más que redundar en la idea de las reglas de una religión.

"Nacido en 1972 en el contexto de una familia musulmana en Kuala Lumpur (Malasia), Amir Muhammad es uno de los realizadores más insólitos del panorama del cine de no ficción contemporáneo. Escritor antes que cineasta (él se define como “escritor y cineasta ocasional”), después de realizar un primer film en 2000, Lips to Lips, que él mismo reconoce que era tan malo que a partir de ahí “solo podía hacer mejores películas”, en 2002 presenta su serie de seis ensayos fílmicos de corta duración, 6 Shorts, donde instaura los principios básicos que van a mover su cine a partir de entonces: una clara voluntad ensayística, contenido político, así como revisión de la historia más reciente de su país y un refrescante sentido del humor."

Via / Punto de vista

MISSING SARAJEVO

2011-11-28T15:24:00.001-05:00

Dir. Bill Carter

1997 - 15 min.

Entre 1992 y 1996, El sitio sobre Sarajevo reclamó la vida de diez mil vidas y ocupa un lugar en los libros como el asedio más prolongado a una ciudad capital en la historia de la guerra moderna, mientras el resto del mundo permaneció de brazos cruzados. En el verano de 1993, el trabajador estadounidense Bill Carter logró salir de Sarajevo y entrar al "backstage" de U2 en Verona, Italia, para contarle a la banda la situación en aquel lugar. Bono (cantante y si-fuera-hombre-quisiera-parecerme-a-él) de inmediato saltó a la acción, esperando realizar un concierto en Sarajevo, pero le fue negado a causa de que la situación se había vuelto muy peligrosa. Entonces, a pesar de eso, decidió hacer algo que nunca se había hecho antes - envió una antena parabólica y realizó un concierto vía satelital, mucho antes que la era de las telecomunicaciónes y la digi-presencia fuera pan de cada día.

Pero el espectáculo satelital no era suficiente para Bono y decidió eventualmente realizar un concierto real. En 1997, mantuvo su promesa, haciendo de U2 el más grande artista que ha realizado un concierto en la Bosnia-Herzegovina de la posguerra - un evento extraordinario que atrajo personas de diferentes etnicidades que se habían enfrentado ferozmente durante la guerra. "Missing Sarajevo" es la historia de la realización de un concierto épico, un fascinante documental acerca del poder político del rock (pop). Desde la lista de canciones que incluye a "Miss Sarajevo" que Bono y Brian Eno escribieron acerca de un concurso de belleza en el momento más álgido de la guerra, hasta ese profundo momento humano sobre el escenario, el concierto fue un ejercicio poético sobre la conexión humana en medio de la agitación social y política.

Parte UNO:

Parte DOS

Via / Brainpickins

A DAY WITH ZOMBIE (BOY)

2011-11-22T20:32:00.001-05:00

Lady Gaga, "Born this way" y luego el zoombie tatuado hasta la coronilla (Rick Genest). Bien, ahora esta presentación de personaje en menos de cinco minutos.

Dir. Michael Hurley

Ver:

Más allá del marco en el que se presenta y se lleva a cabo esta realización (Inked magazine), dice más del personaje la manera en que habla que lo que realmente dice. ¿Cierto?

INTO DE ABYSS

2011-11-14T19:18:00.001-05:00

Dir. Werner Herzog

2011 - 107 min.

E.U. - El último documental de Werner Herzog, titulado Into the abyss, se centra en dos preguntas ¿por qué las personas matan? y ¿por qué el Estado mata?; y lo hace a través de entrevistas a los involucrados en un brutal crimen por robo en la ciudad de Texas en estados Unidos. Allí, Jason Burkett y Michael Perry dos adolescentes en el momento que cometieron el crimen, se encuentran sentenciados a cadena perpetua, uno de ellos y el otro, a la pena de muerte.

Si algo caracteriza el trabajo de Herzog son las preguntas que sobre el ser humano se hace sin cesar, ¿qué lleva a una persona a...?, esto es parte de su práctica de trabajo y sus reflexiones contraponen, cual ensayo escrito, las diferentes versiones. En una entrevista televisada un "avezado" periodista le pregunta: y, ¿qué quiso decir? (pregunta que propondré eliminar en el onomástico de la carrera), a lo que no recibió respuesta pero si una reflexión que parecía rondar en la cabeza del director y que a mí me dejó pasmada, mencionó que las personas usualmente no saben el día, la hora y la manera como habrán de morir, pero un condenado si lo sabe y aquello le parecía interesante, porque (creo yo) nada te lanza más hacia un sentido de humanidad que reconocer la propia muerte.

Página: Imdb

Tráiler:

A continuación una entrevista de la cual extraje la primera parte que habla de este documental.

Cuando empieza con un tema documental, ¿qué tanto ha decidido sobre el tema, en este caso, de la pena capital?

Si, pena capital... no es el tema, y no tomo decisiones en mi cabeza. Es obvio para mi como alemán con un pasado histórico diferente, discrepar respetuosamente de esta práctica. Y no sólo en estados Unidos, en China, en India, en Pakistán y Japón, por ejemplo. Pero no tomo decisiones previas, sólo soy curioso, y empiezo a explorar. Y por supuesto, en este caso, tuve poco tiempo con las personas de la película, no me reuní con ninguno de ellos por más de una hora en mi vida. Pero aún después de filmar, mantengo mi mente abierta, y por eso, de repente descubro algo en el archivo que no anticipé - y esa es la vida, la urgencia de la vida. Esta es la razón de por que la película tiene el título de "Into the abyss" (En el abismo), y abajo dice "A tale of death, a tale of life" (Un cuento de muerte, un cuento de vida). En el último capítulo de la película es la urgencia de la vida. Y esto es completamente no-planeado, pero provino de todas las grabaciones tan fuerte que tuve que incluirlo, aún como el último capítulo de la película.

¿Cuál es la mejor manera de aproximarse a los entrevistados mientras se es sensitivo ante las circunstancias?

La dificultad está en cómo encontrar el tono correcto para cada uno de ellos, y he sido muy franco. Por ejemplo, con el recluso que fue ejecutado ocho días después, le dije, "lo respeto como ser humano, pero el hecho de que haya tenido una niñez difícil no lo exonera y no necesariamente significa que me agrade". Pero les agrado por eso, ser tan franco, y de alguna manera, uno debe serlo como realizador. Me enfoco y estoy completamente en ello y voy derecho y profundo, mirando al corazón del hombre.

¿Ese poco tiempo lo restringe ofreciéndole una mirada que pudiera ser diferente en otras circunstancias con más tiempo?

Siempre estoy enfocado. Verá, no soy de los que recolecta 400 horas de grabaciones. En este caso, tengo alrededor de diez horas de grabaciones, todo de todo, y esa es una de las cosas - ¿cómo encontrar el ritmo adecuado? usted tiene un pasado del cual se pueden suceder dos cosas, experiencia de vida, como viajar a pie, o estar como en la selva y haber visto mucho del mundo y segundo, leyendo, leer, leer, leer. Eso es lo que les digo a mis estudiantes en Rogue Film School. Les doy una lista de lo que deben leer que no tiene que ver sobre cómo filmar. Es poesía antigua romana, una historia corta de Hemingway, o lo que sea - ¡el Reporte de la Comisión Warren!

¿Ve las realizaciones documentales y de ficción como dos disciplinas diferentes? ¿Una se alimenta de la otra?

Los límites para mi nunca han sido claros así como para otros realizadores, y actualmente pocos hacen documentales y películas de ficción -soy una de las excepciones, pero no debe ponerle nervioso. Pero, ¿cómo puedo decirlo? me gusta lo que venga. En este caso, sin embargo, con "Into the abyss" es más de la clásica forma del documental. No invento, no hago cosas como el capítulo sobre el cocodrilo albino como el "Cave of forgotten dreams". Acá, lo que encontrará, está mucho más cerca, digamos, al cinema verité, aunque no soy un gran amigo del cinema verité.

Via/ Indiewire

FESTIVALES

2011-11-10T20:08:00.001-05:00

Muchos festivales, y cuento como 15, se llevaron a cabo esta semana, algunos de pocos días y otros permanecerán hasta la próxima. Así que hago una lista con los enlaces correspondientes en orden de partida, digo, para no perder la línea.

- Festival International du Documentaire Étudiant (Francia) FIDE

- 30e Festival International du Cinema Ethnographique (Francia) Voir Autrment Le monde

- Festival Internacional de Cinema Documental e Trasmedia (Portugal) RIOS

- Kasseler Documentarfilm- und Videofest (Alemania) Filmladen

- 8th Verzio International Human Rights Documentary Film Festival (Hungría) Verzio

- Muestra Itinerante de Documentales de Derechos Humanos (Colombia) Derecho a ver

- Documentary and Experimental Film Center (Irán) DEFC

- Festival Internazionale del Film Documentairo (Italia) Festival dei Popoli

- 18º Festival de Cine Independiente de Barcelona (España) l'Alternativa

- Margaret Mead Film Festival (EEUU) MMFF

- 29o Festival Unnim de Cine de Montaña (España) Torelló

- Aldeburgh Documentary Festival (UK) Aldeburgh

- Rencontres Internationales du Documentaire de Montreal (Canadá) RIDM

- Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (España) Zinebi 52

- Festival de Cine Documental de Chiloé (Chile) Fedochi

- Fin por la semana -

ESCALES DOCUMENTAIRES - 2011

2011-11-08T14:58:00.001-05:00

11o FESTIVAL INTERNATIONAL DU DOCUMENTAIRE DE CRÉATION DE LA ROCHELLE

Francia.- (Noviembre 8 - 13, 2011) Pour sa onzième édition, le Festival Escales Documentaires vous emmène à la rencontre du réalisateur oscarisé pour son film « Un coupable idéal » : Jean-Xavier de Lestrade. En vingt ans, il est devenu une référence incontournable du documentaire. Reconnu internationalement, il aborde des sujets variés qui traitent de la société, de ses tabous et des dérapages de la mécanique judiciaire. Parallèlement, une thématique abordera le fait divers et son traitement par les auteurs documentaristes.

Página: Escales documentaires

HERAKLES

2011-11-07T21:37:00.001-05:00

Dir. Werner Herzog

1962 - 9 min.

EDITH PIAF

2011-10-31T23:11:00.002-05:00

Dir. Marianne Lamour
2009

Dirán que es condición deplorable de lúcida comentarista de la vida ajena, pero me encanta saber los pormenores de la vida de las demás personas, a excepción de la de mi buen amigo Fabio que cuando la novia lo dejó se pasaba horas reflexionando acerca del porqué, pero esa es otra historia. A lo que voy... y es que encuentro fascinante la vida de mujeres trágicas como Djuna Barnes, Anais Nin, Marilyn Monroe o Dorothy Parker y de hombres no tan trágicos como mi amigo Fabio.

Por ello, me acerco a los documentales cuya temática tienen algún personaje reconocido con gusto, desdén, voyerismo, chisme y sincero deseo de conocimiento acerca de la obra de escritores, cantantes y farmacéuticos que me ayuden a desentrañar el contexto en el que se desenvolvieron sus vidas. Y me encontré este recorrido por la vida de una mujer tan melancólica como puede ser París, tan pequeña como a la inversa era su voz y tan encantadora como debe comportarse un ser humano ilógico. Edith Piaf fue....no, mejor no dejar spoilers por ahí regados, les recomiendo que miren este trabajo, corto pero sustancioso, a pedir de boca para seguir aprendiendo sobre música, de los franceses de los años veinte o treinta del siglo XX, del vino, el amor y la intensidad.

Ver documental:

ASTRA FILM - 2011

2011-10-26T14:08:00.000-05:00

11TH ASTRA FILM - INTERNATIONAL FESTIVAL OF DOCUMENTARY FILM

Rumania - (Octubre 25 - 30, 2011)- ASTRA FILM FESTIVAL Sibiu (AFF Sibiu), is well-established Romanian International Documentary Film Festival, dedicated to creative documentary from Central and Eastern Europe, has started in 1993 and is currently the oldest international festival runing in Romania.In its nearly 20 years of existence, AFF Sibiu has become an acknowledged cultural brand in Romania and abroad. It has received The Civil Society Award for the Best Cultural Event in Romania. Through its competition, the quality of the films presented, its professional programmes and workshops, the festival is considered to be the most important forum of documentary film in Romania.

Página del Festival: Astra film

JILHAVA - 2011

2011-10-26T14:01:00.002-05:00

15TH JIHLAVA INTERNATIONAL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL

República Checa - (Octubre 25 - 30, 2011) "The Jihlava International Documentary Film Festival is a celebration of creative documentary film and the greatest event of its kind in Central and Eastern Europe. We conceive documentary films primarily as unique artworks dealing with significant themes.To us, the festival represents an artifact inspiring a playful reflection of the world from various perspectives. We do not follow common festival models, nor do we have a routine, pragmatic approach to program selection. Jihlava pays tribute to courage and risk."

Página del Festival: Jihlava

SANTIAGO

2011-10-19T15:42:00.000-05:00

Dir. João Moreira Salles

2006 - 80 min.

Brasil. - Documental sobre una película que fracasa. Filmado en 1992, el director fue incapaz de editarlo en el momento, y no vuelve a mirar el material hasta 2005 para intentar entender por qué fracasó. Santiago trabajó como mayordomo en la misma casa donde creció y fue un hombre muy culto con una memoria prodigiosa cuyas idiosincrasias marcaron profundamente las memorias de sus familiares. Reflexionando sobre el pasado, el narrador se aproxima al secreto de la película. Santiago es un film sobre la identidad, la memoria y la naturaleza misma del documental.

¡Esto tiene que estar en español en algún lugar de la ré!, pero este ser no fue capaz de encontrarlo. A continuación la traducción de una parte de la clase magistral que ofreció João Moreira Salles en el DocMontevideo (Uruguay) el 29 de julio de 2011.

El inicio

A finales de la década de 1980, el presidente electo de Brasil era Fernando Collor de Melo. Una de las cosas que Fernando Collor de Melo hizo fue suspender las leyes que apoyaban la producción fílmica en Brasil. Por lo tanto, durante tres años o tal vez un poco antes de eso, mientras que él gobernaba el país, Brasil no hizo películas. Creo que hubo una película, tal vez dos, máximo, lo cual fue un problema muy grande para las compañías productoras, como la que tenía yo con mi hermano Waltinho, desde donde hacíamos series para televisión, documentales y demás.

De repente, no pudimos hacer eso más. Entonces nosotros, como cualquier otra compañía productora de Brasil, tuvo sólo una solución, y esa fue la publicidad. Empezamos haciendo anuncios. Video Filmes, nuestra compañía, se convirtió en una de las compañías productoras de publicidad más grandes en Brasil. La otra compañía productora era O2 de Fernando Meirele con sede en São Paulo.

Eso tuvo otra consecuencia, que no es importante para este conservatorio ahora, pero como un pequeño paréntesis, toda una generación de directores en Brasil aprendieron a dirigir haciendo publicidad, y llegando a los noventa uno puede ver eso en muchas películas. Productos extraordinariamente... bien, muy bien producidos, técnicas de realización virtuosas usando todos los recursos técnicos de las películas. Una fotografía extraordinaria... y todo esto fue consecuencia, para mejor o peor, de una generación de directores que empezaron a hacer películas, habiendo aprendido lo básico de la realización en películas de 30 segundos con grandes presupuestos, porque la industria de la publicidad en Brasil siempre ha estado en expansión y requiere mucho dinero.

No teníamos un "proyecto" o un "incentivo"

Aquí lo tenemos, un pequeño paréntesis. ¿Y qué tiene que ver esto con Santiago? Bien, es muy difícil hacer publicidad aún pensando que es una curva importante de aprendizaje; es un trabajo sin ninguna perspectiva de permanencia. No es un trabajo que "dure". Y eso tiene consecuencias en nuestros cerebros. Uno empieza a sentir como si viviera en un desierto. Entonces, en 1992 - 1993, decidí empezar a usar los cortes sobrantes de algunas campañas publicitarias para empezar a filmar "Santiago". Es una película que, en ese momento, en su origen, fue hecha no-profesionalmente, en el sentido que no teníamos un "proyecto" o un "incentivo". Recogimos las latas que quedaron de otros proyectos publicitarios y pasamos cinco días en la casa de Santiago, alguien que había sido muy importante para mi. Al mismo tiempo, alrededor de 1993 - 1994, el mandato de Collor terminó, y Fernando Henrique Cardoso, el siguiente presidente, cambió las leyes de producción fílmica en Brasil, y Waltinho, mi hermano estaba en la producción de ‘Foreign Land’ que fue hecha con los mismos cortes en off, la misma cámara, y el mismo camarógrafo Walter Carvalho. Entonces algo del footage eran anuncios y algunos eran de la película de mi hermano ‘Foreign Land’. Con esos cortes en off y un equipo fuimos a la casa de Santiago y filmamos por cinco días.

Me rendí

Llegué al cuarto de edición justo después de eso y luego, traté de editar pero no pude. La película era sobre Santiago como un personaje exótico... un personaje que realmente existía antes de ser filmado, quiero decir, él existía en mi cabeza más que nada. Sólo que no estaba preparado para poner cualquier cosa que Santiago tuviera que decirme. Tenía ideas preconcebidas. El personaje que yo había imaginado pudo haber sido tomado de "Funes, el Memorioso", la historia de Borges. Y pensé que Santiago era muy parecido. Aún más, nunca quise ser un personaje de la película, mi relación con él no era parte de ella. Todas esas grabaciones no fueron usadas, excepto por la última y no se suponía que eran narrada. Era el retrato de un personaje pintoresco. Y... ¡la película no funcionaba! Podemos hablarlo después. Pero... me rendí. No pude ver que debió ser simplemente una película acerca de la relación que nosotros teníamos... y no toqué la película por 13 años.

Via / Docscottish

Fragmento:

Entrevista con João Moreira Salles

Por: Yaíma Leyva Martínez (12-2007)

-Por qué después de trece años decide retomar el material filmado y hacer este documental?

Estaba en un momento de crisis personal, profesional, de la edad. Pensé que tal vez organizando el material, que tenía que ver con mi infancia, mi familia, la casa en que crecí, podría dar forma a la confusión por la que pasaba. Pero el material era prácticamente nuevo para mí. En todos esos años no lo había visto siquiera, estaba guardado. Entré a la isla de montaje no con la idea de hacer una película, sino de armar algo sólo para mí. Le dije esto a Eduardo Escorel, quien es un gran amigo y fue montador de películas de Glauber Rocha. Así que el documental se construyó con absoluta libertad, sin pensar en que se iba a exhibir.

-¿Qué descubrió en ese proceso?

Muchas cosas. En primer lugar, reaprendí a montar un filme. Éramos tres editores, de generaciones diferentes. Empezamos con pequeñas secuencias de dos o tres minutos sobre el proceso de filmación, con situaciones distintas, casi como comentarios sobre cómo iba a hacer el documental original. Después me di cuenta de que yo también era un personaje del filme; así que era imposible hacerla sin incluirme. En el material original mis intervenciones, con mi voz, no existían; sólo estaban las transcripciones. Y dudé mucho antes de incluir mi primera persona en la narración. Tras un mes y medio de montaje, me di cuenta también de la relación de poder, de clase. La relación no era solamente entre director y personaje, sino además entre patrón y empleado. Pero este documental trata acerca del tiempo… El tiempo es crucial aquí en varios sentidos. Por un lado, el material ha esperado muchos años para ser tocado. Luego, la materia principal de Santiago, sus pensamientos, su vida, es tiempo, casi como un personaje de Borges: esa idea de intentar retener el tiempo a través de la memoria. Y está la idea de la muerte, algo que cuando se tienen treinta años no se piensa, y es como una abstracción; pero con cuarenta, era un problema para mí. Y el tiempo hizo mella en el material, provocó la pérdida de partes de la imagen y de instantes del sonido.

Si Santiago estuviera vivo y fuera a hacer este documental hoy, ¿lo hubiera concebido de manera diferente?

Doy gracias a Dios por no poder volver a filmarlo, porque lo hubiese hecho con algo más de gentileza, más consciente de la relación de poder. Probablemente, el resultado no sería entonces tan impactante. Santiago está tan vivo en pantalla a causa de esa ambigüedad, de esa tensión que no estaba bien explicada. Lo que se puede desear de un personaje es que sea memorable, que esté bien vivo en la pantalla. Y esta película ha sido hecha sobre la sombra de esa tensión de clase.

-¿Qué ha sido de las treinta mil páginas con los apuntes que Santiago le dejó al morir?

La casa donde crecimos, y que estaba abandonada, se ha convertido en un centro cultural abierto al público. Allí, las páginas pueden ser consultadas. Ellas no tienen interés en sí, pues son transcripciones de enciclopedias y otros libros. Lo que considero bello es el trabajo de Santiago, inútil, pero que ha dado sentido a su existencia. Él hacía esto, como mismo dice en el documental, igual que los antiguos copistas, con la idea de que recordar a las personas las mantiene vivas. De cierta manera, fue eso lo que intenté hacer con Santiago.

ZOOPRAXOGRAPHER

2011-10-15T20:28:00.001-05:00

Un homenaje a Eadweard Muybridge

Dir. Thom Andersen

1975 - 59 min.

LAS VARIACIONES MARKER

2011-10-15T20:10:00.000-05:00

Dir. Isaki Lacuesta / Sergi Dies

2007 - 34 min.

El título que este documental en tono experimental tiene viene cargado de un gran peso: Marker. Y se refieren a Chris Marker, el realizador francés, que también puede ser el experimentador audiovisual, el poseedor de un gato, fotógrafo, pensador de la imagen y unos cuantos etcéteras que incluyen Japón, Grecia, las lechuzas y las miradas a la cámara. Para hablar de este hombre hay que conocer algo de su obra (ya que a él no se puede según dice la leyenda urbana) sea fílmica o fotográfica y no me cabe duda que algo de ella conocen Lacuesta y Dies. Aunque, las imágenes recicladas de Marker bien editadas como acá siempre pueden verse bien acompañadas de una voz en off con un discurso más convincente que este e incluso de los textos escogidos (¿Nada nuevo hay que decir?): un sacrilegio para los conocedores de Marker y un monólogo bastante descuajado para el resto.

Y ¿Qué le valdrá a Marker?

El origen del experimento lo pueden leer acá: Blogs and docs

Las Variaciones Marker - Parte UNO:

Parte DOS; parte TRES

AROUND THE WORLD WITH ORSON WELLES

2011-10-15T19:06:00.001-05:00

En 1955, la empresa británica Associated-Rediffusion, encargó a Orson Welles la realización de una serie de documentales, una especie de diarios de viaje. Welles junto con el director de fotografía Alain Pol produjo seis documentales con el título “Around the World with Orson Welles”, que en cierto modo revolucionan la práctica del documental: mientras en esta época los documentales eran rodados sin sonido, que se agregaba más adelante, el uso de dos cámaras permitió a Orson Welles hacer la película con sonido sincronizado. Además, introduce la presencia del entrevistador en la pantalla.

Welles recorre Saint Germain de Prés (St.-Germain-des-Prés), donde visita a Juliette Gréco, a Jean Cocteau, a Sartre o a Simon de Beauvoir; también visita Chelsea (Chelsea Pensioners), Viena (Third Man Returns to Vienna) y asiste a una corrida de toros en Madrid (Madrid Bullfight).

Sólo dos documentales, ambos sobre el País Vasco, están a disposición de todo público que lamentablemente entienda ingles: The Basque Countries y La Pelote Basque. Rodados en el País Vasco francés, en ellos se describen costumbres y tradiciones y recogen imágenes de Saint Jean Pied-de-Port, San Juan de Luz o Ascain.

Primero, Orson Welles en Los Países Vascos - Parte UNO:

Parte DOS; parte TRES: parte CUATRO; parte CINCO; parte SEIS

Segundo, La pelota Vasca - Parte UNO:

Parte DOS

Luego, entre 1968 y 1969 pasó algún tiempo en Europa filmando la serie One-man Band, uno de esos capítulos fue dedicado a recorrer las calles de Viena en Austria (lo que me recuerda el capítulo Third Man Returns to Vienna de la serie Around the world) , pero también fue filmado en Zagreb, Croacia y en un estudio de Los Angeles, EEUU.

Viena de Orson Welles (sin terminar):

PINA

2011-10-10T17:17:00.000-05:00

Dir. Wim Wenders

2011 - 106 min.

En 2002, en una escena de la película Hable con ella, dirigida por Pedro Almodovar, Dario Grandinetti (uno de los protagonistas) lloraba ante la presentación de Café Müller, obra autobiográfica de Pina Bausch, coreografa y bailarina, considerada como uno de los baluartes de la danza contemporánea. Y esa mujer murió hace algo más de dos años dejando un montón de dolor, amor, belleza y soledad plasmadas en sus obras.

Wim Wenders planeó este proyecto meses antes de su muerte, seleccionando las piezas para ser filmadas y discutiendo con la protagonista la estrategia para filmarla. Luego, Wenders impresionado por las innovaciones del 3D, decide experimentar con el formato para este tributo a Bausch; el resultado no solo es la belleza y la emoción pura del baile y los bailarines profundamente prestados a ella, sino que la película captura el sentido del mundo que Bausch tan brillantemente expresó en sus piezas.

Escogida como la candidata por Alemania para participar en la categoría de Mejor Película extranjera en los Oscares de la Academia de Estados Unidos para 2012 y que algunos analistas apuestan como una de las ganadoras, ha sido alabada en Europa por ser, según David Cano, "una experiencia abrumadora, impresionante, intensa y sensible, que sitúa al espectador en una inmersión placentera y vigorosa desde una posición nuclear o partícipe de algunas de sus coreografías representantes más significativas. La fascinación que el alemán derrama por su paisana, a la que notoriamente admira, facilita al que ve una vivencia multisensible, acaso multimedia, de la práctica de esta maga de la danza contemporánea y algunos de sus recovecos y ángulos más favorecidos." (El artículo completo: No todo)

Entrevista a Wim Wenders: Club cultura

Página del documental: Pina

Tráiler:

Y para los que como yo, quedaron fascinados con la música,
es de Jun Miyake y la canción se llama "Lilies in the Valley":

Y esta otra,
"The here and after" por Jun Miyake:

LA MUJER DEL ETERNAUTA

2011-10-10T16:55:00.001-05:00

Dir. Adán Aliaga (España)

2011 - 82 min.

Argentina. - "La mujer del Eternauta es Elsa Sánchez, viuda de Héctor Germán Oesterheld –guionista de la obra cumbre del cómic argentino, ‘El Eternauta’– y una mujer a quien la dictadura militar argentina le arrebató a sus cuatro hijas y a su marido. El sesgo político de la obra de Oesterheld sirvió de excusa para comenzar la barbarie.

Esta es la historia de una lucha por la supervivencia en medio del horror. Una crónica vital y cercana en la que Elsa nos acerca a sus recuerdos con el valor de los verdaderos héroes. Un ejemplo de lucha pacífica contra la injusticia, y un testimonio en el que el dolor y el amor por la vida se dan la mano."

El tráiler no contiene mucho (de información) o no entiendo mucho, y creo que se debe ir preparado con un mínimo de conocimiento acerca de la obra de Oesterheld para comprender lo que Elsa Sánchez menciona, porque además de dejarse levar por la soledad de esta mujer hay que darle el valor completo a las obras a las que uno se acerca. Por otra parte, a mi como me gustan los documentales con música bien puesta, sin tanta guitarra.Co-producido por Frida Films y Utópica Cine.

Tráiler:

YIDFF - 2011

2011-10-10T15:46:00.000-05:00

YAMAGATA INTERNATIONAL DOCUMENTARY FESTIVAL

Japón. - (Octubre 6 - 13 de 2011) The Yamagata International Documentary Film Festival will hold YIDFF 2011 as previously scheduled, from October 6th to 13th, 2011.

We have of course been concerned whether guests from overseas would join us or not, in the wake of the Great East Japan Earthquake of March 11th and the Fukushima No. 1 nuclear power plant crisis. But it is exactly at times like this that our belief in the documentary film, with its power to observe objectively and express subjectively, and our trust that the invigoration of film culture will give impetus to the world, including the disaster-hit areas, pushes us to go ahead. We are proceeding with preparations to hold our festival according to schedule.

Meanwhile, since April 8th, we have been working in conjunction with other organizations to hold film screenings and children’s filmmaking workshops at evacuation centers in Yamagata Prefecture and the afflicted areas. Through bringing cinema to the people affected by the disaster, we have encountered the true situation there, seen what the news does not show us, and been crushed by a sense of powerlessness. It feels as if this unprecedented catastrophe is forcing us to contemplate what cinema can do, and the value of capturing the truth on film.

We believe that the duty of the Yamagata International Documentary Film Festival at this point in time is to create a venue for the following purposes: to share the chaotic emotions felt by all those who experienced the disaster; to think about what we can do next; and to search for ways to the next step forward.

At YIDFF 2011, we will host a special screening program concerning the Great East Japan Earthquake. We hope to present a program that brings viewers into contact and with the victims of the disaster, with discussions that were shared, the raw emotions that emerged when we made films with the children, and all which came out of it.

We look forward to receiving your continued support.

Página del Festival: Yidff

LOCK

2011-10-09T15:28:00.000-05:00

"El movimiento ilustra las intenciones y los intereses de la persona que se mueve. Nos movemos hacia las cosas que nos interesan, nos alejamos de las cosas que no nos gustan. Eso deja un cierto trazo de nuestros deseos y nuestras dudas." - Eduard Lock -

Dir. Louise Archambault

Son 5 minutos. Listo.
2010

MAN WITH A MOVIE CAMERA

2011-10-09T14:53:00.001-05:00

Dir. Dziva Vertov

1929 - 68 min.

El hombre de la cámara, nombre con el que se conoce en español a este documental experimental-silente de 1929, no contiene actores ni historia. Realizado por Dziga Vertov y editado por su esposa Elizaveta Svilova, y producido por VUFKU, un estudio fílmico ucraniano, presenta la vida urbana en Odesa y otras ciudades soviéticas.

Vertov consideraba que "la verdad estaba incorporada en las cosas, y las cosas son signos en sí mismas". Por eso, El hombre de la cámara no tiene subtítulos. Esto es, que le interesaba captar la vida de improviso, siguiendo azarosamente a quienes filmaba sin alterarles.

Además de una versión "insonora", es posible encontrar los primeros 42 minutos sonorizados por Gier Jenssen o "Biosphere" siguiendo las instrucciones de Vertov para piano según se acompañaba a las películas de la época silente. Este proceso se llevó a cabo para la apertura del Tromsø International Film Festival en 1996.

Primero la versión sonorizada por la Cinematic Orchestra

Parte UNO:

Parte DOS; parte TRES; parte CUATRO; parte CINCO; parte SEISa; parte SEISb; parte SIETE; parte OCHO

Luego, los primeros 42 minutos por Gier Jenssen:

JEAN ROUCH Y SU CÁMARA EN EL CORAZÓN DE ÁFRICA

2011-10-09T14:02:00.004-05:00

Dir. Philo Bregstein
1977

Es un extracto pero a quien le importa. !Esto es imperdible!!
Un poco de Crónica de un verano, su posición ante el trabajo de Robert Flaherty y Dziga Vertov y algo de su fascinación por Nigeria.

Y si alguien se pregunta ¿Quién es Jean Rouch? pase por esta entrevista.
Entrevista a Jean Rouch

AMERICAN JUGGALO

2011-10-02T20:19:00.001-05:00

Dir. Sean Dunne
2011 - 24 min.

La Revista Enie, es decir EÑE, publicación muy decente del periodismo argentino recomendó este documental de 24 minutos sobre un grupo de hippiefrikies denominados Juggalos, una subcultura estadounidense bastante jalada de los cabellos y que se los jalan con trenzas, adoradores de la banda hip-hop-metal o horrorcore-cristiana (respiren) Insane Clown Posse.

Tal grupo de personas se reúnen cada año a convertirse en "familia" literal y metafóricamente en un evento denominado "The gathering of the Juggalos" al que se acerca Sean Dunne, el director, para hacer un retrato de esta, también denominada, tribu urbana. Dunne es el director de "The archive" un cortísimo documental que tuvo un gran éxito en Sundance en 2008.

Lamentablemente el documental se encuentra en ingles y sin subtítulos pero entre gritos, lo que balbucean (y bastante) o lo que escuchan, no nos perdemos de nada que no podamos encontrar buscando Juggalos en la red. Recomiendo la introducción y el final, bastante bien logradas porque el intermedio se asemeja un tanto a Real Life MTV grupal, a excepción de la loca desnuda con la que cualquiera se toma fotos. ¿Eso es malo o bueno? lo dejo a su criterio.

Página del Documental: American Juggalo

Página del director: Veryapeproductions

Más trabajos de Sean Dunne: Canal Vimeo

1001 DOCUMENTARY FILM FESTIVAL

2011-09-28T16:40:00.000-05:00

14TH ISTAMBUL INTERNATIONAL 1001 DOCUMENTARY FILM FESTIVAL

Turquía. - (Septiembre 29 - Octubre 3, 2011) Since its inception, the Festival has hosted hundreds of films from Turkey and all over the world. Each year, documentary filmmakers and documentary cinema theoreticians have the opportunity to meet with the audience. The festival has created an atmosphere that allows different societies to know and understand each other through documentary films by utilizing the universal language of cinema. Now, once more, we are ready to meet and share our dreams and realities as documentary filmmakers in the “14th1001”.

The films to be screened at the International 1001 Documentary Film Festival are determined not just by the powerful styles used in the films, but also by the humanitarian values expressed. Defending the coexistence of different cultures, supporting values that contribute to the future of mankind, and presenting different points of view are the basic criteria taken into account.

Página del Festival: 1001

SOBRE LO ABSOLUTO, LO SUBLIME Y LA VERDAD EXTÁTICA

2011-09-24T19:20:00.000-05:00

Esta es una traducción propia y me hago responsable por los errores que puedan encontrarse, si hay alguna mala interpretación siéntanse libres de comentarlo. La traducción original al ingles es de Moira Weigel para BU

[Este texto fue originalmente pronunciado por Werner Herzog como un discurso en Milán, Italia, luego de la presentación de la película “Lessons of Darkness” sobre los incendios en Kuwait. Le pidieron hablar sobre lo Absoluto, pero él espontáneamente cambió el tema a lo Sublime. A causa de eso, una buena parte de lo que sigue fue improvisada en el momento.]

* El colapso del universo estelar ocurrirá —como la creación— en un grandioso esplendor.

—Blaise Pascal

Las palabras atribuidas a Blaise Pascal que aparecen como prefacio en mi película Lessons of Darkness son en realidad mías. Pascal mismo no pudo haberlas dicho mejor.

Esta falsificación y aún, como demostraré, la cita no-falsificada debe de servir de indicio de lo que estoy tratando de lidiar con este discurso. De todas formas, conocer una falsedad como falsedad contribuye únicamente al triunfo de los contadores.

¿Por qué estoy haciendo esto, pueden preguntarse? La razón es simple y no proviene de lo teórico, sino más de consideraciones prácticas. Con esta cita como prefijo elevo [erheben] al espectador, antes de que mire el primer frame (imagen), a un nivel alto, desde el cual entra a la película. Y yo, el autor de la película, no lo dejo descender desde esa altura hasta que haya terminado. Únicamente en ese estado de subliminalidad [Erhabenheit] hace que algo más profundo se haga posible, una clase de verdad que es el enemigo en si mismo. La verdad Extática, la llamo.

Después de la primera guerra en Irak, mientras los campos de petroleo ardieron en Kuwait, los medios— y aquí, quiere decir la televisión en particular— no estaban en posición de mostrar lo que era, más allá de ser una guerra criminal, un evento de dimensiones cósmicas, un crimen contra la creación misma. No hay un solo frame en Lessons of Darkness en el que se pueda reconocer nuestro planeta, por esta razón la película es etiquetada como "ciencia ficción", como si hubiera sido posible filmarla en una galaxia distante, hostil a la vida. En la premier de la película en el Festival de Berlín, la película se enfrentó con una ola de odio. De los gritos de furia del público sólo podía escuchar "estetización del horror". Y cuando me encontré siendo amenazado y escupido en el podio, grité una única respuesta banal. "Ustedes cretinos" dije, "eso es lo que Dante hizo en su infierno, es lo que Goya hizo, y Hieronymus Bosch también". En mi momento de necesidad, sin pensar en ello, había llamado a los ángeles de la guardia que nos familiarizaran con loAbsoluto y lo Sublime.

Lo Absoluto, lo Sublime, la Verdad... ¿qué significan esas palabras? Esto es, debo confesarlo, la primera vez en mi vida que he tratado de responder tales preguntas fuera de mi trabajo, que entiendo, primero y por encima de todo, en términos prácticos.

Por este camino de calificación, debería mencionar una vez que no voy a aventurarme con una definición de lo Absoluto, incluso si el concepto pone una sombra sobre todo lo que digo aquí. Lo Absoluto plantea un dilema de nunca acabar para la filosofía, religión y matemáticas. Las matemáticas probablemente llegaran más cerca cuando alguien consiga probar finalmente la hipótesis de Riemann. Esa pregunta concierne a la distribución de los números primos; sin responder desde el siglo XIX, llega a las profundidades del pensamiento matemático. Un premio de un millón de dólares ha sido fijado para cualquiera que lo resuelva, y un instituto matemático en Boston ha designado miles de años para que alguien llegue con una prueba. El dinero está esperando por ustedes, así como su inmortalidad. Desde hace dos mil quinientos años, desde Euclides, esta pregunta ha preocupado a los matemáticos; si resulta que la hipótesis de Reimann y su brillante hipótesis no son correctas, enviaría una conmoción a través de las disciplinas de las matemáticas y las ciencias naturales. Puedo sólo vagamente empezar a comprender lo Absoluto, no estoy en posición de definir el concepto.

La verdad del Oceano

Por ahora, permaneceré en el confiable suelo de la praxis. Incluso si no podemos comprenderlo, me gustaría contarles sobre un infortunado encuentro que tuve con la Verdad mientras filmada Fitzcarraldo. Estábamos filmando en la selva este peruana de los Andes entre los ríos Camisea y Urubamba, donde más tarde transporté un barco por encima de una montaña. Los indígenas que vivían allí, los Machiguengas, hicieron la mayoría de los extras y nos premitieron rodar en sus tierras. Además del pago, los Machiguengas querían más beneficios: querían entrenamiento para su médico local y un bote, para poder llevar sus cosechas a los mercados a cientos de kilómetros río abajo por sí mismos, en vez de venderlos a través de intermediarios. Finalmente, querían que los apoyáramos en su pelea por un título legal sobre el área entre los dos ríos. Una compañía después de otra la había medido con el objeto de saquear el bosque; recientemente, firmas petroleras habían puesto un ojo codicioso sobre sus tierras.

Cada petición que introducimos para alguna acción se desvanecía enseguida en el laberinto de la burocracia provincial. Nuestros intentos de soborno fallaron también. Finalmente, habíendo viajado al ministerio responsable por estas acciones, en la capital Lima, me dijeron que, aún si pudiéramos argumentar por un título legal sobre estas tierras cultural o históricamente, habían dos grandes tropiezos. Primero, el título no contenía ningún documento legal verificable, sino soportado por rumores, lo cual es irrelevante. Segundo, nadie había estudiado la tierra en orden de proveer una frontera reconocible.

Para un tardío final, contraté un supervisor, que proveyera a los Machiguengas con un mapa preciso de sus tierras. Esa fue mi parte en su verdad: tomó la forma de una delineación, una definición. Lo admitiré, discutí con el supervisor. El mapa topográfico que el proveyó, explicaba, era incorrecto. No correspondía a la verdad porque no tenía en cuenta la curvatura de la tierra. ¿En ese pequeño pedazo de tierra? pregunté, perdiendo la paciencia. Por supuesto, dijo disgustado, y empujó su vaso de agua hacia mí. Incluso con un vaso de agua, tiene que ser claro sobre esto, nosotros no estamos lidiando sólo con una superficie. Usted debe ver la curvatura de la tierra como puede verla en un océano o en un lago. Si usted fuera capaz de percibirlo como es —pero usted tiene una mente simple— vería la curvatura de la tierra. Nunca olvidé esa dura lección.

La pregunta de los rumores tenía una dimensión más profunda y requería una clase diferente de investigación. [Argumentada para el título de la tierra] los indígenas sólo podían reclamar que ellos habían estado siempre allí, eso lo habían aprendido de sus abuelos. Cuando, finalmente, el caso parecía sin esperanzas, me las arreglé para conseguir una audiencia con el Presidente [Fernando] Belaúnde. Los Machiguengas de Shivankoreni eligieron dos representantes para acompañarme. [En la oficina Presidencial en Lima] cuando nuestra conversación amenazaba con llegar a un punto muerto, presenté a Belaúnde el siguiente argumento: en la ley anglosajona, aunque los rumores son generalmente inadmisibles como evidencia, no son absolutamente inadmisibles. Ya en 1916, en el caso de Angu vs. Atta, una corte colonial en la Costa Gold (hoy Ghana) determinó que el rumor podría servir como una forma válida de evidencia.

Ese caso era completamente diferente. Tenía que ver con el uso local del palacio de gobernador; entonces, también, no habían documentos, nada oficial que pudiera ser relevante. Pero la corte determinó, por abrumador consenso que el rumor, que incontables veces los hombres de la tribu repitieron y repitieron, constituía un manifiesto de verdad que la corte podía aceptar sin mayores restricciones. Con eso, Belaunde, que había vivido muchos años en la selva, quedó en silencio. Pidió un vaso de jugo de naranja, después sólo dijo buen Dios, y supimos que le habíamos ganado. Hoy los Machiguengas tienen un título de sus tierras; incluso el consorcio de firmas petroleras que encontró una de las fuentes más grandes de gas natural [en el mundo] respeta su vecindad.

La audiencia con el Presidente concedió otra mirada a la esencia de la verdad. Los habitantes de la villa de Shivakoreni no estaban seguros si era verdad que al otro lado de los Andes había un monstruoso cuerpo de agua, un océano. Además, estaba el hecho de que el monstruo de agua, el Pacífico, era supuestamente salado.

Condujimos a un restaurante sobre la playa un poco al sur de Lima para comer. Pero los dos delegados indígenas no ordenaron nada. Permanecieron en silencio y miraban sobre los rompeolas. No se aproximaron al agua, sólo la miraban. Después pidieron una botella. Les dí una botella de cerveza vacía. No, esa no estaba bien tenía que ser una botella que pudiera sellarse bien. Entonces compré una botella barata de vino tinto chileno, la descorché y vertí el vino en la arena. Enviamos la botella a la cocina para ser limpiada lo más cuidadosamente posible. Después los hombres tomaron la botella y fueron, sin una palabra, hacia la orilla. Aún vistiendo los pantalones nuevos, tenis (zapatillas) y camisetas que habíamos comprado para ellos en el mercado, se metieron entre las olas. Se metieron, mirando el gran Océano Pacífico, hasta que el agua les llegó a los antebrazos. Después, probaron el agua, llenaron la botella y la sellaron cuidadosamente con el corcho.

Esa botella con agua era su prueba para la villa de que realmente estuvieron en el océano. Pregunté con cautela si esa no era una parte de la verdad. No, dijeron, si hay una botella de agua salada, entonces todo el océano debe ser verdad también.

El asalto de la realidad virtual

A partir de entonces, lo que constituye la verdad—o, para ponerlo en una forma más simple, lo que constituye la realidad— se convierte en un gran misterio para mí de lo que había sido. Las dos décadas transcurridas han presentado cambios sin precedentes al concepto de realidad.

Cuando hablo de las agresiones sobre el entendimiento de la realidad, me refiero a las nuevas tecnologías que, en los pasados veinte años, se han convertido en artículos generales de uso diario: los efectos especiales digitales que crean nuevas e imaginarias realidades en el cine. No es que quiera demonizar estas tecnologías, le han permitido a la imaginación humana lograr grandes cosas—por ejemplo, reanimar dinosuarios convincentes en las pantallas. Pero, cuando consideramos todas las formas posibles de realidad virtual que se han convertido en parte de la vida diaria— en el Internet, en los video juegos y en los realities de televisión; algunas veces también en extrañas formas— la pregunta de por qué es "real" la realidad en sí misma constantemente se refresca.

¿Qué está pasando realmente en el reality de televisión Survivor?, ¿Podemos confiar en una fotografía, ahora que sabemos cuan fácil todo puede ser falseado con photoshop? ¿Seremos capaces de confiar completamente en un correo electrónico, cuando nuestros hijos de veinte años pueden mostrarnos que lo que estamos viendo sea probablemente un intento por robar nuestra identidad, o tal vez un virus, un gusano, o un "troyano" que se ha extraviado en nuestro medio y adopta cada una de nuestras características?, ¿Existo en alguna parte, clonado, como muchos Doppelgänger, sin saber nada de eso?

La historia nos ofrece un analogía para estar exento de [cambios provocados por] lo virtual, otro mundo con el que estamos siendo confrontados. Por siglos y siglos, la guerra fue esencialmente la misma cosa, choques de ejércitos de caballeros, que pelearon con espadas y escudos. Entonces, un día, esos guerreros se encontraron a sí mismos mirándose entre ellos entre cañones y armas. La guerra nunca fue la misma. También sabemos que las innovaciones en el desarrollo de la tecnología militar es irreversible. Aquí hay algunas evidencias que pueden ser de interés: en partes de Japón a comienzos del siglo XVII, hubo un intento de acabar con las armas de fuego, de tal manera que el samurai pudiera pelear mano a mano, otra vez con espadas. Este intento tuvo una vida corta, era imposible de sostener.

Hace un par de años, llegué a comprender cómo el concepto de realidad se ha transformado, de una manera extraña, a través de un incidente que tomó lugar en Playa Venecia en Los Angeles. Un amigo estaba ofreciendo una pequeña fiesta en su patio— con carne a la barbacoa— estaba oscuro, cuando, no muy lejos, escuchamos algunos disparos que nadie tomó en serio hasta que aparecieron helicópteros de la policía con reflectores encima nuestro y ordenándonos, por los amplificadores, a entrar a la casa. Hemos unido los eventos del caso en retrospectiva: un joven, descrito por un testigo como entre 30 y 40 años, había estado vagando, dando vueltas alrededor de un restaurante a una cuadra de donde nos encontrábamos. Cuando una pareja salió, el chico gritó, Esto es real, disparó a ambos con un arma semiautomática y luego huyó en su patineta. Nunca fue atrapado. Pero el mensaje [Botschaft] del loco era claro: eso no era un videojuego, esos disparos eran reales, esto es realidad.

Los axiomas de la sensación

Debemos preguntar a la realidad: ¿Cuán importante es realmente? Y: ¿Qué tan importante, realmente, es lo Factual? Por supuesto, no podemos no diferenciar lo factual; es un poder normativo. Pero nunca puede darnos la clase de iluminación, el destello extático. desde el que emerge la Verdad. Si únicamente lo factual (el hecho), en el que el cinema vérité se fija, fuera significativo, entonces uno podría argumentar que el vérité— la verdad— en su mayoría debe estar concentrada en el directorio telefónico— en el que cientos de miles de entradas son factualmente correctas y, entonces, corresponden a la realidad. Si fuésemos a llamar a todas las personas de la lista en el directorio bajo el mismo nombre de “Schmidt,” cientos de esas llamadas confirmarían que ellos se llaman Schmidt; si, su nombre es Schmidt.

En mi película Fitzcarraldo, hay un intercambio que plantea esta pregunta. Al salir hacia lo desconocido con su barco, Fitzcarraldo para en uno de los últimos bastiones de la civilización, una estación misionera:

Fitzcarraldo: ¿Y qué dicen los Indios viejos?

Misionero: Nosotros simplemente no podemos curarlos de sus ideas de que la vida ordinaria es sólo una ilusión, detrás de lo cual yace la realidad de los sueños.

La película es acerca de una ópera que se celebrará en la selva; como ustedes sabrán, me propuse producir ópera. Una máxima es crucial para mi: el mundo entero debe someterse a transformarse en música, debe convertirse en música; sólo entonces podremos producir ópera. Lo que es hermoso de la ópera es que no juega ningún papel en esto; y lo que toma lugar en la ópera es la superación de la naturaleza. Cuando miramos los libretos de las óperas (y aquí la Fuerza del Destino de Verdi puede ser un buen ejemplo), uno ve rápidamente que la historia en sí es imposible, tan lejos de algo que podamos experimentar que las leyes matemáticas quedan suspendidas. Lo qué pasa en el escenario es imposible, pero el poder de la música permite al espectador experimentarla como verdad.

Es lo mismo con el mundo emocional [Gefühlswelt] de la ópera. Los sentimientos son tan abstractos; que no pueden estar subordinados cada día a la naturaleza humana nunca más, porque ellos han sido concentrados y elevados al grado más extremo y aparecen en su forma más pura; y a pesar de todo los percibimos, en la ópera, como naturales. Los sentimientos en la ópera son, finalmente, como axiomas en las matemáticas, los cuales no pueden ser concentrados y no pueden ser explicados mucho más. Los axiomas del sentimiento en la ópera nos permiten, sin embargo, de manera secreta, un camino directo a lo sublime. Aquí podemos citar como un ejemplo a “Casta Diva” en la ópera Norma de Bellini.

Ustedes deben preguntarse: ¿Por qué digo que lo sublime se convierte en accesible a nosotros [literalmente “dado a la experiencia”; erfahrbar] en la ópera, de todas las formas, considerando que la ópera no se ha innovado de ninguna manera esencial en el siglo XX, como otras formas que tuvieron lugar? Esto sólo parece ser una paradoja: la experiencia directa de lo sublime en la ópera no depende de un mayor desarrollo o nuevos desarrollos. Lo sublime le ha permitido a la ópera sobrevivir.

La Verdad extática

Nuestro entero sentido de la realidad ha sido llamado a una pregunta. Pero no quiero habitar en este hecho mucho más, desde que lo que me mueve no ha sido la realidad, pero hay una pregunta que permanece detrás [más allá; dahinter]: la pregunta de la verdad. Algunas veces los eventos exceden nuestras expectativas—tienen un poder inusual y bizarro— que parecen increíbles.

Pero en las artes finas, en la música, literatura y cine, es posible alcanzar un estrato más profundo de verdad— una poética, la verdad extática, que es misteriosa y sólo puede ser entendida con esfuerzo; alcanzada a través de la visión, el estilo y el arte. En este contexto veo la cita de Balise Bascal sobre el colapso del universo estelar no como una mentira [“falsificación”; Fälschung], sino como una posibilidad de hacer posible una experiencia extática interior, profundamente verdad. Así como no hay falsedad en el retrato de Jesús en la Pietà de Michelangelo como un hombre de 33 años, y su madre, la madre de Dios, de 17 años.

Sin embargo, nosotros ganamos nuestra habilidad para tener experiencias extáticas de verdad a través de los Sublime, a través de lo cual somos capaces de elevarnos sobre la naturaleza. Kant dijo: La irrestibilidad del poder de la naturaleza nos fuerza a reconocer nuestra impotencia física como algo natural, pero al mismo tiempo revela nuestra capacidad para juzgarnos a nosotros mismos independientes de la naturaleza así como superiores de la naturaleza... Estoy dejando algunas cosas fuera, a beneficio de la simplicidad, Kant continúa: De esta manera, la naturaleza no es estimada en nuestro juicio estético como sublime porque excita el miedo sino porque evoca nuestro poder (que no es naturaleza)...

Debo tratar a Kant con la debida precaución, porque sus explicaciones concernientes a lo sublime son abstractas y resultan extrañas para mi en mi trabajo práctico. Sin embargo, Dionysus Longinus, que conocí mientras exploraba estos temas, es mucho más cercano a mi corazón, porque siempre habla en términos prácticos y usa ejemplos. No sabemos nada de Longinus. Los expertos no están seguros que sea su nombre real, y sólo podemos adivinar que vivió en el siglo I A.C. Infortunadamente, su ensayo "Sobre lo sublime" se encuentra fragmentado. En los escritos tempranos que tenemos del siglo X, en el Codex Parisinus 2036, faltan páginas en todas partes, algunas veces manojos enteros de páginas .

Longinus procede sistemáticamente, en este momento, no puedo empezar con la estructura del texto. Pero sus frases siempre están llenas de vívida literatura. Y acá tendré, de nuevo, que seguir sin orden esquemático, apoderarse de esto me parece lo más importante para mi.

Lo fascinante es que, en el principio de su texto [Longinus] evoca el concepto de Éxtasis, aún si lo hace en un contexto diferente que he identificado como "verdad extática". Con referencia a la retórica, Longinus dice: Lo que sea sublime no lleva a los oyentes a la persuasión sino a un estado de éxtasis, en todo momento y de todas las formas posibles impone el discurso, con el encanto se lanza sobre nosotros, prevalece sobre eso que apunta a la persuasión y la gratificación. Nuestras persuasiones podemos usualmente controlarlas, pero la influencia de lo sublime ofrece poder y la irresistible fuerza de soportarlo, y reina sobre el escucha... Aquí él usa el concepto de éxtasis, una persona se sale de sí misma a un estado más elevado— donde podemos elevarnos sobre nuestra propia naturaleza— la cual revela lo sublime "a la vez, como un relámpago" (1) Nadie antes de Longinus había hablado tan claramente de la experiencia de la iluminación; aquí, me he tomado la libertad de aplicar esa noción a los raros y fugaces momentos del cine.

Él cita a Homero en orden de demostrar lo sublime de la imagen y sus efectos iluminadores . Aquí un ejemplo de "La batalla de los Dioses":

Aidoneos, señor de las sombras, con miedo saltó de su trono y exclamó en voz alta, para que por encima de él la tierra hendida por Poseidón, el Terremoto de la Tierra, y su morada sea hecha para ver a los mortales e inmortales— la humeda y pavorosa morada, desde donde los dioses han despreciado: tan grande fue el estruendo que se produjo cuando los dioses se enfrentaron en lucha.

Longinus fue un hombre extraordinariamente leído, uno que citaba exactamente. Lo que es sorprendente es que se toma la libertad de unir dos pasajes diferentes de La Iliada. Es imposible que sea un error. Sin embargo, Longinus no lo falsea sino que concibe una idea nueva, una verdad más profunda. Afirma que sin la verdad [Wahrhaftigkeit] y grandeza del alma lo sublime no puede hacerse presente. Y cita una declaración que los investigadores de hoy le atribuyen a Pitágoras o Demóstenes.

Para la verdadera belleza es la declaración del hombre que, en respuesta a la pregunta de qué tenemos en común con los dioses, responde: la habilidad de hacer el bien [Wohltun] y la verdad.

No vamos a traducir su euergesia (capacidad de hacer el bien) simplemente como "caridad", como la noción que es dada por la cultura Cristiana. Tampoco es la palabra griega para verdad, alêtheia, simple de comprender. Etimológicamente hablando, viene del verbo lanthanein, "esconder", y la palabra relacionada, “lo ocultado,” “lo que se oculta.”

A-lêtheia es, por lo tanto, una forma de negación, una definición negativa: es lo "no oculto", lo revelado, la verdad. Pensando a través del lenguaje [im sprachlichen Denken], los griegos, por lo tanto, definían la verdad como un acto de divulgación— un gesto relacionado al cine, donde un objeto es puesto en la luz y después latente, aún no visible la imagen es conjurada en el celuloide, donde primero debe ser desarrollada, y luego develada.

El alma del escucha o del espectador completa este acto, el alma actualiza la verdad a través de la experiencia de lo sublime: esto es que, completa un acto de creación independiente. Longinus dice: Para nuestras almas es surgir de la naturaleza a través de la sublime verdad, oscila con los altos espítirus, y es llenada con gozo orgulloso, como si hubiera creado lo que escucha.

Pero no quiero perderme en Longinus, al que siempre pienso como un gran amigo. Me paro ante ustedes como alguien que trabaja con películas. Me gustaría apuntar a algunas escenas de otras películas mías como evidencia. Un buen ejemplo sería The Great Ecstasy of Woodcarver Steiner donde el concepto de éxtasis se muestra en el título mismo.

Walter Steiner, un escultor suizo y campeón mundial de sky, se eleva como en un éxtasis religioso hacia el aire. Vuela lejos sin miedo, entra a la región de la muerte misma: sólo un pequeño tropiezo y no aterriza sobre la pendiente sino que se estrella contra ella. Steiner habla del final de un joven cuervo, que crió, y en su soledad como un niño, era su único amigo. El cuervo perdió más y más plumas lo cual tenía que ver probablemente con la alimentación que Steiner le daba. Otros cuervos atacaron a su cuervo y, al final, lo torturaron tan terriblemente que el joven Steiner no tuvo otra opción: Infortunadamente, le tuvo que disparar, dijo Steiner, porque le torturaba ver cómo fue torturado por sus propios hermanos porque no podía volar nunca más. Y luego, en un corte rápido, vemos a Steiner— en lugar de su cuervo— volando, en una imagen terriblemente estética, en cámara lenta, lenta para la eternidad. Este es el vuelo majestuoso de un hombre cuya cara se retuerce por el miedo de la muerte como si enloqueciera por un éxtasis religioso. Y entences, poco antes de la zona mortal— más allá de la ladera, sobre el piso, donde sería aplastado por el impacto, como si saltara desde el edificio Empire State hacia el pavimento— aterriza lentamente, a salvo y un texto escrito es sobreimpuesto en la imagen. El texto es tomado del escritor suizo Robert Walser y dice:

I should be all alone in this world

Me, Steiner and no other living being.

No sun, no culture; I, naked on a high rock

No storm, no snow, no banks, no money

No time and no breath.

Then, finally, I would not be afraid any more.

Debería estar solo en este mundo

Yo, Steiner y no otro ser viviente

Sin sol, sin cultura; Yo, desnudo sobre una roca alta

Sin tormenta, sin nieve, sin bancos, sin dinero

Sin tiempo y sin aliento

Entonces, finalmente, no tendré miedo nunca más.

Nota

1. “Subliminidad intermitente se adelanta en el momento justo antes de que todo se disperse como un rayo” (1.4).

MAKING THE SHINING

2011-09-23T13:52:00.003-05:00

Dir. Vivian Kubrick

Parte UNO:

Parte DOS

Los detrás de cámara de las grandes películas en algunas pocas (poquísimas) ocasiones no tiene nada que envidiarle a un buen documental. Este making de The Shining dirigido por la hija de Stanley Kubrick a la postre director de la película que le hace seguimiento, recorre con familiaridad los pasillos del hotel donde se rodó tan tenebrosa película. ¿Ven ustedes cómo Jack Nicholson se vuelve el maniático Jack Torrance y luego vuelve a ser él (el primero, maniático pero no tanto)?, o ¿cómo escribe Kubrick en su máquina (rapidez indicial)?, o ¿la obstinación del director?

Vale, puede que el fanatismo me gane, pero hay que ver la presencia de Kubrick (que miedito me da), el retrato o las palabras de Nicholson y el emberraque, de nuevo, de Kubrick. No hablaré de Vivian Kubrick, solo diré que es tremenda pérdida musical y luego pueden pasarse por el artículo ¿cómo Stanley Kubrick perdió a su hija en la cienciología?

DOCMIAMI - 2011

2011-09-23T13:20:00.001-05:00

DOCMIAMI INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

"Our organization is dedicated to promoting the best that documentary film making has to offer worldwide. We seek to provide film makers a forum which promotes their unique contributions to the evolution of the cultural arts within South Florida and within the entertainment industry as a whole."

Página del Festival: Docmiami

DMZ - 2011

2011-09-23T12:36:00.002-05:00

DMZ KOREAN INTERNATIONAL DOCUMENTARY FESTIVAL

El Tercer Festival Internacional DMZ Corea se llevará a cabo de Septiembre 22 al 28 en Paju, provincia Gyeonggi, una ciudad surcoreana cerca a la frontera con Corea del Norte. El evento que celebra temas como la paz, vida y comunicación mostrará 100 documentales de 30 países alrededor del mundo. "El DMZ ha simbolizado las dolorosas memorias de la guerra y va más allá de los límites geográficos confinados a la provincia de Gyeonggi. Pero espero que lo redescubramos como un lugar de reconciliación e intercambio sobre la Península Coreana y en el mundo" dijo el Gobernador de la Provincia Gyeonggi Kim Moon-soo durante una conferencia de prensa en Seúl.

La edición de este año se abrirá con "After the Apocalypse" (Después del apocalipsis) del director británico Antony Butts, una historia de una mujer viviendo cerca al "polígono" o lugar de prueba para armas nucleares en la frontera entre Rusia y Kasajistán.

Los organizadores dijeron haber recibido más de 430 solicitudes este año que tocaban diversos temas como la radiación, extremistas religiosos, guerra, derechos humanos, familia, enfermedades, trabajo y educación. De estos, 13 compiten por un premio de 22 millones de won (moneda local). Ocho películas competirán por un premio de 13 millones de won en la sección coreana mientras la competición juvenil invita a seis trabajos por un premio de 1 millón de won. Películas fuera de competición provienen de todo el mundo que se orientan no solo a un público adulto sino a los niños también. HR

Página del Festival: DMZ

GEORGE HARRISON. LIVING IN THE MATERIAL WORLD

2011-09-19T13:15:00.000-05:00

Dir. Martin Scorsese

2011 - 210 min.

George Harrison, famoso bajista, guitarrista, arreglista, lirista y apoyo zen para el legendario grupo británico The Beatles, es el personaje que Martin Scorsese ha escogido para su última incursión en el documental. Después de "Shine a light" (2008), sobre UN concierto de los Rolling Stones mezclado con videos caseros y entrevistas a los integrantes de esta otra banda británica, y de "No direction home" (2005) sobre el surgimiento de Bob Dylan como estrella de la música popular de Estados Unidos, aparece con mejor semblante esta reconstrucción del más enigmático de The Beatles.

Living in the material world es el nombre del documental y de un disco que George Harrison sacó en 1973 de orientación más filosófica - religiosa, tal vez de allí el subtítulo del documental. El tráiler nos muestra un individuo inconformista ( sin que sea algo malo) consigo mismo y lo que podía ofrecer al mundo a través de quienes más cercanos a él fueron, incluyendo a Paul McCartney, Ringo Star o Eric Clapton. Si tenemos en cuenta las 3 horas y media de duración no será un documental sólo para fanáticos sino un buen viaje musical y personal.

Ver documental (Parte UNO) :
La parte Dos está en proceso...

PEARL JAM TWENTY

2011-09-15T11:44:00.000-05:00

Dir. Cameron Crowe

2011 - 109 min.

Pearl Jam, la banda por excelencia de Seattle en Estados Unidos, celebra sus veinte años de existencia con un documental dirigido por Cameron Crowe, que tiene a Almost famous (2000) en su haber y es importante saberlo porque nos habla del interés que este ex-reportero adolescente de la Revista Rolling Stone tiene por la música. El documental de la poderosa (y lo digo con fanatismo pre-adolescente) banda grunge norteamericana Pearl Jam cuenta cómo se formó desde Mother Love Bone, integrada por el bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard, y que termina cuando el vocalista, Andy Wood, muere de sobredosis. Hecho que luego los llevaría a formar un grupo tributo: Temple of the Dog.

Luego, la aparición de Eddie Vedder (cantante, lirista y absoluto dios noventero) con quien se cambian el nombre y sacan Ten, su primer álbum, que los catapultó a la cima de las bandas más importantes de la movida grunge - Seattle junto a Nirvana o a Soundgarden, cuyo vocalista Chris Cornell aparece en el documental. Entrevistas, videos caseros (propios, se entiende), de fanáticos y grabaciones en conciertos hacen parte del material recopilado por veinte años que se resumen en 109 minutos. El tráiler empieza con David Lynch preguntándole al susodicho vocalista cómo empezaron ustedes y hay que verle la cara que pone Vedder para darse cuenta lo que significa recordar tantos años.

Obviamente, son tipos comunes y corrientes con un grave problema para conservar a sus bateristas hasta que aparece Matt Cameron (ex-Soundgarden) o para mantenerse en la movida musical mientras permanecen alejados del mainstream que tanto les abruma(ba).

Ver documental: Acá

Tráiler:

PIXOS

2011-09-15T10:12:00.000-05:00

Dir. Torkel Sjöstrand

6 min.

A UN PASO DEL CIELO

2011-09-14T11:20:00.000-05:00

Dir. Franklin Saccsa Sánchez

Documental que muestra un día en la vida de Francisco Sánchez Llanos, agricultor de Lunahuaná, Perú.

Producción: Moisés Ayala Mariaca, Pablo García Vizcarra- Edición: Pablo García Vizcarra- Cámara: Angelo Bronzoni Zlatar-Sonido: José Luis Cartagena Valqui

CARTOGRAFÍA DE LA SOLEDAD

2011-09-13T13:51:00.000-05:00

Dir. Nocem Collado

Documental sobre tres mujeres en tres países diferentes: India, Nepal y Afganistán y la manera como la sociedad afronta su viudez. La primera de ellas, la mujer de la India me recuerda el documental "Mujeres olvidadas" o "The forgotten women" dirigido por Dilip Mehta en el 2008. El tráiler nos muestra el contexto en el que estas mujeres se desenvuelven y llega a interesar lo suficiente como para querer ver el resultado al completo. Nocem Collado es española, originalmente fotógrafa (como lo vemos al inicio del tráiler), y se estrena como directora con este documental.

Página del documental: Cartography of Lonliness

Tráiler:

AÑOS EN AFGANISTÁN

2011-09-12T19:13:00.002-05:00

Afganistán. - (Years in Afghanistan) Serie de la BBC que marca el décimo aniversario de la Guerra en Afganistán. Cuenta la historia del conflicto a través de las palabras e imágenes de los mismos jóvenes soldados.

Ambushed (Emboscada)

Esta primera parte de la serie nos cuenta la historia de un grupo de amigos muy unidos del Tercer Pelotón, 1er Batallón del Regimiento Real Anglian que fueron enviados a la Provincia de Helmand en 2007. Para la mayoría de ellos era su primera experiencia en la guerra. Todo el recorrido fue filmado con una cámara de casco por el Sargento del Pelotón, que grabó el momento cuando uno de sus hombres, el Soldado Chris Gray de 19 años, murió en una emboscada talibán. La película explora los efectos de su muerte sobre sus compañeros de pelotón así como a su familia en el Reino Unido.

The Invisible Enemy (El enemigo invisible)

El segundo episodio se centra en un joven pelotón de las Guardias Grenadier y su terrible lucha con las minas, también conocidas como Improvised Explosive Devices (IEDs) o Dispositivos de Explosivos Improvisados (ESP.). El Capitán Alex Rawlins grabó cómo sus hombres pierden a uno de sus compañeros, el Guardia Jamie Janes de 23 años, que se paró en una mina durante una patrulla. La película muestra cómo la muerte de Jamie Jane se convierte en un giro en la conciencia del público británico sobre el costo humano de las IED y cómo una carta mal escrita se convierte en una tormenta política para el entonces Primer Minsitro, Gordon Brown.

Caught in the Crossfire (Atrapado en Fuego cruzado)

La parte final empieza en 2009 y cuenta la historia de cómo el regimiento del Segundo Batallón Princesa de Gales lleva a término las nuevas reglas de combate para proteger a los civiles. El Cabo Mike McCabe es grabado cuando le disparan en una pierna en una emboscada talibán. Para el 2010, la Guardia Scots se encuentra peleando una guerra muy diferente - una batalla por las mentes y corazones. Luchan por entrenar una fuerza local, la Policía Afgana Nacional que pelean de una manera imprudente y peligrosa. Los riesgos se repiten en casa cuando el Guardia Daniel Clarke graba a una niña de tres años que ha sido seriamente herida por una granada de fragmentación enviada por el ANP. El recorrido de los Guardias Scots termina en tragedia cuando seis miembros del ANP son masacrados mientras dormían.

Ver serie - Parte UNO (sin subtítulos):

Las siguientes partes y los siguientes episodios le siguen en youtube

THE LOST SONGS OF ANATOLIA

2011-09-11T16:08:00.003-05:00

Dir. Nezih Ünen

2010 - 96 min.

Turquía. - (Anadolu'nun kayip sarkilari - Las canciones perdidas de Anatolia) Anatolia es el nombre antiguo para las tierras y las persona de la región central- oriental de la actual Turquía. Desde antes y durante las invasiones romanas, persas, mongolas, turcas seljuk, safavid o del Imperio Otomano (hasta 1922) Anatolia ha sido pisada por muchas fuerzas imperiales de dominación. Hoy es regulada por las fronteras militares de estados - nación y límites culturales y de dominación. En los primeros siglos, las rutas de entre estas regiones tan diversas y lo que hoy llamamos territorios de Europa, África, Rusia y Asia oriental fueron abiertas e intensas. Actualmente, estas "pisadas" continúan con corporaciones transnacionales disfrutando de una "modernización globalizada".

Documental musical que muestra 20 números musicales grabados en diferentes lugares alrededor de Anatolia y examina las influencias de una civilización antigua, rituales y mitologías de una tierra con música tradicionales y bailes.

El compositor, productor y arreglista Nezih Ünen fue inspirado por el album Pasión de Peter Gabriel, que incluye canciones folclóricas de Anatolia. Hablando de la película el director dijo: "Hace cientos de años, el cine y la industria musical empezaron a crecer y circular libremente. Mientras el mundo se transformaba cultural y artísticamente rápidamente, Anatolia se detuvo a pesar de todas sus riquezas y debemos proteger todas las riquezas y llevar toda esta herencia a las siguientes generaciones. Esa es nuestra principal responsabilidad". El director también dijo que: "Anatolia revelará la verdad acerca de si misma. Si fuera un documental sería demasiado didáctico. Entonces quise hacer una película que compusiera su propia poesía."

"Los amantes del oeste asumieron como los señores de Estambul. Despreciaron al Este y trataron a Anatolia como a los "otros". "Los caballeros de Estambul" quienes trataron de convertir el Oeste sin internalizar su propia cultura fueron se quedaron atascados entre Oriente y Occidente" dijo el director sobre el desarrollo de las aptitudes culturales de Turquía desde la fundación de la República Turca. "De hecho, cuando empecé no conocía la gente de anatolia, y entendí que no me conocía a mi mismo tampoco. Desde que me preocupé por esto, decidí hacer algo y empecé por el lugar que mejor conocía (...) Turquía no debería ser un país con miedo a la diversidad de su gente y sus lenguajes (...) las canciones armenias solían ser cantadas en las primeras películas. Este es un inicio e la historia del cine turco, Y espero que continúe."

"Las dificultades financieras no nos detuvieron", Nezih Ünen pasó ocho años yendo de villa en villa compilando las canciones folclóricas de Anatolia. Durante esta investigación grabó 350 horas y compiló cientos de canciones folclóricas con las que realizó la película. "Había muchas cosas sobre las que hablar (...) Estaba reacio a cortar o remover cualquier información o escena pero el tiempo era limitado. Insisto que la película es poesía. No quiero desgastar el materia hecho a mano. Entonces preparé un documental. Viendo el documental la audiencia sentirá que viajaron a Anatolia de un lugar a otro"

Un viaje musical a lugares exóticos y gente de Anatolia, una civilización antigua única de 10 milenios. Las presentaciones fueron grabadas espontáneamente en las locaciones. Con arreglos modernos es un musical incomparable.

Página del documental: Lost song of Anatolia

Tráiler:

Descarga (sin subtítulos):

http://www.filesonic.com/file/29695727/a515_Anadolunun_.Kayip.Sarkilari.2010.DvD.XviD-OpeD.part1.rarhttp://www.filesonic.com/file/29695683/a515_Anadolunun_.Kayip.Sarkilari.2010.DvD.XviD-OpeD.part2.rarhttp://www.filesonic.com/file/29695731/a515_Anadolunun_.Kayip.Sarkilari.2010.DvD.XviD-OpeD.part3.rarhttp://www.filesonic.com/file/29695467/a515_Anadolunun_.Kayip.Sarkilari.2010.DvD.XviD-OpeD.part4.rar

ALCANCES 2011

2011-09-09T12:27:00.000-05:00

MUESTRA CINEMATOGRÁFICA DEL ATLÁNTICO

España. - (Septiembre 8 - 17, 2011) "La veterana muestra de documentales de Cádiz celebrará del 8 al 17 de septiembre su 43ª edición, justo la edición previa a la celebración del Bicentenario de la Constitución de Cádiz, con especial protagonismo de la ciudad que acoge el evento en su programación. Así la principal novedad de la presente edición es la integración del Barrio del Pópulo en el formato del festival. “Se trata de lograr una simbiosis total con la ciudad de Cádiz, de demostrar la sintonía que los ciudadanos tienen con Alcances” ha comentado Castillo al presentar el proyecto ‘El Pópulo: Territorio Alcances’, espacio en el que se expande las actividades del festival. Así el tradicional enclave gaditano ofrecerá la localización perfecta para el encuentro con los realizadores, las exposiciones, los conciertos, la muestra gastronómica, las proyecciones y para el intercambio cultural formal e informal, con la intensa participación de los vecinos y empresarios del barrio. Con la irrupción de Alcances en el trimilenario barrio se busca crear un espacio de convivencia y reflexión para los realizadores que acuden a la ciudad, una localización donde tengan cabida los ciudadanos de Cádiz redefiniendo el anclaje del proyecto Alcances con el territorio, convirtiendo la muestra en generadora de riqueza y dinamizadora de la vida de la ciudad." Alysson Maia.

Página del Festival: Alcances

ZHAO LIANG

2011-09-08T17:55:00.000-05:00

Artículo escrito por Edward Wong

China. - La película documental Petición, de Zhao Liang, ha sido considerada por muchos una obra de arte temeraria. Filmada a lo largo de 12 años, muestra cómo las autoridades silencian y se abusan con los chinos que, siguiendo una antigua tradición, viajan a Beijín en busca de remediar el comportamiento ilegal de los funcionarios locales. En la mitad de la filmación, Zhao llegó a creer que lo estaban acosando agentes de seguridad. La película estrenó en el Festival de Cannes de mayo de 2009, pero de inmediato fue prohibida en China. En la ciudad natal de Zhao fueron oficiales a preguntar por él. Zhao apagó su celular y huyó al Tíbet tres semanas.Desde entonces, transformó su relación con el gobierno.

A fines del año pasado (2010) terminó Juntos, película sobre la discriminación contra chinos con vih, encargada por el Ministerio de Salud. En marzo, Zhao cenó en Hong Kong con funcionarios del ministerio antes de caminar por la alfombra roja en un festival de cine. Y el mes siguiente en Beijing aceptó un premio en una ceremonia transmitida por la TV estatal. La evolución de Zhao, de cineasta perseguido a celebrado por el gobierno, ofrece una ventana a las difíciles opciones que enfrentan los directores al tratar de abrirse camino a la autoexpresión en el autoritario sistema de China.

JUNTOS
Ver documental (subtítulos en ingles) - Parte UNO:

Las siguientes en youtube

“Cuando uno trabaja en China, hay una zona gris por la que se tiene que navegar bien”, dice Zhao. El Partido Comunista Chino siempre ha visto al cine como el medio más poderoso para influir en la opinión masiva y durante décadas lo usó como herramienta de propaganda. Más recientemente, el estado ha identificado a la industria cinematográfica como decisiva para dar forma a la imagen de China en el exterior. Los resortes de control dentro de la industria se han vuelto más sutiles. Los directores que producen películas que desafían al gobierno pueden enfrentarse a prohibiciones temporarias o a un acoso más serio. China no impide la realización de películas independientes, pero sí controla la distribución, de modo que los realizadores que quieren que sus trabajos se vean ampliamente terminan sometiéndose a un proceso de censura. Está en juego el acceso a un mercado interno lucrativo y el apoyo del gobierno puede favorecer ventas internacionales, así que los censores se han convertido en cancerberos del dinero y la fama.

La tendencia entre los directores prominentes a exponer verdades incómodas parece haber disminuido a medida que el país se ha ido haciendo más rico. Artistas rebeldes en otro tiempo, como el director Zhang Yimou, han sido obsequiados con generosidad luego de aceptar trabajar dentro del sistema que antes desdeñaban.

Entrevista a Zhao Liang:

Juntos , que fue sometida a los censores, evita mencionar el largo ocultamiento del vih y el sida en China por parte del gobierno. Y los funcionarios le pidieron a Zhao que hiciera una cantidad de cortes. Un experto en cine chino, después de ver Juntos dijo que Zhao se había “pasado al otro lado”. La película se ha exhibido con apoyo oficial en cines chinos y en unos pocos festivales. Zhao, como muchos artistas que han elegido este camino, ve su decisión de trabajar dentro del sistema en términos prácticos. “Creo que una realización tiene que tener su público”, dice. “El significado de una obra tiene que ser reconocido por otra gente. Tiene que influir a otra gente.” Karin Chien, fundadora de dGenerate Films, la distribuidora estadounidense de Crimen y castigo, de Zhao, uno de sus cinco documentales independientes, dijo que la decisión de Zhao de hacer Juntos la sorprendió, pero dijo que la movida había sido similar a como los directores estadounidenses saltaban entre las producciones independientes y las de los grandes estudios. Sin embargo, los compromisos de Zhao habían dañado algunas de sus amistades más cercanas en China. Entre aquellos que había considerado alguna vez como sostén en su favor estaba Ai Weiwei, el artista conocido por su arresto de casi tres meses este año durante un vasto ataque a intelectuales liberales. Ai atacó públicamente a Zhao a fines del año anterior por aceptar el pedido gubernamental de que boicoteara un festival de cine australiano. Zhao dice que, a diferencia de Ai, él no se oponía directamente al partido, aunque los sujetos de sus preocupaciones, desde los campesinos oprimidos a los músicos de rock adictos a las drogas, vivieran en los márgenes de China.

Tráiler de Crimen y castigo:

“China ya no necesita una revolución, la clase de revolución total que trastoca totalmente la sociedad”, dice. “Los costos son demasiado altos. En realidad, en el partido, hay conflicto entre dos campos”, agrega Zhao, refiriéndose a la fricción entre liberales y adherentes a la línea dura. “Como intelectuales sociales, tenemos que cooperar con una facción del partido para derrotar a la otra facción.” Su asociación con el estado también alteró su relación con Zhu Rikun, un programador del festival documental independiente de Songzhuang, en las afueras de Beijín, cuyos organizadores cancelaron esta primavera (su realización) en gran parte debido a la presión del gobierno. Zhu y Zhao habían trabajado estrechamente en una oportunidad –Zhu tuvo a cargo la postproducción de Petición– pero los dos entraron en una calurosa discusión a través de Internet por la cuestión de la censura. En una entrevista Zhu dijo que Juntos trataba “un problema muy importante”, pero insistió en que “una película que tenga que ver con funcionarios o con el gobierno no puede dar buenos resultados, de modo que es totalmente infructuosa.” Frustrado con su trabajo de camarógrafo de televisión en su ciudad natal, Dandong, sobre la frígida frontera con Corea del Norte, la salida de Zhao fue una beca de un año en la venerable Academia de Cine de Beijín, donde habían estudiado directores como Zhang Yimou y Chen Kaige. Las proyecciones pusieron en contacto a Zhao con obras de directores extranjeros cuyo estilo lento y preciso ejercieron gran influencia en él. Su favorito era el director soviético Andrei Tarkovsky. “Los rusos respetan realmente el conocimiento, respetan el arte”, dice. “Uno siente que los intelectuales de esa cultura son valerosos. Tienen fuerza de carácter. Piensan realmente en su pueblo. En China, como es China, difícilmente se ve al pueblo así.” En 1996 Zhao empezó a llevar su cámara a una villa de emergencia de Beijín llamada “Aldea de los peticionarios”, donde acampaban personas de todo el país con reclamos mientras trataban de plantear sus casos en la oficina central de denuncias. Es una misión interminable, vana y peligrosa: el sistema estimula a agentes de seguridad para que detengan y castiguen a los denunciantes. Zhao filmó 500 horas de película, a veces usando cámaras ocultas dentro de la oficina de reclamos. La historia central de Petición relata los perjuicios emocionales que la injusticia provoca en una madre y su hija. En otra línea narrativa, dos peticionarios mueren accidentalmente cuando se interponen corriendo en el trayecto de un tren en marcha al huir de unos agentes de seguridad. Compañeros peticionarios recogen las partes de sus cuerpos y reclaman la salida del Partido Comunista.

“Recuerdo a uno de mis profesores del colegio secundario diciéndome que yo era una piedra de bordes puntiagudos y filosos, pero que cuando creciera me iba a convertir en una suave piedra de río”, dijo Zhao. “Durante los años en que estaba haciendo la película sentía que me iba poniendo más y más filoso, en cambio.” Zhao dice que nunca pensó en registrar el filme en la Administración Estatal de Radio, Cine y Televisión, conocida también como AERCT, principal entidad reguladora y censora de películas. Todo aquel tiempo Zhao realizó diversos trabajos como camarógrafo e hizo exhibiciones de fotografía y videos de arte. Conoció a Ai Weiwei cuando los dos exponían en una muestra en Finlandia. A la muerte de Ai Qing, padre de Ai y poeta famoso, Zhao cruzó la Plaza Tiananmen en el coche fúnebre junto a su amigo. A principios de 2000, en un momento de necesidad de Zhao, Ai le prestó 750 dólares. Cuando creía que estaban siguiéndolo durante la filmación de Petición , Zhao lo llamó: “Weiwei, si un día desaparezco, vas a tener que venir a buscarme”, le dijo.

Con el tiempo, Petición obtuvo financiación de inversores europeos y en 2009 Zhao completó una edición de dos horas en París. En mayo se proyectó en Cannes. La publicación Variety la llamó “un registro implacable del sufrimiento humano”. Los periodistas chinos que informaban desde Cannes para las agencias de noticias estatales ignoraron la película. Las autoridades chinas se pusieron en acción: a Zhao empezaron a buscarlo agentes de policía y los amigos le advirtieron que no se dejara ver, indicándole el viaje al Tíbet.

Las exhibiciones de Petición debían hacerse en secreto, lo cual lo frustraba. “Quiero que los chinos vean la película y tengan una mejor comprensión de la situación en que viven”, dijo en público en marzo último cuando Petición se proyectó en el Café Kubrick de Hong Kong. Zhao dejó que el productor francés mantuviera la película en el circuito de festivales. Luego, en julio de 2009, estando en Bangkok, donde vive su mujer, que es tailandesa, con los dos hijos de ambos, recibió el llamado de un amigo, el reconocido director Jia Zhangke. Jia le dijo que los funcionarios del organismo cinematográfico les exigían a Zhao y a él que sacaran sus películas del Festival Internacional de Melbourne como boicot a un documental sobre Rebiya Kadeer, la mujer de negocios uigur a quien China culpa por los enfrentamientos en la región de Xinjiang.

Los dos directores decidieron retirar las películas. Zhao se sorprendió al ver, cuando volvió a China poco después, que las agencias de noticias oficiales habían convertido en héroes a los dos cineastas, en artículos periodísticos y noticieros. De hecho, Zhao y Petición se mencionaban por sus nombres. Era un giro ascendente en su relación con el gobierno, pero no totalmente bienvenido para Zhao. “En cierto modo sentía como si me hubieran usado”, dijo.

En octubre pasado (2010), en una exposición de arte que se inauguraba en Beijín, Ai Weiwei desafió a Zhao a que defendiera su decisión de boicotear Melbourne. Ai grabó el encuentro en video y lo puso online. A Zhao se lo veía angustiado ante la emboscada de su amigo. “¿Recibiste alguna financiación del estado?”, le preguntó Ai. “Escuché que sí.” “Por supuesto que no, Ai Weiwei”, dijo Zhao. Sin embargo, un poco antes en 2009, previo a la controversia por el festival de cine de Melbourne se había presentado una oportunidad de que Zhao trabajara en un proyecto financiado por el estado. Gu Chanqwei, un renombrado cineasta a quien Zhao conocía, lo contactó con una propuesta: ¿Zhao querría filmar un documental en el set de Amor por la vida , un largometraje dirigido por Gu sobre aldeanos infectados de vih? El Ministerio de Salud quería un documental que se pudiera mostrar como anuncio de un servicio público.

Durante años el gobierno chino negó la escala de infección por vih y ocultó un escándalo que involucraba bancos de sangre infectada. Pero en los años recientes los funcionarios del Ministerio de Salud se han manifestado interesados en mostrar que están tomando acciones para combatir la enfermedad, y la idea de la película de Gu y el documental de Zhao les atraía. Con ese respaldo, el proyecto obtuvo luz verde por parte del normalmente conservador organismo cinematográfico. Si todo iba bien, Zhao podría hacer finalmente una película que fuera vista ampliamente en China. El Ministerio de Salud estaba dispuesto a dar apoyo suficiente: una sección aportó 77.000 dólares, la mitad del presupuesto.

Juntos pasó por un proceso de inspección riguroso. Las primeras versiones se proyectaron para funcionarios de tres reparticiones distintas. “El Ministerio de Salud la vio y emitió una carta a las otras dos, lo cual significa que el ministerio apoya el filme”, dice Zhao. “El departamento de propaganda se preocupa sólo por el tono general de la película y no tiene problemas mientras no sea contrarrevolucionaria. El organismo cinematográfico no puede ser muy estricto una vez que el Ministerio de Salud le dice en la carta que ha hecho el filme como servicio público.” Zhao dice que los funcionarios pidieron unos pocos cambios. Uno incluía una escena donde él entrevistaba a una prostituta: la película no podía decir que era una trabajadora sexual.

Juntos tiene algunos de los toques personales de Zhao, en particular las entrevistas con chinos seropositivos que viven en los márgenes. Pero también hay momentos muy distantes de su estética rigurosa: entrevistas con actores célebres, por ejemplo, y el uso de música sentimentaloide. El filme tampoco plantea cómo los intentos del gobierno de ocultar los brotes de vih/sida contribuyeron para diseminar la enfermedad.

En Beijín, el filme empezó una ronda de prueba en el cine de un centro artístico en diciembre de 2010. El Festival Intencional de Cine de Berlín aceptó exhibirlo. Hubo momentos incómodos en el circuito de los festivales. En el Festival Internacional de Cine de Hong Kong en marzo, luego de la exhibición, un espectador le hizo una pregunta fuerte a una funcionaria del Ministerio de Salud, Wang Xinlun: si el gobierno chino había evadido dar informes de casos de vih. Wang dijo que el gobierno chino había sido “muy agresivo y metódico” en proporcionar informes. A Zhao se lo veía molesto mientras ella contestaba.

En mayo (2011), después de una gran campaña de marketing del gobierno, Juntos se lanzó en salas de Beijín y Shanghai. Como la mayoría de los documentales, no produjo mucho dinero. Pero Zhao dijo: “Hago películas para que la gente las vea, así que estoy muy feliz de que se haya visto.” Su próximo documental hará foco en viajes por rutas de China con artistas e intelectuales y estaría financiada por inversores extranjeros.©The New York Times y Clarin - Ñ (Enie)

LA FLACA ALEJANDRA

2011-09-07T18:18:00.000-05:00

Dir. Carmen Castillo

1994 - 57 min.

Chile. - Marcia Merino, La Flaca Alejandra, militante del MIR, es detenida y torturada por la DINA en 1974. Se quiebra, entrega información y poco a poco se convierte en el símbolo de la traición. Colabora con el aparato represivo y se mantiene bajo su poder hasta 1992. Gracias a la convicción y la acogida de dos mujeres militantes, víctimas de alguna manera de su delación, acepta extraerse de las manos de los militares para entregar su testimonio ante la justicia, en los procesos por la desaparición de combatientes de la Resistencia. Su palabra es confrontada a otras palabras que intentan nombrar la experiencia indecible de la tortura. La película no condena ni justifica, busca despertar una reflexión sobre la maquina de matar puesta en marcha por la dictadura.

Ver documental:
Y si no logran verlo sigan el link. Vimeo

SAYONARA CP

2011-09-03T19:17:00.000-05:00

Dir. Kazuo Hara

(82 min.)

Japón. - (Goodbye CP) Rodado a ras de suelo y cámara al hombro hasta rozar la obscenidad, Sayonara CP (1972) es un descarnado y abrasador documental de Kazuo Hara sobre unos afectados de parálisis cerebral, entre ellos el poeta Yokota Hiroshi.

Ver documental (subtítulos en ingles):

DESORDEN

2011-08-31T15:40:00.000-05:00

Dir. Weikai Huang

(58 min.)

China. - En la línea de las viejas "sinfonías de ciudades" –pero con el aliciente añadido de una compleja banda sonora en diversas capas–, este largometraje documental de Huang Weikai es un original experimento acerca de cómo trasladar las texturas urbanas a la pantalla. Huan recopiló más de 1.000 horas de metraje rodado por un grupo de videoaficionados en las calles de su ciudad natal, Guangzhou.

Weikai Huang combina en un collage más de 20 escenas de la calle, revelando facetas absurdas de la vida en la ciudad: un hombre que amenaza con suicidarse por no haber recibido una indemnización, un lunático bailando alegremente en medio del tráfico, cerdos corriendo sueltos por una autopista, peatones que arriesgan su vida para cruzar una carretera transitada, una disputa por dinero falso, el hallazgo de una reliquia cultural en una obra en construcción, un río contaminado en el que se bañan representantes oficiales, un obrero empeñado en pescar, un caimán que se oculta después de escaparse, y más… DocumentaMadrid. -

Casa distribuidora: dgeneratedfilms

Tráiler:

FESTIDOC - 2011

2011-08-29T20:12:00.000-05:00

4to FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL

Paraguay. - (Agosto 29 - Septiembre 7, 2011) "El Festival Internacional de Cine Documental en Paraguay, más conocido como FESTIDOC Paraguay es el acontecimiento inaugural y central de cine documental que se realiza cada dos años en Paraguay desde el 2005, presentado por el Festival Internacional de Cine del Paraguay.

Desde la primera experiencia, cuando el género era un gran desconocido en Paraguay y virtualmente no se realizaban documentales en el país, han pasado alrededor de 15.000 espectadores por las funciones gratuitas de 120 películas de 24 países en pantallas varias de centros culturales de Asunción. Además ha ido creciendo notoriamente la cantidad y calidad de documentales realizados por paraguayos."

Página del Festival: Festidoc

TRINH T. MINH-HA

2011-08-28T21:54:00.001-05:00

Entrevista:
A propósito de la retrospectiva para la Gira Ambulante en México.

COPTOS

2011-08-28T13:23:00.001-05:00

Coptos
Dir. Alvaro Sau (España)

(16 min.)