BARBARA KOPPLE

Barbara Kopple, la dos veces ganadora del premio Oscar de la Academia por películas documentales, nació en Nueva York el 30 de julio de 1946.

Creció en Scarsdale. Su padre fue un ejecutivo textilero. Su tío, Murray Burnett, fue un inédito ramaturgo que escribió el no-publicado libro "Everybody Comes to Rick", que fue la base para la película clásica Casablanca protagonizada por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman.

Kopple estudió sicología en la Universidad del Northeastern, después de haber trabajado con los hermanos Maysles, realizadores documentales.

Barbara produjo y dirigió Harlan County USA en 1976, y American Dream en 1991, ambos ganadores del Premio Oscar de la Academia por Mejor Documental. En 1991, Harlan County USA fue nombrado en el National Film Registry (Registro Fílmico Nacional) por la Librería del Congreso y designado una Película Clásica Americana. Harlan County USA fue recientemente restaurada y preservada por la Fundación de la preservación de Mujeres y Archivo Fílmico de la Academia, y apareció como parte de la Colección Sundance en el Sundance Film Festival in 2005. La Colección Collection lanzó un DVD de Harlan County USA en 2006, en el aniversario 30 de su lanzamiento original.

Barbara produjo y dirigió Shut Up y Sing, (2006) el cual cuenta la historia de las Dixie Chicks y su respuesta personal y creativa a las consecuencias políticas que realizaron después de hacer comentarios ccríticos al Presidente George W. Bush sobre los eventos de la Guerra en Irak; A Conversation with Gregory Peck, una película biográfica de la carrera y vida familiar del actor; The Hamptons, una mini serie de cuatro horas en 2002 para ABC; My Generation (2006), la cual examina el legado de Woodstock y la Generación X; y Fallen Champ: The Untold Story of Mike Tyson (1993), por el cual fue nominada para un Emmy en la categoría de Outstanding Individual Achievement in Directing (Logro individual excepcional en Dirección).

Dirigió la película de no-ficción Wild Man Blues (1998), sobre el tour europeo de Woody Allen y su New Orleans-style jazz band, por la cual ganó el National Board of Review Award por Mejor Documental.

Barbara también produjo el documental de HBO "American Standoff" (2002), cuya crónica del golpe de 18 meses strike del Teamsters Union contra Overnite Transportation, y el documental del A&E "Bearing Witness" (2005) sobre mujeres corresponsales de guerra trabajando en Irak. Barbara fue miembro del Winter Soldier Collective, el cual creó la película "Winter Soldier" (1972).

Otras películas de Kopple incluyen "No Nukes", un "rockumental" de 1980 filmado durante cinco días de concierto en el Madison Square Garden y distribuído por Warner Brothers; Defending Our Daughters, una investigación de 1998 sobre los Derechos Humanos de las mujeres en Bosnia, Paquistan y Egipto y ganador del Premio Voices of Courage (Voces de Coraje); With Liberty and Justice For All?, un corto documental hecho para la Alliance for Justice (Alianza por la Justicia), el cual explora las leyes de inmigración. Barbara también dirigió una serie de especiales para Disney Channel, incluyendo Friends for Life: Living with AIDS, en 1998, el primer espectáculo sobre SIDA en the first show about AIDS al aire. En años recientes, ha co-creado, producido y dirigido I Married…, una serie para VH1 sobre esposas y familias de las estrellas del rock.

Kopple ha dirigido episodios para la serie dramática Homicide: Life on the Street, por el cual ganó un Directors Guild of America Award, y Oz.

En 2009, Kopple lanzó Woodstock: Now and Then, el cual examina la historia del festival de música después de 40 años. Esta película salió al aire en VH1 y en History Channel en agosto de 2009 en conmemoración a su aniversario. Barbara está en producción de un documental sobre la leyenda y dueño del equipo de los Yankees, George Steinbrenner, el cual es parte de la serie 30 para 30 de ESPN, también como un largometraje documental para HBO explorando el significado de las armas en Estados Unidos.

Otros trabajos recientes incluyen The DC Sniper's Wife, una mirada a la vida de Mildred Muhammad, ex-esposa del espía del DC, John Allen Muhammad; High School Musical: The Music In You, que sigue a estudiantes en Fort Worth, Texas trabajando una adaptación de "High School Musical"; Steamfitters Local Union 638, parte de una serie sobre la adición estrenado en marzo de 2007 en HBO. este programa ganó el Premio del gobernador de la Television Academy of Arts and Sciences.

Barbara Kopple se aproxima a una edad cuando la mayoría de las personas empiezan a ir más despacio, pero, menos mal, ella no lo hace. esta realizadora varias veces aclamada continúa siendo inspiranda por lo que nos rodea, a través de su cámara, y continúa dándonos una perspectiva única del mundo. - William Joseph Reynolds, Scarsdale. -

SEQUESTRO

Dir. Jorge W. Atalla

(94 min.)

Brasil. - (Secuestro - Kidnapping) Atalla pasó cuatro años filmando víctimas, familiares de las víctimas y los oficiales de la División Anti-Secuestro (DAS) en Sao Paulo, una división especial Anti-Secuestro formada en 2001 cuando la epidemia de secuestros se encontraba imparable. Víctimas e seis a ocho años, y todo nivel social, comparten sus angustiosas historias.

Cuatro años de negociaciones con el gobierno y la policía le dieron al equipo de Attala acceso al DAS. El equipo pasó tiempo con los familiares a través del periodo de extorsión, negociación con los secuestradores. Los oficiales del DAS dirigen como soportar las amenazas telefónicas cada vez más violentas y desgastantes para los nervios.

La película también detalla la estresante vida de los jóvenes oficiales del DAS y sus familias, quienes sufren a través del secuetro junto con las familias. Felizmente, se es testigo de numerosos rescates y testigos de trágicos descubrimientos de cuerpos recuperados durante negociaciones fallidas.

Atalla traza la técnica del secuestro desde sus inicios "pan- Latinoamericanos" así como los actos izquieristas de terrorismo político. Atalla entrevistó a miembros del grupo Movimiento de Izquierda Revolucionaria de Chile (MIR) quienes participaron en la tentativa de secuestro del magnate brasilero Abilio Diniz (rescatado después de seis días.)

Entrevistar a los revolucionarios idealistas, quienes fueron a prisión por crímenes políticos, revelan una historia irónica. El departamento de justicia espera romper la moral de los activistas por encarcelamiento en prisiones sobrepobladas. Los realizadores afirman que sus planes fracasaron. La población penitenciaria aprenden técnicas de sus compañeros de celda, creando una ola de delitos extorsivos por secuestro a través de Brasil

En las entrevistas filmadas el secuestrados de Diniz, Raimundo Roselio (aún en la cárcel de Ceará), los líderes Humberto Paz yHoracio Paz (ambos liberados después de veinte años) reclaman nunca haber enseñado a algún criminal operaciones de secuestro. Los revolucionarios aprendieron experiencias de víctimas de secuetro en sus propias cárceles. Horacio, en sus veinte en la época de los secuestros explica: "Me gustaría no haber hecho eso nunca. Uno crece, pero acerca de los ideales por los cuales torturamos y encarcelamos, debo luchar contra eso cada vez."

Attala concibe su documental como un triller, estructuraso alrededor del secuestro de Joseph Ibiapina de Souza. Una edición rápida de parte de Atalla, Marcelo Bala y Marcelo Moraes mentienen la tensión alta.

Seguimos el secuestro de Souza desde el primer día hasta su rescate 33 días después. Una voz falsa de mujer en cobro revertido llama amenazando con matar Jose Ibiapina de 68 años. Su hijo Alejandro, el primer negociador, suda rodeado de su famillia y del entrenador del DAS a cargo. Es una guerra cruel de nervios. Dr. Raul, el oficial a cargo del caso explica "Yo era inspector en jefe cuando mi hermano fue secuestrado. Se volverá peor. Ellos quieren desestabilizarte"

Hace dos años El Sr. Dirceo fu secuestrado de su oficina. Mientras sus hijos se preocupan sobre si él sobreviviría sin medicamentos, la unidad continúa su investigación. Rastreando una serie de llamadas, los oficiales unen al captor Berto a la organización del secuestro en la prisión Valpairiso.

Presenciamos cuando atrapan a Busto, su novia y otros miembros de la familia quienes hicieron el trabajo sucio del secuestro. El oficial del caso y Berto negocian con el líder en prisión. "Nosotros somos profesionales también. Vamos a hablar de hombre a hombre" dice el asesino, irónicamente preocupado por la liberación de su familia. Dirceo, quien sobrevivió 41 días sin medicamentos, es llevado a una farmacia de barrio. Cuando las víctimas incrédulas se recuperan, algunos sin habla se tiran a la seguridad a salvo, la audiencia está llorando para liberar la tensión.

376 personas fueron secuestradas en el estado de Sao Paulo únicamente, durante la filmación de "Sequestro". - Robin Menken, Cinema without borders. -

Tráiler:

UN LUGAR EN EL CINE

Dir. Alberto Morais

(105 min.)

España. - No estamos ante una película cualquiera, y no sólo porque se trate de un documental con entrevistas e imágenes de archivo, sino por su carácter de estudio y reflexión acerca de la propia naturaleza del cine y de su dimensión social. Por lo tanto, “Un lugar en el cine” precisará de un espectador concreto, interesado en esos aspectos y en escuchar a algunos de los hombres más prestigiosos y cualificados del arte cinematográfico, que lo entienden –como el director, Alberto Morais– como un acto de resistencia, como una manera de plantarle cara y enfrentarse a la realidad. Tal contenido y forma echarán para atrás a quien sólo pretenda entretenerse en la sala de cine, pero no a quien quiera aprender a ver cine de verdad, a descubrir cómo las imágenes de los cineastas auténticos deben nutrirse de la vida y responder a experiencias personales, emocionales y creativas.

En “Un lugar en el cine”, Alberto Morais rinde homenaje a tres cineastas y poetas que se han acercado a la realidad con respeto y espíritu de diálogo. Son Theo Angelopoulos, Víctor Erice y Pier Paolo Pasolini –éste a través de testimonios de quienes le conocieron: Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini–. Sus palabras sobre lo que debe ser el cine que conecta con la realidad, a partir de la experiencia del neorrealismo italiano y de “Roma, città aperta”, se convierten en requisito para que las imágenes puedan ser consideradas como realmente auténticas. Los tres cineastas también demuestran tener en común la necesidad de que haya una mirada ética al universo del hombre, única manera para sintonizar con el espectador y ayudarle a descubrirse en un mundo cambiante.

Tanto Erice como Angelopoulos adoptan una postura distante respecto a la industria y la taquilla, cuestionan un cine que explota lo más superficial del individuo y que adopta las formas del audiovisual, y lamentan también la pérdida de un sentido de la interioridad así como la falta de una mirada contemplativa y poética. Independientes y libres en sus trabajos, sinceros y respetuosos en sus propuestas, nostálgicos y pesimistas respecto al futuro del cine, llegan a hablar de la muerte del cine, de su sustitución por sucedáneos de consumo y distracción. Por eso, Erice diferencia entre “cine” y “productos de entretenimiento o de publicidad”, y defiende la esencia del cine como una experiencia interior de quien traslada vivencias personales a la pantalla y de quien entra en una sala de cine en busca de ellas. De ese encuentro entre director y espectador surgirá, según él, una identificación, una participación emocional de sentimientos y de inteligencia,… algo que se repetirá de manera distinta cada vez que vea esa misma película. Por su parte, el director griego habla de dos tipos de miradas del director hacia el espectador: la de quien trata al espectador como cómplice buscando en el fondo sólo la taquilla, y la de quien pone al espectador frente a la realidad y aspira a trasmitirle la belleza que contempla.

Si las ideas contenidas en el documental son interesantísimas y de gran hondura, no desmerece nada la manera de trasmitirlas del joven Morais. Se adivina su sensibilidad y su admiración por los cineastas, su identificación con las tesis expuestas, y también el respeto y devoción que impregnan unas imágenes tratadas con primor, con encadenamientos y ritmos en los que parece congelar el tiempo para trasmitir sus propias experiencias y emociones, dejando un espacio para la contemplación y la reflexión sosegada. Sin duda, Morais ha hecho suyo ese espíritu de resistencia del neorrealismo, esa defensa firme del carácter del cine auténtico y su diálogo con la realidad y el espectador. Demuestra una madurez estilística y conceptual sorprendentes, una mirada profundamente humana y personal, y logra un trabajo que colmará las expectativas de los cinéfilos más exigentes e introducirá a los neófitos en aspectos del cine que nunca se habrán planteado. - Julio Rodríguez Chico, Tupeli. -

Ver documental:

PEQUEÑAS VOCES

Dir. Jairo Carrillo

(75 min.)

Colombia. - La cinta hace referencia a la vida de varios niños desplazados por la violencia en Colombia. Con este punto de partida se tomaron las historias para posteriormente ser digitalizadas utilizando un verdadera tecnología de punta tanto en 3D como 2D creando, adicionalmente, una música especialmente diseñada para el film.

En este largometraje tomaron las entrevistas y talleres de dibujos con 4 niños entre los 8 y los 13 años de edad que a través de las imágenes reflejan las crudas realidades y van narrando sus conmovedoras experiencias.

Esta es la intención de los realizadores, hacer que los colombianos no se olviden de aquellas personas que pasan por esta situación y que ahora deambulan como desplazados por las calles de las grandes ciudades, hacen parte de las noticias diarias y polulan en los semáforos sin que el común de la gente se detenga a pensar en esta problemática que se ha vuelto parte de la cotidianidad. - Sandra M. Ríos, Pysnnoticias. -

Página del documental animado: Pequeñas voces

Tráiler:

WHO KILLED NANCY

Dir. Alan G. Parker

(93 min.)

U.K. - (¿Quién mató a Nancy?) Se reabre el oscuro caso que terminó con la pareja de Sid Vicious y Nancy Spungen. Según el filme, el fallecido bajista de los Sex Pistols pudo haber sido un desastre, pero no el asesino de su novia. Ésta es tanto una crónica punk como un atrayente documental de conspiranoia.

“I didn’t do it! I didn’t kill her! I didn’t kill Nancy!“, repitió varias veces el malogrado Sid Vicious justo después de haber sido acusado del asesinato de su novia, la icónica yonki-groupie-prosti Nancy Spungen. La chica había sido apuñalada el 12 de octubre de 1978 en la habitación 100 del hotel Chelsea, en Nueva York, en una habitación que compartía con el bajista de los Sex Pistols y la visita de incontables dealers de droga. ¿Qué sucedió esa noche? La versión oficial la sabemos todos: Sid apuñaló a Nancy y luego se desmayó. Unas semanas después, moría de sobredosis, enterrando con él la verdad.

El director Alan G. Parker reabre el caso y sostiene que Vicious puede haber sido muchas cosas, pero no un asesino, y mucho menos de su adorada Nancy. Su adictiva crónica punk se basa en informes oficiales, las infinitas contradicciones y negligencias de la investigación y, sobre todo, valiosos testimonios de los cercanos a la pareja (incluyendo al ex Sex Pistols Glen Matlock, y al realizador Don Letts). Para no estropear el misterio, no les vamos a contar la conclusión, pero aquí va una pista: nadie sabe qué pasó con los 20 mil dólares que Sid había cobrado por la grabación de “My way” y que estaban a la vista de todos en la habitación 100 durante esa tarde fatídica. Natalia, Inedit. -

Página del documental: Who killed Nancy

Ver documental (sin subtítulos) - Parte UNO:
Las siguientes en youtube

Productores: Ben Timlett, Christine Alderson; Cámara: Nick Ray Rutter; Productora: Bill & Ben, Moxie Makers, Double D Productions; Distribuidora: Moviehouse Entertainment Limited.

Descargar (sin subtítulos):

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BUS 174

Dir. Jose Padilha

(133 min.)

Brasil. - (Onibus 174) Bus 174 es una fascinante cinta que recoge la historia real del secuestro de pasajeros en un autobús, y trata de desenredar las razones del incidente, que se produjo en un barrio elegante de Río de Janeiro, en junio de 2000.

"Mi primer objetivo fue mostrar que este secuestrador no era un loco y que tenía una razón para estar allí, y que de algún modo éramos responsables porque el Estado no ha podido con el problema de los chicos de la calle", dijo Padilha.

El documental, de 2 horas de duración, mezcla escenas reales tomadas durante las 4 horas que duró el secuestro, con escenas recreadas de la niñez del solitario secuestrador, Sandro de Nascimento.

Con destreza, Bus 174 aborda los problemas socioeconómicos de Brasil, como la pobreza, la niñez en las calles y las condiciones en prisiones y fábricas.

"El filme explica la violencia en las ciudades del tercer mundo", declara el director, de 35 años. De acuerdo con el cineasta brasileño, la película fue usada como evidencia en el juicio contra policías involucrados en el secuestro del autobús. - La jornada. -

Parte UNO de doce:

Parte DOS; parte TRES; parte CUATRO; parte CINCO; parte SEIS; parte SIETE; parte OCHO; parte NUEVE; parte DIEZ; parte ONCE; parte DOCE

Megavideo:

HUGH HEFNER: PLAYBOY, ACTIVIST AND REBEL

Dir. Brigitte Berman (Canadá)

(124 min.)

E.U. - (Hugh Hefner: playboy, activista y rebelde) El documental muestra la defensa por los Derechos Humanos de Hefner y su papel en el proceso por la libertad de prensa a través del imperio de la Revista Playboy. También explora algunas de las contradicciones entre la carrera de Hugh como "pornógrafo" -otro punto de discusión en la película, el arte de la revista Playboy - y su apoyo a una serie de planteamientos feministas. Se muestra como una pieza biográfica, histórica, social y política interesante que cuenta con una lista impresionante de personajes con alto perfil: George Lucas, Gene Simmons, Jim Brown, Bill Maher, James Caan, Mike Wallace y Jesse Jackson entre otros. Jay C., documentaryblog. -

Página del documental: Hugh Hefner

Tráiler:

MAMACHAS DEL RING

Dir. Betty M. Park (E.U.)

(75 min.)

Bolivia. - Documental que trata sobre un grupo de luchadoras bolivianas que deciden tomar las riendas de su trabajo y fama.

Christian Del Moral: ¿Puedes hablar sobre el ensayo fotográfico que te inspiró la realización de Mamachas del Ring?

Betty M. Park: Estaba viajando como turista entre Perú y Bolivia, y mientras esperaba en el aeropuerto para regresar a Nueva York, observé esta revista medio cool e interesante llamada

Etiqueta Negra. Comencé a hojearla y de repente me encontré con unas imágenes fascinantes de unas cholitas luchando con su vestimenta tradicional. Me había acostumbrado a verlas caminando por las calles de Bolivia, pero verlas volando en medio del cuadrilátero, fue de verdad increíble. Desde ese momento, mi imaginación fue conquistada por completo. La idea de hacer el documental fue casi inmediata. Por cierto, el fotógrafo que tomó las imágenes, Noah Friedman-Rudovsky, es un estadounidense que vive en Bolivia,y quien solía vivir en el mismo barrio de Brooklyn donde ahora resido. Noah jugó un importante papel en ayudarme a establecer contacto con las luchadoras.

CD: ¿Fue difícil que las Mamachas se unieran al proyecto?

BP: De hecho, las Mamachas desde el principio fueron muy receptivas para ser filmadas. Dado que son artistas en el fondo, creo que en general disfrutan de la atención de los medios de comunicación. La parte más difícil, como en cualquier relación, fue conocerlas a un nivel más allá de su persona pública y establecer esa confianza personal en donde se sintieran lo suficientemente cómodas para dejarme entrar a sus vidas privadas.

CD: La parte animada del filme es bastante novedosa, ¿qué te motivó a entrar en ese formato?

BP: Siempre estoy buscando la forma de ser creativa con mi narrativa, y desde hace tiempo la animación ha sido algo que me ha interesado. Para este documental, la inspiración del estilo y la idea surgieron de estas muñecas cholitas hechas a mano que me había encontrado durante mi viaje a Bolivia. Eran tan lindas y representaban ese encanto de la vestimenta cholita (pollera, manta y el sombrero) que deseaba incorporarlas de alguna manera. Sin embargo, al final trabajamos con la técnica de animación con plastilina porque las muñecas no eran lo suficientemente flexibles para ser manipuladas, pero el concepto nació a partir de las muñecas.

CD: ¿Qué preparativos llevaste a cabo antes de comenzar a filmar y si aprendiste español?

BP: Fueron entre cinco meses, contando desde la primera vez que viajé a Bolivia y supe de las luchadoras hasta cuando regresé para filmar. Durante este tiempo traté de aprender lo más que pude de español, cada semana hablaba por teléfono con ellas y trabajé en la reunión de los fondos económicos para este proyecto.

CD: ¿Hubo desafíos qué no habías anticipado?

BP: Creo que había nuevos retos todos los días, pero el mayor llegó a cuatro días de partir a Bolivia. Un amigo de otro amigo acordó filmar el documental, ¡pero abandonó el proyecto cuando supuestamente nos iríamos! Me fui a Bolivia con la idea de que si no encontraba allá a un DP (director de fotografía), lo haría yo misma. Afortunadamente me encontré con Alex, quien puso mucho de su parte en el film. ¡No me imagino haberlo hecho sin él!

CD: ¿Cómo conseguiste las canciones de Juana Molina para este filme?

BP: Me encanta la música de Juana Molina y durante el proceso de edición descubrí que su sonido quedaba bastante bien en los momento más íntimos de Carmen. Contacté a su casa disquera, Domino Records, quienes tuvieron la amabilidad de conceder el permiso para usar la música de Juana para este documental.

CD: ¿Cómo mujer, qué tenías en común con ellas?

BP: Creo que la historia de Carmen Rosa es la de muchas mujeres (incluyendo a mí) en varias partes, quienes tienen cierta pasión por su trabajo o arte y están constantemente forzadas a balancear eso con sus relaciones y obligaciones de su vida diaria. En muchas ocasiones, esta presión es única por ser mujer, ya que las expectativas para los hombres son diferentes, según la sociedad moderna en que uno viva. Y a un nivel más personal, me identifico con su lucha viviendo en una sociedad particularmente machista, porque tuve que enfrentarme a eso cuando estaba creciendo en un hogar coreano-americano. Mis padres llegaron de Corea, y mantuvieron muchos de los valores tradicionales que dominaron aquella sociedad. Siempre he luchado por hacer lo que he querido, en especial cuando eso no encaja dentro de lo que se considera aceptable para las mujeres. - Cinelatinony. -

Página del documental: Mamachas del ring

Trailer:

DOCUWEEKS 2010

E.U. - (Nueva Yrok) Una conmovedora historia de uno de los más inspiradores capítulos del movimiento de los Derechos Civiles, una mirada "detrás de escena" al conflicto de 1.400 años entre el Islam y el Cristianismo, una investigación del inexplicable fenómeno del Desorden "Colony Collapse", y una mezcla de "Glee" con "High School Musical" son parte de las presentaciones de los veintidós películas en la 14 Muestra anual teatral del IDA. Las películas se presentarán en las ciudades de Los Angeles y New York City entre July 30 y Agosto 19.

Página de la muestra: Docuweeks

POETAS, MÚSICOS Y LOCOS

Producido en el reto DOCSDF (México) - realizado en 100 horas:

ANTROPOLOGÍA VISUAL

Por: Florence Couillaud

Responde: Elisenda Ardèvol Piera

¿Qué es la antropología visual y cuándo aparece?

Es la aplicación de las técnicas audiovisuales al conocimiento antropológico, para documentar, difundir y estudiar las culturas humanas.Es una reivindicación desde sus mismos orígenes, porque desde el principio las técnicas visuales se han utilizado para documentar. En los años treinta o cuarenta se empezó a utilizar de forma sistemática por Margaret Mead y Gregory Bateson, que llevaron la fotografía y el cine a sus trabajos de campo. Pensaban que lo visual les podía proporcionar datos importantes, que la cámara podía tener un peso teórico en su elaboración de conocimiento antropológico. A partir de los cincuenta, tanto en la antropología como en la psicología, florece el estudio del comportamiento no verbal y con ello la necesidad de ayudarse con la cámara fotográfica y de video. Pero, la antropología general mantenía al margen las técnicas audiovisuales, se seguía pensando en las técnicas tradicionales como la escritura, y la imagen quedaba relegada a un instrumento auxiliar.

¿Cómo se maneja el tema de la subjetividad en la elaboración del trabajo de campo?

Sigo a Gregory Bateson, hay que tener una subjetividad controlada. Es decir, no podemos comprender otra cultura sin implicar nuestras subjetividades en ella. Nuestra subjetividad se contrapone con otras subjetividades. La subjetividad es fundamental para la antropología. No la podemos rechazar, pero si la debemos controlar, reconocer, aceptar y trabajar a partir de ella.

¿Cuál es la importancia de estudiar la relación entre la cámara y el sujeto de estudio?

Es fundamental. Muchas veces se rechaza la cámara porque incomoda o altera el comportamiento, pero lo que decimos nosotros (los antropólogos) es que lo altera de forma cultural. Entonces se estudia cómo se altera el comportamiento y qué dice la comunidad sobre ello. Tengo un ejemplo que me quedó grabado de un trabajo de campo. Estaba en la iglesia hebreo-pentecostal de una comunidad afroamericana de Los Ángeles, un sábado de celebración, donde luego de las enseñanzas bíblicas y la comida se toca música jazz y blues. Estaba con Simon Schorno y teníamos nuestras cámaras encendidas, cuando de repente el pastor le dice a los músicos que paren de tocar y me dice a mi: “Eli, para la cámara”. Paré la cámara, se volvió a dirigir a los músicos y les dijo: ¿Queréis hacer el favor de tocar para Dios y no para la cámara? Y luego me dijo que podía continuar. Yo no había percibido ninguna diferencia, pero el pastor lo notó. Estos detalles son importantes porque indican la manera en que la cámara se integra al campo y el significado que ellos le dan. - Tukuymigra. -

KOYAANISQATSI

Dir. Godfrey Reggio

(87 min.)

E.U.- El nombre de la película significa "Vida fuera de equilibrio" en el dialecto de los Hopi (antigua tribu americana que habitaba en la Meseta central de EEUU). Documental montado sobre un flashback general que pretende abarcar la historia del hombre en su totalidad como la progresiva dominación de la tecnología de todos los aspectos de la vida humana, nacida, sin embargo, de la propia naturaleza. El flashback tiene un claro sentido mitológico y escatológico, por cuanto introduce el aspecto de la destrucción como elemento vertebrador de toda la historia. Uno de los grandes avances del hombre tecnológico: la nave espacial que es lanzada desde la tierra a explorar el universo es destruida. La destrucción forma parte de la propia esencia técnica del hombre, y por tanto, en el pecado tiene, por así decir, su penitencia. El hombre sufre constantemente el castigo divino por el pecado de hybris e insolencia con los dioses. La película articula ese mensaje general sobre la base de una construcción de secuencias en las que se insiste constantemente en la idea de que “así no se puede vivir”. Esta idea que enfoca la tecnología desde un lado, diríamos, pesimista, en el estilo ya inaugurado por Don Quijote o Rousseau, parte del principio de que este modo de vida es insostenible. La voz “Koyaanisqatsi” va a significar precisamente eso: vida en tumulto, modo de vida que clama por un cambio, etc. Sin embargo, cabría plantearse en qué sentido pueden vivir seis mil millones de hombres y mujeres si no fuera por este modo particular de organización tecnológica de la vida. Cabría preguntarse si es el modo tecnológico de producción y de vida, de distribución de la riqueza y del trabajo, el que determina la maldad intrínseca y la crisis que vivimos en la actualidad. Seguramente, si recordamos las tesis ya mantenidas por los marxistas soviéticos en 1931 y seguidas después por Bernal, y otros marxistas occidentales, el argumento cambiaría significativamente. Una denuncia pura y simple de la tecnología oculta los procesos sociales y políticos conforme a los cuales ella toma lugar. Y aunque en su origen haya que buscar la revolución industrial y el desarrollo del sistema burgués, es evidente que el modelo tecnológico no es malo en sí, si tenemos en cuenta que somos seis mil millones de personas. Esta es la cuestión. De modo que habría que señalar que no es la tecnología como tal, sino su modo de distribución y la forma que tienen los hombres de participar en su propiedad aquello que hace en realidad que ese mundo tecnológico sea realmente nefasto y justificar así la voz “koyaanisqatsi”. No cabe duda de que cualquier tipo de sociedad igualitaria, ecologista, y respetuosa con todos los valores que propone la película deberá ser socialista o no será, si quiere dar cuenta de la vida de los seis mil millones de personas. Es un grito parecido al que Rousseau, a las puertas de la revolución industrial, emitió en Dijon. El pesimismo ideológico ante una realidad que no entiende. Pero concebir el mundo como el fruto de un proceso impersonal en el que las relaciones sociales son consecuencia de la técnica y no al revés, es no solamente equivocar el enfoque, sino partir además del supuesto de que es irreversible. Y aunque aceptemos la irreversibilidad del proceso de desarrollo de la industria y de los sistemas tecnológicos, eso no significa que podamos suponer que no existe para los hombres una alternativa social que nos permita convivir con las máquinas, y no solamente sufrirlas.

Claramente, el documental plantea la ciudad moderna como un sistema tecnológico del que los hombres son simplemente apéndices, que acuden a sus terminales para comer, divertirse, dormir, entretenerse, aprender, sufrir, curarse, morir, moverse, etc. Cada acto de participación en el sistema tecnológico, supone una claudicación, un refuerzo del sistema y un sometimiento del hombre, pero también, un aumento objetivo del entramado técnico. Ya no se trata solamente del obrero, como afirmaba Marx, no es el obrero el que es un apéndice de la máquina, sino que todo hombre, por serlo, o es un apéndice de las máquinas, o simplemente, no es hombre. Si incluimos aquí entre las máquinas, al sistema judicial, también los animales que el proyecto simio quiere incorporar a los derechos y deberes en mundo podrán tener su papel productivo particular. - Enebro. -

Página de la trilogía Qatsi: Koyaanisqatsi

Ver documental:

POWAQQATSI

Dir. Godfrey Reggio

(99 min.)

E.U. - (En idioma hopi: "Vida en transformación") Sin guión, la película comunica directamente a través de sus imágenes, desarrollando su propio ritmo, mostrando escenas de manipulación y destrucción humanas. Consta de cinco capítulos que narran la historia y la cultura del hombre desde los rituales más antiguos hasta la febril vida de las modernas ciudades. El pasado, el presente y el futuro son un mismo momento. Un día en la vida del mundo. El primer capítulo es la fuerza, el elemento básico de la existencia. El segundo es la gente, la sociedad, sus inicios y sus desviaciones hasta su caricatura. El tercero es el sueño, el retrato de las maravillas del desarrollo tecnológico de la sociedad moderna. El cuarto capítulo son los que se quedan atrás sacrificados en el altar del progreso. Y el último capítulo es un mágico itinerario por los rituales religiosos. La palabra del lenguaje indio hopi ”ko yaa nis qatsi” significa ”un medio de vida desequilibrado”. ”Qatsi es vida”. Aquí, ”Powaqqatsi” es una concentración de las palabras ”powaga”, que significa ”mago que vive a expensas de los demás”, y ”qatsi, vida”. Imágenes del tercer mundo, impresiones de las culturas nativas de Asia, India, África y Sudamérica, retratos y detalles de tradiciones amenazadas, un enfrentamiento con los logros culturales y restos de tribus y razas. ”Powaqqatsi” es un documento de creatividad y fantasías humanas, pero, al mismo tiempo, una muestra filmada de los peligros que amenazan a estos mundos, algunos de los cuales aún permanecen intactos.

Página de la trilogía Qatsi: Powaqqatsi

Ver documental:

OCCUPATION 101

Dir. Sufyan Omeish / Abdallah Omeish

(90 min.)

Palestina - Israel. - (Ocupación 101) Documental que presenta un análisis sistemático de los hechos y de las verdades escondidas que roden el conflicto Israelo-Palestino, y devela muchos de los mitos y concepciones erróneas aumidos por largo tiempo.

La película también detalla la vida bajo el régimen militar israelí, el papel de EEUU en el conflicto y los principales obstáculos que impiden una paz duradera y viable.

Página del documental: Occupation 101

Ver documental (en ingles - sin subtítulos):

AGHET

Dir. Eric Friedler

(90 min.)

Turquía. - Documental sobre el genocidio armenio en 1915, el cual el gobierno turco niega hasta el día de hoy. La documentación está basada en reportes de, entre otros, el Ministerio de relaciones Exteriores en Berlin, el Archivo Nacional Americano, la Librería del Congreso y archivos en Francia, Dinamarca, Suecia, Armenia, Rusia y Turquía. Estos documentos, escondidos por mucho tiempo, a fin de no perudicar a Turquía, no deja duda acerca de la realidad del genocidio armenio.

Página del documental: Aghet

Parte UNO de diez:

Parte DOS; parte TRES; parte CUATRO; parte CINCO; parte SEIS; parte SIETE; parte OCHO; parte NUEVE; parte DIEZ

REPATRIATON

Dir. Kim Dong-won (김동원)

(148 min.)

Korea del sur. - (송환) En la primavera de 1992 el documentalista Dong-won KIM conoció a CHO Chang-son y KIM Seok-hyoung, dos norcoreanos arrestados por autoridades en Corea del Sur años antes. Convictos por espiar para el Norte, ellos fueron encarcelados y pasaron treinta años como prisioneros políticos. estos hombres, y muchos otros como ellos, se sometieron a escenas de conversión en la cárcel que envolvieron tortura: aquellos que renunciaron a sus creencias comunistas fueron liberados de prisión. Los otros, conocidos como "los inconvertibles", sirvieron sus condenas completas. Ninguno pudo volver a su casa en el Norte, sin embargo, hasta inicios de este siglo, cuando las tensiones entre el Norte y el Sur cedieron significativamente. El director Dong-won KIM siguió a estos hombres por diez años, documentando cómo sobrevivían - tanto física como sicológicamente, el tiempo deshumanizante pasado en prisión, y sus búsquedas, una vez liberados, hasta ir a casa finalmente. - Asiatorrent. -

Página del documental: Songhwan

Fragmento:

Producido por: PURN Productions; Fotografía: Kim Dong-won, Kim Tae-il, Jung Chang-young, Jang Young-il, Byun Young-ju, Moon Jung-hyun, y Kong Eun-ju; Edición: Kim Dong-won; Ventas Internacionales: Indiestory.

OUR SCHOOL

Dir. Kim Myung Joon

(131 min.)

Japón - Corea del Sur. - (우리 학교 (Woo-ri Hak-kyo)) Sobre la vida de la tercera generación de koreanos en Japón y la lucha de los estudiantes de colegio para crecer en medio de una identidad cultural en tierra extranjera.

Centrado en un colegio K-12 para estudiantes koreanos en Hokkaido, Japón, la película contiene algunos giros dramáticos y la mayor parte se observa a los estudiantes del colegio interactuando con otros y expresando sus pensamientos. Aunque la película fue un gran suceso popular, atrayendo más de 70,000 espectadores por cuatro meses, en parte por la promoción de presentaciones en ciudades de provincia en todo Corea. Al mismo tiempo ha sido el documental koreano más exitoso de todos los tiempos.

Qué hizo esta película tan popular? Los surcoreanos obviamente se ven distintos a las personas de otras nacionalidades, lo que los mantiene en contacto con su identidad coreana. Viviendo en un país donde la discriminación contra los coreanos existe tanto personal como a un nivel institucional, la película muestra como la cultura y el lenguaje coreano sirve para crear una única, cerrada comunidad para estos chicos dramáticamente idealistas. Como un estudiante dice: "es una manera diferente de mantener tu identidad nacional en Corea del Sur, tu hogar, comparado con Japón. En Corea del Sur, puedes mantenerlo pasivamente, tu no necesitas exhibirte, pero para los koreanos residentes en Japón, si tu no lo demuestras, se desvanece."

There is also the issue of language. Non-Koreans watching this film will in one sense be experiencing it in black-and-white, in not being able to hear the distinctive Korean dialect that is a product of the students' upbringing. In this and other respects, I imagine that Korean viewers find in this film a fascinating mixture of the familiar and the unfamiliar.

Director Kim Myung-jun narrates Our School with simple, straightforward observations, and as viewers we can sense the personal warmth he feels for the students. However he is somewhat coy, at least initially, in presenting the political dimensions to his story. Only after a thorough introduction to the school, the teachers, the students, and various school programs does he mention that the school was founded with support from North Korea. Most of the students also seem to feel a stronger bond with the North than the South, though they are in no way hostile to the latter. Later on, the oldest students in the school take a trip to the North, which they find tremendously inspiring, even as it further alienates them in Japan, where anti-North Korean feeling is rising.

Perhaps the most surpising aspect of this documentary is the sincerity, values and passion that you find in the words of these teenagers. They represent perhaps a unusual case of being schooled in socialist ideals while growing up within a capitalist system. The contrast with teenagers from contemporary South Korea could not be more striking.

Yet in many ways the students' lifestyle is in danger of disappearing. The school faces declining enrollment, both due to the shrinking population of Hokkaido and to the fact that many parents are nervous about depriving their children of an education in Japanese schools. Institutional discrimination doesn't help: the government has designated it a vocational school, making it more difficult for the students to attend university. Parents had to fight even to get the street in front of the building declared a school zone.

In some ways director Kim avoids asking the hard questions in this documentary. Issued related to North Korea, for example, or the even more blasphemous question: would it really matter if these students were to lose their Korean identity, and fully assimilate into Japanese society? Though I suppose to a certain extent these questions can be found within the documentary itself, in the students' passion and the conviction of their beliefs.

For me personally, Our School was intriguing, but not nearly as involving and thought-provoking as Kim Dong-won's Repatriation, to name another local documentary that became a theatrical hit. I also found myself being more drawn in by another recent documentary that examined the relationship between Japan and Korea: Kim Deok-cheol's People Crossing the River (despite that film's structural faults). Maybe it was Our School's fascination with Korean collective identity that left me, as a non-Korean, feeling left on the outside. Nonetheless, I learned a lot over the film's 131 minute running time, and anyone with a special interest in this area will find it a worthwhile viewing. - Darcy Paquet, Korean films. -

Página del documental: Urischool

Tráiler:

Producido por: Studio Nurinbo; Edición: Kim Myeong-jun y Park So-hyun; Distribución: Jinjin Pictures.

ELS MONSTRES DE CA MEVA

LOS MONSTRUOS DE MI CASA

España. - Se trata de un documental que muestra la realidad de los niños que sufren maltrato físico y emocional y abusos sexuales por parte de sus padres o de personas de su ámbito más próximo, realizado en Baleares por Quindrop Producciones Audiovisuales.

La protagonista de "Els monstres de ca meva" es Carme Artero, una madre que ha decidido dar a conocer la realidad de la desprotección infantil y que acoge a niños que han vivido situaciones de desprotección graves.

Desde su casa, Carme Artero está luchando para crear una fundación que defienda los derechos de la infancia.

El documental presenta testimonios y experiencias de personas que han sufrido situaciones de desprotección o que están en contacto con niños que han sido víctimas de maltratos físicos, abandono o abusos sexuales.

También realiza, según se informa en el comunicado enviado por la productora, "un análisis psicológico de una sociedad que no reconoce estos casos como propios y que se avergüenza de sí misma de tener entre sus miembros a personas capaces de agredir a un niño de forma tan grave". - Abc. -

Página del documental: Los monstruos de mi casa

DZI CROQUETTES

Dir. Raphael Alvarez / Tatiana Issa

(110 min.)

Brasil. - Con Norma Bengell, César Camargo Mariano, Pedro Cardoso, Liza Minnelli. Dzi Croquettes, un famoso grupo de danza-teatro brasilero en el corazón del movimiento cultural Tropicália en los años 1960, usaba imaginación, ironía y humor para confrontar la violenta dictadura de Brasil - y el proceso revolucionario de los derechos del movimiento de la nación homosexual y cómo cambió el lenguaje del teatro y la danza para una generación. - Moma. -

Página del documental: Dzi croquettes

Tráiler:

JEAN-MICHEL BASQUIAT: THE RADIANT CHILD

Dir. Tamra Davis

(88 min.)

E.U. -Brillante, callejero y genial el ñuyorquino Jean-Michel Basquiat fue uno de los artistas mas importantes del movimiento post-pop y su temprana desaparicion acrecento la fascinacion por el trabajo de este genial artista, clave en el arte contemporaneo… el que podemos vislumbrar en el documental The Radiant Child filmado por su amiga Tamra Davis, esposa del Beastie Boy. Mike D, quien se ocupo de la banda sonora.

Página del documental: The radiant child

Trailer:

Centered on a rare interview that director and friend Tamra Davis shot with Basquiat over twenty years ago, this definitive documentary chronicles the meteoric rise and fall of the young artist. In the crime-ridden NYC of the 1970s, he covers the city with the graffiti tag SAMO. In 1981 he puts paint on canvas for the first time, and by 1983 he is an artist with “rock star status.” He achieves critical and commercial success, though he is constantly confronted by racism from his peers. In 1985 he and Andy Warhol become close friends and painting collaborators, but they part ways and Warhol dies suddenly in 1987. Basquiat’s heroin addiction worsens, and he dies of an overdose in 1988 at the age of 27. The artist was 25 years old at the height of his career, and today his canvases sell for more than a million dollars. With compassion and psychological insight, Tamra Davis details the mysteries that surround this charismatic young man, an artist of enormous talent whose fortunes mirrored the rollercoaster quality of the downtown scene he seemed to embody.

Featuring interviews with Julian Schnabel, Larry Gagosian, Bruno Bischofberger, Tony Shafrazi, Fab 5 Freddy, Jeffrey Deitch, Glenn O'Brien, Maripol, Kai Eric, Nicholas Taylor, Fred Hoffmann, Michael Holman, Diego Cortez, Annina Nosei, Suzanne Mallouk, Rene Ricard, Kenny Scharf, among many others.

¡TISHE!

Dir. Victor Kossakovski

(80 min.)

Rusia. - El director Victor Kossakovsky, ganador del premio Joris Ivens con su filme Belovy, ha hecho un documental que él mismo describe como ‘una comedia’. La película fue filmada desde su ventana y fue inspirada tanto por la primera fotografía Vista desde la ventana en Le Gras (1826-1827) de Nicéphore Niépce (1765-1833) como por el cuento Des Vetters Eckfenster (La ventana de mi primo, 1822) de E.T.A. Hoffman (1774-1822); ésta última cuenta la historia de un hombre paralítico que sólo tiene contacto con el mundo exterior a través de su ventana. Kossakovsky hizo lo que él llama una película ‘accidental’: -“generalmente no miramos las cosas que tenemos en frente. Esta película es de cierta forma un ejemplo de lo que puede pasar frente a tus ojos si sólo miras. Esta historia realista transforma de alguna manera el realismo en surrealismo, en lo abstracto”-.

Desde la ventana de su apartamento filmó a unos cuantos metros cuadrados de una calle en San Petersburgo durante un año de obras incesantes como preparación para la celebración del tricentenario de la ciudad. Una y otra vez la calle se rompe y se vuelve a pavimentar. El filme lo muestra siempre desde el mismo punto de vista pero con lentes distintos, en horarios diferentes y utilizando una variedad de estilos -realista, surrealista y abstracto-. El título, la palabra “tishe” en ruso, es la única palabra que se oye en toda la película. Significa esconderse, mantener silencio y ser modesto.

UN LUGAR LLAMADO LOS PEREYRA

Dir. Andrés Livov-Macklin

Argentina. - En una región desolada y empobrecida del norte argentino, denominada “El Impenetrable”, los alumnos de una escuelita rural aguardan ansiosamente la visita anual de sus "madrinas", provenientes de la Ciudad de Buenos Aires.

Al llegar las madrinas, el paraje Los Pereyra cambia completamente. Sutil y conmovedora, UN LUGAR LLAMADO LOS PEREYRA examina la adolescencia, la caridad y el choque entre dos mundos.

Página del Documental: Los Pereyra

Tráiler:

Producido por : Hugh Gibsonn & Andres Livov- Macklin; Produccion Ejecutiva : Peter Starr; Productores asociados: Raul Eudes Chavez & Houry Chavez, Morocha Films (Argentina); Cámara: Clodo Luque; Música original: Gary Marlowe; Montaje: Ryan J. Noth; Sonido: Gaspar Scheuer; Montaje de sonido: Finlay Braithwaite; Online & Mezcla de sonido: Andres Landau

COLLAPSE

Dir. Chris Smith

(82 min.)

E.U. - (Colapso) Hijo de una criptógrafa y de un piloto de combate, Ruppert aprendió desde bien pequeño a desarrollar lo que él llama "pensamiento crítico". En 1973 se licenció el primero de su promoción en la academia de policía de Los Ángeles y empezó lo que prometía ser una fulgurante carrera como detective. La cosa se truncó a principios de los años ochenta cuando declinó una oferta de la CIA para incorporarse a sus filas y ayudarles a entrar droga ilegalmente en el país... o eso afirma él. Fue entonces cuando fue expulsado del departamento, perseguido, tiroteado y desacreditado sin que nada de ello pueda ser corroborado sin duda alguna excepto por la versión del propio Ruppert. Desde ese momento, el ex detective se obsesionó con los secretos y se especializó en el periodismo de barricada. A principios de los noventa empezó a publicar From the wilderness, una especie de boletín donde daba rienda suelta a sus teorías, mayormente financieras. Hasta aquí no hay nada en Ruppert que le separe de la saga de amantes de las conspiraciones que campan a sus anchas por el mundo. Sin embargo, en 2005, este amante de los perros y las largas caminatas por la playa empezó a escribir sobre el advenimiento de una terrible crisis financiera global. Ruppert predijo, punto por punto y con años de antelación, el hundimiento de la economía estadounidense: el final de las subprimes, la deriva de los productos derivados, y la quiebra de la banca y de los -en teoría invulnerables- grandes entramados bursátiles del país.

En 2008, Chris Smith (un director amante de la sobriedad, a las antípodas -por ejemplo- de Michael Moore) propuso a Ruppert un documental sobre sus teorías, ya que según el ex detective el auténtico colapso financiero está por llegar, en lo que será un Apocalipsis en toda regla, producido mayormente por el agotamiento del petróleo. El documental, llamado simplemente Collapse, muestra a Ruppert mirando a cámara, fumando un cigarrillo tras otro, articulando un guión sencillo pero terrorífico, aconsejando al espectador que compre oro y semillas porque pronto serán la única moneda de cambio que tendrá algún valor. Su convicción es aterradora, tanto como el hecho de que algunos de los síntomas que -según Ruppert- señalarán el inicio del cataclismo se estén produciendo ya. El documental se encarga también de aclarar que Ruppert no tiene ni un dólar, no puede pagar el alquiler y está tratando de evitar ser desalojado de su propia casa, ninguneado día sí, día también. - Toni García, El país. -

Página del documental: Collapse

Ver documental:

LA TRAVESÍA DE CHUMPI

Dir. Fernando Valdivia

Perú. - El documental presenta por primera vez el santuario secreto de este pueblo, amenazado por las concesiones petroleras.

La historia es narrada por un niño de 9 años llamado Chumpi, quien junto a su abuelo el Apu Irar, nos hará conocer uno de los bosques más sanos y con mayor biodiversidad de la amazonia.

Los pobladores de Chicherta, una pequeña comunidad Achuar de la Amazonía peruana, quieren proteger su santuario secreto de la llegada de las empresas petroleras a las que se les ha concesionado este lugar sagrado y también gran parte de su territorio.

El viejo Irar guía a su nieto Chumpi y a un grupo de la comunidad en una expedición cruzando los ríos y bosques más sanos de la selva para revelar al mundo- por primera vez- la existencia de su santuario. - Servindi. -

Tráiler:

Guión: Fernando Valdivia, Héctor Gálvez; Producción Ejecutiva: Aliya Ryan, Tania Medina, Gregor McLennan; Producción en Campo: Andrea De Echave; Imágenes adicionales: Alex Giraldo; Asistencia de Cámara y Luces: Alex Giraldo, Percy Pacco; Sonido y Asistencia General: Angel Mozombite, Alvaro Zavala; Edición y Post producción: Gustavo Sánchez, Carlos Marín, Fernando Valdivia.; Banda sonora: Pepe Chiriboga

ESE EME

Dir. Sergio Rojas Zaurín

Venezuela. - Película de corte totalmente underground, que cuenta la historia de la banda de rock más influyente de Venezuela, Sentimiento Muerto, a través de los testimonios de personalidades del rock que se sintieron influenciados por ellos o intervinieron en el proceso de convertirlos en la banda más importante de Venezuela. La película explora los inicios, éxitos y la trágica disolución de esta banda pionera en MTV.

En este proyecto se unieron diferentes profesionales del mundo audiovisual y de la música a lo largo de año y medio de producción. Todos sentían la necesidad de contar esta historia y dieron su desinteresado aporte. El director, inició el documental mientras residía en España. La primera entrevista fue a Desorden Público que hacía una gira por Europa, luego vino la del cantante Miguel Ríos quien fue el que llevó a S.M. a Madrid en los 80s. Así el director fue buscando las piezas que hilaban la historia en ciudades como Caracas, Atlanta y Puerto La Cruz.

ESE EME es la historia que muchos querían ver y, sin embargo, no había podido salir hasta ahora. Una historia que empieza con el nacimiento de la banda cuando todavía sus integrantes estaban en el colegio, desde aquel “Viernes Negro” que colapsó la economía venezolana y finaliza con la trágica muerte de su guitarrista y alma musical Cayayo Troconis.

Músicos como Asier y El Enano de Caramelos de Cianuro expresan en este documental lo que representa para el rock venezolano Sentimiento Muerto, al igual que proyectos de sus integrantes que surgieron a partir de la separación de la banda como: Dermis Tatú y Pan. Los cuales siguen siendo recordados en artículos, libros, discos y conciertos tributos. ESE EME es una película independiente sin posturas formales que no deja de ser nostálgica por lo que les traerá recuerdos a muchos. - Adixin, Smartmusic. -

Tráiler:

EL VIAJE DEL COMETA

Dir. Ivonne Fuentes

(86 min.)

México. - (The journey of the comet) Cuenta la historia de una pareja de maestros jubilados que transforman un autobús escolar en desuso en su casa rodante, y con la ayuda de unos telescopios inician un viaje lleno de aventuras.

Su objetivo es visitar algunos de los sitios más apartados de México para enseñar gratuitamente un poco de astronomía en las escuelas públicas del país.

"Creemos que cualquier labor desinteresada por contribuir al crecimiento intelectual de los mexicanos es digna de consideración y apoyo", dijo la directora.

Agregó que los profesores protagonistas de este largometraje promueven la astronomía en las comunidades más abandonadas del país, donde nunca antes habían podido ver el cielo a través de un telescopio.

"Consideramos que ofreciendo esta oportunidad podemos ser fieles a lo que el documental y el proyecto de astronomía de los maestros pregonan: es necesario aportar algo a la sociedad y concientizar sobre nuestra función en el país", agregó. - Milenio. -

Página del documental: El viaje del comenta

Ver documental: 

BATTLE OF SAN PIETRO

Dir. John Huston

(32 min.)

Italia. - Documental que trata sobre la batalla de San Pietro, un pequeño pueblo en Italia.Cerca de 1000 soldados US fueron asesinados mientras trataban de tomar este lugar, la cual estaba bloqueada por las fuerzas aliadas de los alemanes. Se proyectaba a los soldados norteamericanos antes de marchar al frente como parte de su entrenamiento militar, pero se prohibió su visión en salas comerciales por parte del público civil; "Let There Be Light" (1946), también de Huston, documental sobre la rehabilitación de los soldados heridos de gravedad, fue vetada por el Departamento de Guerra. Cultivadores de culto.

Parte UNO de tres:

Parte DOS; parte TRES

LAW AND ORDER

Dir. Frederick Wiseman

(81 min.)

39 POUNDS OF LOVE

Dir. Dani Menkin

(70 min.)

E.U. - Israel. - (39 libras de amor) Cuenta la historia de Ami Ankilewitz, un hombre israelí que ha desarrollado una rara forma de distrofia muscular desde el primer año de edad, e incapaz de mover alguna parte de su cuerpo excepto por un dedo. A la madre de Ami le dijeron que él no sobreviviría más allá de su sexto cumpleaños, pero a los 34 años, él ha probado que la ciencia se equivoca. Volviendo a los Estados Unidos, el milagro de 39 libras de peso se encuentra con el doctor que le dijo aquello a su madre y hace las paces con su hermano. (Traducción libre) Mistermovietimes. -

Página del documental: 39 pounds of love.
Ver documental: Snagfilms

Tráiler:

OJO DE PEZ MEETING - BARCELONA 2010

España. - Encuentro para profesionales de la fotografía documental impulsado por La Virreina Centre de la Imatge y la editorial La Fábrica, y que espera convocar a más de 200 participantes.

Participarán 45 invitados, la mayoría de ellos extranjeros, para remarcar la vocación internacional de un encuentro que nace con la intención de "mirar hacia la nueva fotografía documental", según ha explicado en rueda de prensa el director de La Fábrica, Alberto Arnaut.

Los primeros en hablar de su experiencia serán el italiano Oliviero Toscani --responsable de las famosas campañas de publicidad de Benetton en los años 80 y 90-- y la estadounidense Susan Meiselas, autora de unas fotografías sobre la insurrección de Nicaragua entre 1978 y 1979 que le valieron la medalla de oro Robert Capa.

También participarán profesionales como el editor de 'Newsweek', Jamie Wellford; el editor de 'Vu', Christian Caujolle, y fotógrafos como Alex Majoli, Michael Ackerman, Donals Weber y Bloomberg&Chanarin, entre otros. Muchos de ellos estarán presentes en el visionado de los portfolios, uno de los ejes centrales del congreso y una oportunidad para que los jóvenes fotógrafos conozcan la opinión que los profesionales tienen de sus trabajos. Para participar hay que abonar 100 euros, aunque el precio total del certamen asciende a 165 euros.

Para complementar este "encuentro entre autores y editores", el congreso también contará con un ciclo de cine documental, que irá a cargo de cineastas fotógrafos, e incorporará un librería donde poder adquirir las obras de los fotógrafos participantes. - Europapress. -

Página de la Muestra: Ojo de pez