RÉPONSE DE FEMMES

Dir. Agnés Vardá

1975 - 8 min.

EL NOVENO

Dir. Basilio M. Patino
1960 - 11 min.

F FOR FAKE

Dir. Orson Welles

1973 - 89 min.

Todos los artistas dejan ver en sus obras crepusculares la parte más reflexiva de su visión existencial. Orson Welles, ya en la última etapa de su creación, realizó con F for Fake una magnífica reflexión sobre uno de los temas que más insistentemente aparece a lo largo de toda su filmografía: la dualidad entre lo real y lo ficticio en la representación artística.

Vía / Miradas

Muchas de las obras de Orson Welles tratan sobre grandes personajes que comparten un halo de misterio y un alma infranqueable. Así, existe cierto paralelismo entre las figuras de Kane, Quinlan, Arkadin, Otelo e incluso los frustrados Kurtz o Hannaford. El mismísimo Welles consiguió forjarse una personalidad enigmática como artista rechazado e incomprendido por la industria. A Welles le gustaba en sus obras tratar de confundir los hechos narrados con una pretendida realidad documental que no era más que una segunda ficción. El discurso realista se entrecruzaba en muchas de sus obras con la más extrema estilización formal, de manera que, al analizarlas, se hace imposible diferenciar la verdad de lo meramente ficticio. Esta dualidad entre lo que es realmente cierto y la pura farsa fascinaba a Welles, llegando a configurarse a lo largo de su carrera como uno de los ejes temáticos de mayor envergadura en sus obras (1). No deja de sorprender, no obstante, que lo que esconde Welles bajo la chistera pueda ser en realidad una cruda reflexión existencialista sobre el sentido de la identidad en el ser humano. Como el claro ejemplo de Kane o el mismo Joseph K. de El proceso (Le procès, 1963) estos personajes se plantean en muchos casos la verdad sobre su propio yo llegando a afirmar, como Arkadin, que no saben quién son.

Algunos defienden que se puede considerar toda la filmografía de Welles como crepuscular, y que detrás de cada uno de sus films se encuentra siempre la misma búsqueda: la verdad sobre el alma humana. Pero Welles jugó siempre al ratón y al gato con aquellos que quisieron conocer la suya propia. Durante su vida, la misma búsqueda existencial que sobre los personajes se ejercía en sus films, se intentó extrapolar a la figura del director. Biógrafos, periodistas y críticos intentaron recomponer las piezas del personaje más ambiguo y enigmático de toda su filmografía: él mismo. Aún no existir en los films de Welles un alter ego (2) irrefutable de su propia personalidad, fragmentos del director se escapan escurridizamente del alma de sus personajes. Pero el difícil discernimiento entre lo puramente autobiográfico (real) y la simple representación muestra que Welles dejaba bien claro que el engaño y los dobles significados también forman parte del juego.

Ver documental (subtítulos en español):

F for Fake es una historia sobre engaños. En los inicios de la carrera profesional de Welles se encuentran diversos precedentes formales de este film. Tanto el pastiche biográfico de Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) como el inacabado documental sobre el Carnaval de Brasil It's All True (1942), son claros precedentes de esta película. Utilizando como punto de partida un material no rodado por él, sino perteneciente a los descartes de un documental sobre falsificadores que François Reichenbach había realizado en 1968 para la televisión francesa, Welles teje con F for Fake un complejo rompecabezas en el que la dualidad realidad/ficción se lleva al extremo. Los ejes narrativos principales son las historias de dos de los más famosos falsificadores del siglo XX: el primero de ellos es Elmyr d'Hory, pintor americano de poca monta que saltó escandalosamente a la fama por ser el mayor falsificador de obras de arte conocido hasta entonces. D'Hory falsificaba cuadros de Modigliani, Matisse o Picasso, y era reclamado por la justicia de varios países. La corrupta trayectoria profesional de d'Hory salió a la luz a través de una biografía publicada por un escritor venido a menos, a quien d'Hory había conocido en Ibiza y que se había casado con una amiga del pintor, también artista. Welles quedó fascinado por el material que sobre d'Hory vio en el documental de Reichenbach y finalmente se decidió a realizar el film tras estallar el escándalo publicado en Life que denunciaba otro fraude, esta vez realizado por el mencionado biógrafo de d'Hory, Clifford Irving, el cual fue acusado de la publicación de una autobiografía totalmente falsa sobre el multimillonario Howard Hughes. Esto le venía que ni pintado a las intenciones de Welles, así que rodó material auxiliar sobre los dos falsificadores, los cuales hablaban abiertamente de sus respectivos escándalos con una seguridad que poco presagiaba su oscuro destino (3). La película que finalmente montó Welles, era un caótico collage que mezclaba fragmentos del material ajeno perteneciente a Reichenbach con los filmados por él mismo y también con trozos de otras obras (4) . El film expone el retrato de dos personalidades tan interesantes como enigmáticas, tal y como gustaba Welles experimentar en su cine. Pero en él también se incluye un autorretrato, y el dúo de protagonistas se amplía y enriquece con el análisis de Welles sobre el propio Welles. En un prólogo en el que el director aparece como prestidigitador ante unos atónitos niños, Welles comienza a jugar traviesamente con la ambigüedad de su propio yo. Posteriormente, y tras afirmar que lo que acontece en la hora siguiente del film es pura realidad (paradoja que trata de cuestionar en sí la realidad sólo aparente de cualquier hecho fílmico, por realista y documental que sea), Welles procede a desgranar las identidades de los dos estafadores, utilizando para ello un montaje vertiginoso en el que combina los fragmentos rodados por Reichenbach con los suyos propios y en los que intercala su narración alternando su aparición en pantalla con el maremagnum de datos de las historias de d'Hory y de Irving.

F for fake no es un film montado, es en sí un montaje. Welles dirige con maestría en el film el ensamblado de planos asfixiantes que se suceden a una velocidad de vértigo. El collage de imágenes se ve reforzado por la inclusión de fragmentos de periódicos y noticiarios televisivos, que configuran una segunda narración de fondo de carácter más objetivo y documental que los fragmentos de las entrevistas a los estafadores, material del cual el espectador de por sí ya desconfía. La sala de montaje, como laboratorio del científico-mago es el escenario de la narración de Welles, y en ella la moviola aparece como el instrumento creador de magia, que permite convertir unos fragmentos de película inconexos en un continuum que otorga realismo y engañosa autenticidad a lo montado. Se produce en este film una excelente puesta en práctica de los antiguos ejercicios formales realizados por la escuela soviética de los años veinte. Los experimentos de Kuleshov, que trataban de demostrar el poder del montaje como creador de una ilusoria continuidad espacial y de significado entre planos, están de alguna manera presentes a lo largo del film, todo el cual es en sí ya un experimento formal. Un magistral ejemplo se da en la secuencia del fotomontaje de Picasso, en la cual Oja Kodar mantiene un falso idilio con el pintor, quien aparece cómicamente representado en fotografías recortadas de diversas expresiones de su cara tras una persiana veneciana, creando con ello una ficción que denuncia el gran poder ilusionista del montaje. Es el cine pues, a través del procedimiento de ensamblaje de planos, un fraude, ya que bajo la apariencia de realidad que muestra, se esconde la mayor mentira que un medio artístico pueda perpetrar: la falsificación de la realidad. Aquí aparece una de las reflexiones más importantes del film: ¿qué es realmente el arte? ¿quién tiene el poder para decidir qué es realmente artístico o no? Afirma d'Hory que sus falsificaciones, extendidas por todo el mundo y que cuelgan de las paredes de reconocidos museos, se convierten en obras artísticas si son expuestas durante suficiente tiempo. La polémica estaba servida, y venía irónicamente a cuento de las acusaciones que Welles había recibido tan sólo dos años antes por la crítica cinematográfica americana Pauline Kael, en las cuales se cuestionaba la autoría de Welles sobre el guión de su Ciudadano Kane, el único reconocimiento oficial de la industria a su obra. No hay nada gratuito en la reflexión de Welles. Existe un amargo paralelismo entre la crítica al mercado del arte, al funcionamiento de éste como fábrica de dinero que controlan unos pocos, quienes se creen con el único criterio para determinar qué es arte y qué no, y la triste realidad que acompañó la filmografía de Welles.

Tras el retrato de los dos falsificadores, y aún dentro de la hora establecida como "rigurosa realidad", Welles pasa a realizar su autorretrato, describiendo su particular incursión en el mundo del fraude con diversos ejemplos de su trayectoria profesional, ente los que destaca de manera especial el que protagonizó al representar radiofónicamente la invasión marciana en Nueva Jersey. Welles se introdujo a sí mismo en el film como falsificador, según él mismo comenta, para no dar una imagen de prepotencia sobre los otros dos impostores. Pero lo cierto es que en el film de Welles existe más una reflexión personal sobre su propia condición de artista que no un retrato objetivo de unos falsificadores. Cerrando ya la hora anunciada de pretendida realidad objetiva, Welles se sumerge a continuación en un monólogo existencial en el que plantea lo efímero de la vida y la obra del hombre, poniendo en tela de juicio la importancia de la creación y la autoría del artista, a quien irremisiblemente el tiempo acaba por destruir. Este aparente desprestigio sobre la obra de arte y sobre el espíritu del artista plasmado en ella, no puede responder más que la irónica respuesta ante los ataques de la Kael, los cuales precisamente lo acusaban de farsante en la autoría de su propia obra.

Welles finaliza el film con un epílogo en el que perpetra otra farsa más: la del ya mencionado fotomontaje de Picasso que lo convierte en un viejo verde seducido por los encantos de la bellísima Oja Kodar. Esta secuencia había sido ideada unos años antes por la propia Oja, y Welles consideró que tal burla sobre el afamado pintor venía muy a cuento con las intenciones del film. Oja interpreta el papel de una joven que seduce al pintor y consigue de él, a cambio de posar desnuda y hacerle revivir su libinidosa juventud, veintidós cuadros que, aún pudiendo ser vendidos como obras originales de un período nuevo del pintor, son destruidos por el abuelo de la joven quien vende imitaciones de estos como si fueran los originales. De nuevo la farsa de la representación y la realidad, el doble juego entre la copia y el original. Este es el fraude particular del prestidigitador Welles, el guiño a toda su carrera como mago cinematográfico.

F for Fake se configura actualmente como una de las mejores y más personales obras de Orson Welles. Los últimos quince años de la carrera del cineasta, desarrollados principalmente en Europa, fueron quizás los más duros para él, en los cuales los proyectos se sucedían con multitud de dificultades para encontrar financiación. Welles manifestó que con F For Fake descubrió un nuevo tipo de cine, aquel que quería seguir realizando a partir de entonces (5). Pero la mala aceptación que el film obtuvo en Estados Unidos y Gran Bretaña no hizo más que acrecentar la enorme decepción que Welles sentía hacia la industria a la que había dedicado lo mejor de su genio. Y es que si el negocio cinematográfico americano no quiso o no supo entender su arte, bien es cierto que afortunadamente y pese a ello, Welles nos legó unas obras que bien merecen, ¿por qué no?, el calificativo de arte.

(1) Sirva de ejemplo a su gusto por el mundo de las falsas apariencias, uno de los espectáculos más curiosos en la trayectoria profesional de Welles, el Wonder Show de Orson Welles, espectáculo de variedades creado para entretenimiento de los soldados que partían al frente durante los años de la Segunda Guerra y en el cual colaboraban con Welles sus incondicionales del Mercury, entre los que se encontraban Joseph Cotten o Agnes Moorehead, así como la misma Rita Hayworth y en algunas ocasiones hasta la inestimable amiga Marlene Dietrich. 

(2) El personaje que se considera más cercano a la personalidad del cineasta fue precisamente el Jake Hannaford de The Other side of the Wind, interpretado por el mismísimo John Huston, película que nunca llegó a acabar, aún cuando lo intentó durante diversos años (el rodaje le coupó de 1971 a 1976) 

(3) Elmyr d'Hory acabó suicidándose ante la posibilidad de aceptación de extraditación por parte del gobierno español al francés, y el matrimonio Irving acabaron finalmente en la cárcel, en Estados Unidos.

(4) La imágenes que ilustran la narración del episodio de La Guerra de los Mundos que protagonizó Welles en el año 1938 pertenecen a la película The Hearth vs The Flying Saucers, realizada por Fred F. Sears en 1956. También se incluía un fragmento del espectáculo de magia antes mencionado en el que Welles cortaba en dos nada menos que a Marlene Dietrich. 

(5) Las afirmaciones de Welles que se comentan en este artículo están extraídas del documental biográfico producido por Canal+ en el año 2000: Orson Welles en el país de Don Quijote, realizado por Carlos Rodríguez sobre un guión de Carlos F. Heredero y Esteve Riambau.

A retrospective: 

ENLACES - FEBRERO, 2012

Entrevistas:

- Oliver Lambert y Thomas Salva (FRA): Webdocumentaries

- Expanding Documentary: Jon Dovey's talk about the emerging mode of interactive documentary - Dcrc

- Dismantling Detroit (A propósito de Detropia) - NYTimes

- Interviews All 7 Oscar-Nominated Filmmakers for Best Documentary - Indiewire

- Meet the Oscar-nominated Filmmakers: Lucy Walker and Kira Carstensen ('The Tsunami and the Cherry Blossom') - Documentary

- Berlinger, Sinofsky on “Paradise Lost 3″ - Realscreen

- ‘Undefeated,’ As Luck Would Have It - Pbs


Críticas: 

- Churchill's island - Nfb

- La caverna de los sueños olvidados (Werner Herzog) - EEImaginario


- Photographic memory (Errol Morris - ESP) - Blogandocs

- Under Fire: Journalists in Combat (ING) - Docgeeks

- Anton Corbijn: Inside Out - Variety



Textos:

- La (re)escritura de lo real. Apuntes sobre la poética documental de Claire Simon. - Blogsandocs

- Verdades honestas: la ética en el cine documental - Revista cine documental


Artículos:

- Los mejores documentales musicales de todos los tiempos (ING)  - HufftingtonP

- Los mejores documentales de hip-hop (ING) - MFW

- Acerca de "Cesare deve morire" - Noticine

- Documentales nominados en Festival de Guadalajara - Guadalajara

- Grandes documentales de famosos films - TAtlantic

- Chris. Marker : Le point de vue documenté - CD

- Making 'The Apple Pushers,' a Film About New York's Street Vendors - The Atlantic



Ver:


- In Search of Haruki Murakami - Youtube

- Stealing nation - Libcom

EL WINGADOR

Dir. Errol Morris

2012 - 10 min.

El que come muchas alitas de pollo. 

ETERNO NÓMADA

Dir. Ernesto McCausland

2012 

En febrero de 1989, el poeta y cineasta francés Claude Herviant falleció en un accidente en La Guajira, Colombia, mientras filmaba la que sería su última película, «Kantus: el viaje final». 

Sus familiares decidieron cumplir su voluntad expresa, de enterrarlo donde lo sorprendiera la muerte. Así, Herviant quedó sepultado en el pequeño cementerio indígena de Cucurumana. 

Veinte años después, los líderes de esa ranchería comienzan a exigirle a la familia en Francia que se haga presente, puesto que es urgente realizar la ceremonia del Segundo Funeral, que consiste en exhumar los restos hueso a hueso y llevarlos a un osario, un ritual que demora ocho días en medio de un gran festín de comidas y bebidas autóctonas. 

Argumentan los indígenas que Herviant se aparece en las noches y que muchos animales han muerto, como consecuencia del prolongado entierro. 

Pero para los familiares, en un país tan lejano como Francia, y con una manera muy diferente de concebir la muerte, semejante prueba no es nada fácil.

Página en FB: Eterno Nómada

Tráiler: 

O´BARQUIÑO

Dir. Nico Aguerre
2011 - 12 min.

O'barquiño es un bar gallego que pasa inadvertido, camuflado entre las calles del barrio del Raval. Manolo Carrión reúne cada sábado allí a viejas glorias de la copla y vedettes retiradas. El público siempre es el mismo, los temas y los artistas también. Cada semana reivindican su dignidad sobre el escenario.

Hay documentales que por la candidez y sinceridad de personajes se vale verlos antes que ir a la esquina a tomar té. 

Si luego hay problema para verlo, enlace acá

REGRESO A VIRIDIANA

Dir. Pedro González Bermúdez

2011 - 30 min.

Reciente ganador del Premio Goya (España) como Mejor cortometraje documental. La sinopsis oficial dice: En 1960, la estudiante francesa Monique Roumette se encontraba en Madrid para disfrutar de una beca de estudios. Gracias a un amigo que trabajaba en la productora UNINCI tuvo el privilegio de asistir al rodaje de Viridiana, de Luis Buñuel. Como trabajo final de esas prácticas, Roumette redactó un informe que, 50 años después, se ha convertido en la fuente de inspiración de Regreso a Viridiana, un corto documental que sumerge al espectador, con impresiones de primera mano, en la creación del filme de Buñuel.

Del rodaje Roumette recuerda, entre otras cosas, que el director de Calanda nunca alzaba la voz, pero imponía un silencio respetuoso. “Era una autoridad incuestionable. Cualquier cosa que decía era como el Evangelio. Sabía exactamente lo que quería”. Según explica, el guión de la película pasó casi sin problemas la censura. “Parecía una cosa de santos pero cuando veías el humor que tenía Buñuel te dabas cuenta de que se estaba preparando una bomba de relojería”.

Roumette termina el documental recordando una cita de Octavio Paz. “El escritor mexicano decía: ‘Basta que un hombre encadenado cierre los ojos para que pueda hacer saltar el mundo’. Buñuel lo retoma diciendo: ‘Si el párpado blanco de la pantalla pudiera reflejar la luz que le es propia, haría estallar el universo’. O sea que Buñuel va más allá, y me parecen muy importantes estas palabras para definir su tipo de cine”.

Ver documental:
Dado el caso que no pueda verse, siga el enlace

UNA EXCEPCIÓN - ESTRELLA DEL SUR

¡Porque hay que ofrecerle todas las energías a los proyectos más cercanos!.

Tráiler: 

www.estrelladelsur.co/

CESARE DEVE MORIRE

Dir. Paolo Taviani / Vittorio Taviani 

2012 - 76 min.

Ganador del Oso de Plata en Festival de Berlín 2012 (máximo galardón del certamen). Los directores son hermanos y han trabajado alternándose escenas (que no películas) entre uno y otro. En este documental la representación de Julio César de Shakespeare llega a su fin y los actores son recompensados con numerosos aplausos. Las luces se van, los actores dejan el escenario y vuelven a sus celdas. Todos son internos de la Prisión romana de máxima seguridad Rebibbia. Uno de ellos dice: ‘Desde que descubrí el arte esta ceda se ha convertido de verdad en una prisión’. Los directores Paolo y Vittorio Taviani pasaron seis meses siguiendo los ensayos de esta producción teatral; su película demuestra cómo el lenguaje universal de Shakespeare ayuda al actor a entender sus papeles y a adentrarse ellos mismos en el juego de amistad, y traición, poder, deshonestidad y violencia del bardo. Este documental no señala los crímenes que estos hombres han cometido en la vida "real"; más allá de eso, hace un paralelo entre este drama clásico y el mundo de hoy, describe el compromiso que esto envuelve y muestra cómo las esperanzas y miedos personales también se encuentran en sus actuaciones. Después del estreno las celdas se cierran detrás de César, Brutus y los otros. Estos hombres se sienten orgullosos y extrañamente sentimentales, como si la actuación les hubiera revelado de algún modo las profundidades de sus historias personales. [Sinopsis del Festival Internacional de Berlín 2012] 

Tráiler: 

CALL ME KUCHU

Dir. Malika Zouhali-Worral / Katherine Fairfax Wrigt
2012

De estreno en el Festival de Berlín 2012 se llevó el premio como mejor documental en los Premios Teddy junto con el Premio Cinema Fairbindet. Call me Kuchu es la historia de David Kato, defensor ugandés de los derechos humanos gay asesinado.

El miércoles 26 de enero de 2011, David Kato, uno de los más destacados activistas por los derechos de la comunidad gay fue golpeado a muerte en su domicilio, semanas después de haber ganado un caso en la justicia contra un tabloide que incitaba a matar a los homosexuales.

David Kato, quien colaboraba con Minorías Sexuales de Uganda y otros activistas gay ugandeses había denunciado hostigamiento sistemático, que se había incrementado significativamente después de que un juez dispuso una orden judicial permanente contra el periódico tabloide Rolling Stone ugandés (que no tiene relación con la Rolling Stone de EE.UU.), e impidió que identificara a homosexuales en sus páginas. David Kato había sido retratado en la primera página de una edición titulada “Cuélguenlos”, y era uno de los tres demandantes.

Cuatro meses antes de morir, David Kato había participado en la Plataforma de Dublín de Front Line Defenders, y la fundación había provisto apoyo práctico para él y para otros integrantes de Minorías Sexuales de Uganda (SMUG, en inglés) mediante un subsidio para seguridad y protección.

Pese a que pocos meses atrás el asesino de David Kato fue sentenciado a 30 años de prisión, el clima de homofobia extrema está siendo exacerbado por la nueva presentación de la Ley contra la Homosexualidad”.

James Nsaba Buturo, ex Ministro de Ética e Integridad (derrotado en las últimas elecciones) y que se describe a sí mismo como un cristiano devoto declaró en su momento: “los homosexuales pueden olvidarse de los derechos humanos “.

La Ley contra la Homosexualidad tendrá que pasar una primera y una segunda lectura antes de llegar al debate. Sin embargo, los informes de debates previos de la ley, que fue introducida en el 2009 en medio de protestas en todo el mundo, podrían ser utilizados para acelerar este proceso. Si el parlamento aprueba la ley, el presidente no podrá vetarla. Algunas fuentes informan que esta ley dispone una serie de castigos, incluyendo la posibilidad de pena de muerte, para “delitos agravados”.

- Página del documental: Call me Kuchu
- Proyecto: Frontline defenders
- Entrevista a las directoras: Film Independent

Tráiler:

75 HABITANTES, 20 CASAS, 300 VACAS

Dir. Fernando Domínguez
2011 - 

Documental argentino muy bien recibido por las críticas festivaleras que lo han tenido en su contenido. Cuenta la sinopsis oficial que "una mañana Nicolás Rubió inicia un cuadro sobre la casa de su niñez en Francia, pero no puede recordarla. Desde Buenos Aires, evoca los años de su infancia para poner fin a este olvido. Es durante el proceso de reconstrucción que emprende Nicolás que descubrimos a un hombre y su mundo. Un mundo que ya no existe y un hombre que intenta rescatarlo."

Dice el director en una entrevista: "Me gustaría pensar que la película excede los límites de una definición y que no puede ajustarse a la etiqueta “documental de creación”. Es, entre otras cosas, una indagación sobre la mente y la memoria de un artista, de un hombre. La imposible reconstrucción de un tiempo y un lugar que ya no existen. Aparecen como tema la niñez, la soledad, el exilio e, inevitablemente, la muerte. También es una reflexión sobre la naturaleza de las imágenes, un retrato y un homenaje."

Nicolás Rubio es un pintor nacido en Barcelona en 1928. Gran parte de su obra está centrada en los personajes y los paisajes de Vielles, un pueblo en la región francesa de Auvergne, en donde pasó su infancia y al que hace referencia directa el título del documental, esto es que tenía 75 habitantes, 20 casas y 300 vacas. Además de la pintura, se destaca como pensador, investigador, conferencista, y escritor. Su interés por temas sudamericanos lo llevó a trabajar junto a su mujer, la artista Esther Barugel, en diversos proyectos tales como Los Maestros Fileteadores de Buenos Aires (1994). Nicolás Rubió vive actualmente en Buenos Aires.

Tráiler:

- Página del documental: 75h30c y 300v
- Entrevista al director: Cinevivo